Description de Jean-Baptiste Léonard de Vinci. Jean le Baptiste (Léonard de Vinci)

En science historique, il existe une date très conditionnelle pour la fin du Moyen Âge - 1456. Ils sont remplacés par la période de la Renaissance, qui a commencé principalement en Italie, quand il y avait un grand intérêt pour l'Antiquité avec ses réalisations dans divers domaines de la culture et de l'activité sociale.

Haute Renaissance

En Italie, déchirée par des contradictions internes, il y a soudain une explosion de spiritualité - la Renaissance de Léonard de Vinci. En même temps, le sombre Michel-Ange et le joyeux Raphaël, entourés d'une compagnie d'amis, se promènent dans les rues. A Florence, au même moment, ils reçoivent une commande pour peindre la cathédrale de Michel-Ange et de Léonard de Vinci, et ils confient à un jeune fonctionnaire en herbe le soin de surveiller l'avancement des travaux.N'est-ce pas là un élan de spiritualité ? Les idéaux de beauté de l'Antiquité, avec ses proportions mathématiques ajustées avec précision de statues et d'édifices, deviennent un modèle pour les artistes. Mais ils abordent cela de manière créative, avec une grande imagination, n'empruntant que ce qu'ils considèrent possible et approprié, traitant de manière créative l'héritage gréco-romain.

Héritage créatif de Léonard

Le génie de cet homme s'est étendu à presque tous les domaines de l'ingénierie et de la peinture. Il se positionne principalement non pas comme un peintre, moins demandé, mais comme un ingénieur qui pourrait créer des armes, par exemple, ou comme un cuisinier qui apporte de nouvelles inventions et des plats à la cuisine. A Milan, il était aussi le régisseur de la table du duc. Il surveillait à la fois la pose des tables de fête et la cuisine. Les réalisations techniques de Léonard de Vinci comprennent de nombreux dessins qui peuvent être utilisés pour construire un avion.

L'homme doit voler, croyait ce génie. Parmi ses inventions d'ingénierie, citons un parachute, un télescope à deux lentilles, des ponts portables légers pour l'armée et bien plus encore. Dans sa connaissance de l'anatomie, il avait trois cents ans d'avance sur son temps. Vivant en France ces dernières années, Léonard de Vinci a organisé des vacances à la cour, créé un plan pour un nouveau palais royal, modifié simultanément le cours de deux rivières et prévu un canal entre elles.

Art

Pour une raison interne, l'art n'intéressait guère Léonard de Vinci. Les œuvres qui sont parvenues jusqu'à nos jours sont relativement peu nombreuses.

Il faut également souligner que le seul portrait de Léonard peut ne pas le représenter. Da Vinci travaillait lentement et consacrait peu de temps à la peinture. Mais ses développements dans le domaine du champ artistique sont si grands et significatifs qu'ils sont à une hauteur inatteignable jusqu'à nos jours. Ses lignes floues, l'espace aérien entourant toutes les figures et les objets dans les images sont la façon dont nous voyons les objets représentés dans la vie.

Des cahiers

Il les portait constamment et notait la pensée qui lui venait dans une lettre secrète, inventée, bien sûr, par lui-même. Personne n'a encore entièrement déchiffré les notes de Léonard de Vinci. Au cours de sa vie entière, environ cent vingt livres de ce type ont été collectés, dans lesquels des fables et des anecdotes sont enregistrées. Ils ont des dessins et des croquis. Leonardo considérait que l'essentiel n'était pas la connaissance des livres, mais la connaissance des modèles et des choses. Son désir de faire avancer la science s'est avéré très grand.

Manuscrits

Les manuscrits de Léonard ont survécu jusqu'à ce jour, qu'il a écrits non pas avec sa main droite, mais avec sa main gauche. Il ne les a pas imprimés, bien que dans les dernières années de sa vie, de telles pensées lui soient venues à l'esprit. Il n'a pas écrit en latin scientifique, mais dans l'italien familier de son temps - de manière concise, concise, précise. Son langage est riche, vif et expressif.

Par conséquent, en plus des documents historiques et scientifiques, les documents ont une valeur artistique. Pour nos contemporains, le "Traité de peinture" écrit par lui est toujours d'actualité. Ses fables et histoires ludiques, ainsi que ses prophéties et allégories, ses épigrammes nous sont parvenues.

Peinture au tableau

Le tableau "Jean-Baptiste" de Léonard de Vinci a été peint à l'huile de noix sur bois en 1508-1513. Sa taille est de 69 x 57 cm.Je dois dire qu'à cette époque, il y avait une attitude complètement différente envers les matériaux pour la peinture. L'huile a résisté et blanchi au soleil pendant cinquante ans. Pendant soixante, voire plus, des planches ont été séchées. Et l'artiste a composé lui-même les peintures, à l'aide de cristaux, broyés en poudre.

Ainsi, Léonard de Vinci "Jean le Baptiste".

Le jeune John est représenté à demi tourné sur un fond sombre. La lumière tombe sur lui de la gauche. De l'index de la main droite, il désigne la croix, son attribut typique, et le ciel, comme s'il invitait le spectateur à réfléchir à la venue du Christ et à se préparer à sa venue. Jean-Baptiste Léonard de Vinci parle au spectateur avec ses yeux, souriant doucement. Son apparence est caractéristique d'un Leonardo mature. Le vêtement de l'ermite est une peau de fourrure dans laquelle il n'est pas entièrement recouvert. L'épaule droite aux proportions correctes est restée nue. Jean-Baptiste Léonard de Vinci a de longs cheveux bouclés qui tombent sur ses épaules. Le modèle, vraisemblablement, était son élève Salai. Les transitions de la lumière aux ombres sont subtiles et raffinées. C'est le fameux sfumato, qui, avec des transitions douces et douces entre les tons clairs et foncés, souligne la plasticité et la rondeur des formes parfaites, et reflète également l'état spirituel du saint. Il est tout simplement impossible de détecter les marques de pinceau sur la toile.

La première mention du tableau "Jean-Baptiste" de Léonard de Vinci remonte à 1517. Après la mort de Léonard, cette œuvre est devenue la propriété de son élève Salai, qui en a fait une copie pour lui-même, et elle est bien conservée. Et après sa mort, des proches ont vendu l'original à la France. Cette œuvre s'est donc retrouvée au Louvre. Mais plus tard elle fut revendue à l'Angleterre dans la collection de Charles Ier. Après l'exécution du roi, elle se retrouve déjà en Allemagne, mais pas plus tard que les agents de Louis XIV la rachètent, et elle réapparaît en France. Et maintenant, il est exposé au Louvre.

En particulier, ils ont parlé d'un certain geste par lequel on peut identifier un adepte de cet enseignement gnostique. C'est un geste de pointage - haut, bas, sur le côté, c'est-à-dire n'ayant pas de direction fixe - mettez de côté l'index. Un geste que l'on retrouve assez souvent dans les tableaux de Léonard de Vinci. Son doigt "Jean-Baptiste" pointe quelque part vers le haut.

Dans une autre histoire, "Madonna in the Rocks", le message est prétendument crypté que John est un véritable professeur de Vérité.
Il existe deux versions du tableau "Madonna in the Rocks" dont une, écrite selon tous les canons de l'église, se trouve à la National Gallery de Londres. Sur celui-ci, à côté de la Madone (selon les critiques d'art), Jésus est représenté, qui est baptisé par Jean-Baptiste assis à côté de l'ange. De plus, Jean paraît plus jeune que Jésus, et tient... une croix ! Un autre détail - l'ange est représenté avec des ailes sombres, qui sont recouvertes d'une cape écarlate brillante, et de plus - avec une patte griffue! Selon les historiens de l'art, c'est cette image non canonique de l'ange qui est devenue la raison pour laquelle les clients ont exigé que le tableau soit redessiné.
Le deuxième tableau, Madonna in the Rocks, est conservé au Louvre. Vraisemblablement, c'est la première version de la peinture. Ici, l'ange pointe vers Jean (les historiens de l'art insistent sur le fait que Jean-Baptiste est assis à côté de la Madone et que Jésus est avec l'ange). Ici, Jean est plus âgé que Jésus. Mais! Jésus baptise Jean, et non l'inverse, ce qui est contraire à l'évangile. Contrairement à la version londonienne de la Madone, il n'y a pas de halos dans ce tableau.

En général, le sens du film se résumait au fait que presque tout le travail artistique de Léonard visait à transmettre à la postérité la vérité sur les origines du christianisme.

Jamais auparavant entendu dire que Léonard de Vinci était un adepte d'une certaine foi. Connu pour ses conflits avec l'église. Alors que son génie était sans limite, il possédait certainement des connaissances secrètes obtenues de l'extérieur.
Mais la révélation fut que Léonard de Vinci était classé parmi les Madeys (à propos, la seule secte gnostique survivante).

Alors regardons tout dans l'ordre:

Jean le Baptiste, 1513-1516 Persienne.

Regardez attentivement votre main droite. Il n'est pas seulement dirigé vers le haut - il est également représenté sans l'annulaire ni l'auriculaire (comme la main droite de Jean-Baptiste).

Madone de l'Enrouleur. 1501. (Collection privée)

1. Que voient les chrétiens sur cette image ?
Notre-Dame Marie et l'enfant Jésus

2. Que voient les Mandéens sur la même image ?
Notre-Dame Elizabeth avec Jean-Baptiste.

Et pour ceux et pour les autres sur la photo, c'est la Madone, seulement en faveur de la deuxième version est la croix allongée que le bébé tient dans les mains - un symbole Jean le Baptiste .

Le postulat principal des Mandéens : La vraie mission est Jean le Baptiste, Jésus et Mahomet sont de faux prophètes.

Regardons maintenant les images suivantes :

Madone des rochers. 1482-1486. Persienne

À droite, l'archange pointe vers le bébé à gauche. Alors lequel est Jean, lequel est Jésus ?

Version ultérieure:

La Vierge aux Rochers. 1506-1508. Galerie nationale. Londres

Ici, le symbole de Jean-Baptiste est à gauche du bébé, c'est-à-dire dans la première image, l'archange pointe vers le vrai prophète Jean

"Madonna in the Grotto" - la première des célèbres créations de Leonardo, créée à Milan, et se situe aux origines de l'école lombarde.
L'interprétation du thème religieux est différente : dans la version Luva, les fleurs symbolisent principalement la Passion du Christ, dans la version londonienne, la pureté et l'humilité de Marie.

Dans la version londonienne, l'enfant Jésus (si avec la croix Jésus) est sensiblement plus âgé que l'enfant Jean. Remarquez la bénédiction à deux doigts du bébé sur la droite. En théorie, il s'agit d'un geste de Jésus, puisque nous savons que le geste de Jean est « un doigt pointé ».

C'est le "Sauveur du monde" - l'un des meilleurs soi-disant. versions étudiantes, dont sont restés les propres dessins de Léonard. La main de Jésus est levée dans un geste à deux doigts.

"Bacchus", à l'origine "Saint Jean Baptiste". Il a été retouché au XVIIe siècle.

A. Vezzosi, "Léonard":

"Vierge à la Grotte" pendant vingt-cinq ans fera l'objet d'une dispute entre Léonard et la Confrérie de l'Immaculée Conception à Milan. Malgré la découverte de nouveaux documents d'archives, cette image reste en grande partie un mystère.
Elle a provoqué de nombreux conflits depuis la disparition de la première version (aujourd'hui au Louvre). Les menaces et les plaintes se sont poursuivies jusqu'à ce qu'un accord sur la deuxième version soit conclu (maintenant basé à Londres). Ayant accepté la commande le 25 avril 1483, Léonard s'engage à achever le tableau en un peu plus de sept mois. Il ne put signer l'œuvre achevée que le 23 octobre 1508.
Dans ce tableau, la synthèse des principaux thèmes et signes hermétiques de Léonard, mystérieux et saturés d'allusions, qui donnent lieu à une infinité d'interprétations symboliques et théologiques, est saisissante : une grotte avec un ruisseau et des fleurs au fond de la terre, enveloppée de lyrisme mystique et de mystère. La grotte rocheuse et les montagnes imprenables et lointaines incarnent l'univers géologique dans un espace et un temps infinis, servent de scène au sacrement associé à un événement sacré, et tous les gestes restent incomplets dans la quête pour comprendre ce moment déterminant de l'histoire humaine.
L'iconographie ne correspond pas à celle prévue par le traité de 1483 (Vierge à l'Enfant entre deux anges et deux prophètes, mais sans saint Jean), ce qui fait penser à l'intention hérétique de Léonard.

La broche de la Vierge (La broche représentée au centre de la « Madone dans la Grotte » parisienne est absente de la version londonienne.) est d'un extrême intérêt pour la morphogenèse du tableau : elle incarne un certain microcosme, un œil de réfractaire lumière et ombre profonde, comme sur un miroir sombre. Le visage de la Mère de Dieu est situé à l'intersection de plusieurs diagonales, mais le centre de la composition est une broche avec vingt perles.

Dans la Madone du Louvre dans la Grotte, le regard de l'ange est tourné hors du tableau, vers le spectateur, qui, cependant, ne peut pas l'attraper. Certains considèrent cet ange comme ambigu - presque un démon à cause des mines sur sa jambe droite. Les quatre personnages de la version londonienne, formant une composition géométrique pyramidale avec des lignes en forme de croix, sont disposés plus librement dans l'espace. Chaque élément lumineux a sa propre dynamique visuelle, en particulier les plis jaunes du drapé de la Vierge, qui dans la version Louvre semblent être de l'abstraction pure, dans la version londonienne ils acquièrent la plausibilité d'une doublure. Le magnifique cadre en bois doré créé par Giacomo del Maiano a disparu sans laisser de trace, mais deux panneaux latéraux ont été conservés, qui ne représentent que deux anges musiciens au lieu des huit musiciens et chanteurs convenus à l'avance.

Vierge à l'Enfant avec St. Anne. vers 1502-1516. Persienne

- c'est un symbole de Jésus, que Jean-Baptiste appelait :

" ... Le lendemain, Jean voit Jésus venir vers lui et dit : Voici l'Agneau de Dieu qui ôte le péché du monde..."(Jean 1.29)

Il est très significatif que dans le tableau "Vierge à l'Enfant avec sainte Anne" (schémas de composition : pyramide et triangle), Anna tient Marie sur ses genoux. On peut interpréter cela comme signifiant que Marie est le successeur ou la "fille spirituelle" d'Anne. Il est également possible que le tableau contienne une allusion à l'ancienne coutume d'adoption. C'est arrivé comme ça. La mère porteuse lors de l'accouchement était soulagée du fardeau, assise sur les genoux de la mère adoptive, de sorte que le nouveau-né se trouvait entre les jambes de la seconde. Ainsi, l'accouchement symbolique donnait à la mère adoptive le droit légal d'appeler l'enfant le sien.

Dans ce sketch, la gestuelle des personnages est assez reconnaissable. Et, plus important encore, il est clair qu'avec un doigt pointé - Anna, et non Maria.

Rappelez-vous, bien sûr, le signe de John - L'INDICE ÉTENDU DE LA MAIN DROITE ... et regardez maintenant :

1. Un fragment de la peinture Madone de l'Enrouleur. 1501.
2. Esquisse pour le tableau Vierge à l'Enfant avec St. Anne. 1508.

Regardez attentivement le doigt du bébé.

Alors qui est là (dans le tableau Vierge à l'Enfant avec sainte Anne) à côté de l'agneau de Dieu, qui prend sur lui le péché du monde, puis tourne la tête ?

Jean et Jésus étaient liés :

"... Le Saint Prophète Zacharie et la Juste Elisabeth, son épouse de la famille Aron, soeur d'Anne, mère de la Bienheureuse Vierge Marie... "

Celles. St. Anna est leur parente commune

Comme je l'ai dit dans l'intrigue, lorsqu'une femme s'assoit sur les genoux d'une autre, cela signifie "mère porteuse".

Regardons à nouveau la Vierge à l'Enfant avec sainte Anne sous deux angles :

1. Ce que les chrétiens voient : sur les genoux de la "grand-mère" Anna est assise la "mère" Vierge Marie, à côté de l'enfant Jésus qui tire sur la tête d'un agneau.

2. Ce que les Mandéens voient: sur les genoux de la sœur aînée Elizabeth (mère de John) (la sœur cadette conviendrait mieux à une mère porteuse - alors le nom de l'image serait plus compréhensible "Vierge à l'Enfant avec St. Anne", c'est-à-dire Vierge - vierge ou nullipare) siège St. Anna, aux pieds de laquelle Jean (note - le doigt tendu de la main droite est recouvert de laine de mouton) et tire la tête de l'Agneau de Dieu (le symbole de Jésus) ...

"Voici Elizabeth, votre parente, appelée stérile, et elle a conçu un fils dans sa vieillesse, et elle a déjà six mois ..."(Luc 1:36).

Et rappelez-vous le tableau le plus célèbre de Léonard "Mona Lisa", voir :

MONA LISA = M-ad-ON-n-A E-LISA-betta (ital.)

Si Léonard considérait Jean comme la vraie Mission, alors :
Mona est une forme abrégée de Madonna (Notre Dame),
pour lui la Mère de Dieu, c'est-à-dire Madone - ELISABETH - abbr. LISA

Si notre version est correcte et que Léonard a représenté Notre-Dame des Mandéens Elisabeth, alors "Mona Lisa", "Madonna with Child and Spindle" et "Madonna with Child and St. Anna" doivent avoir quelque chose en commun ... Une sorte d'insaisissable symbole. Nous regardons:

J'ai aussi pensé au genre de rayures qu'ils ont tous sur le front qui ressemblent au pli d'une photo. Et puis j'ai regardé de près - tout comme un VOILE FUNÉRAIRE (sur la gauche, vous pouvez le voir clairement).

Et voici pourquoi Elizabeth a été représentée avec un voile de deuil :

"... XXIII. Entre-temps, Hérode cherchait Jean et envoya des serviteurs à Zacharie, disant : Où as-tu caché ton fils ? Il répondit, disant : Je suis un serviteur de Dieu, je suis dans le temple et je ne savoir où est mon fils. Et les serviteurs vinrent et dirent cela à Hérode. Et Hérode dit avec colère : " Son fils sera roi d'Israël. Et il lui envoya de nouveau (des serviteurs) disant : ton fils ? Car sache que ta vie est en mon pouvoir. Et Zacharie répondit : Je témoigne (martyr) de Dieu, si tu verses mon sang, le Seigneur recevra mon âme, car tu répandras le sang innocent devant le temple. Et avant l'aube, Zacharie fut tué, et les fils d'Israël ne savaient pas qu'ils l'avaient tué... "

H Il y a quelque chose de très intéressant dans l'image, qui est un trésor russe (conservé à l'Ermitage):

Madonna Litta (version agrandie)
L'œuvre porte le nom de son propriétaire au XIXe siècle. Duc Antonio Litta.
Le tableau a été créé dans un atelier milanais (1488-1490) vraisemblablement par Marco d'Oggiono ou Boltraffio. Léonard n'a apporté que des détails, parmi lesquels on reconnaît les cheveux bouclés "signature" du bébé, le teint et le cou en sourdine de la Madone. moi-même, j'ajouterai avec une forte probabilité le "filet de deuil sur la tête de Madonna".

Le bébé aux cheveux bouclés est généralement représenté comme une règle de Jean-Baptiste, un filet de deuil sur sa mère Elizabeth (Lisa) à propos de la mort de son mari, le père John.

Avant de comprendre l'image, permettez-moi de vous rappeler qu'à ce moment-là, Lorenzo Médicis (chef de la République florentine) décide de pousser son fils à la papauté.
Il marie sa fille Magdalena au fils illégitime d'Innocent VIII - Franceschetto. Et avec l'aide de son nouveau "parent", il fait de son fils de 13 ans Giovanni (futur pape Léon X) un cardinal.

Essayons de trouver des symboles qui confirment la supposition.

Quel est cet oiseau dans la main gauche du bébé ?

C'est un chardonneret.

Chardonneret - Cardellino (italien) vient de l'italien. Cardo est un chardon dont cet oiseau se nourrit souvent des graines.
Cardo (lat.) signifie "axe, tige" de ce mot est formé et un autre italien. le mot cardinale (cardinal).

En fait, en italien "petit cardinal, cardinal", probablement, ce sera "Сardinallino". Il est inutile de trouver un mot dans les dictionnaires à cause du "non-sens" de sa signification, cependant, il se passe des choses différentes dans l'Histoire.
Faites attention au chardonneret Léonard non seulement les joues rouges (comme dans la nature), mais aussi un bonnet "cardinal" rouge (une allusion aux Médicis) (!)

Autre détail intéressant, les panneaux sur la grille :

C'est le signe des Gnostiques : .
Et la première ligne ressemble à des chiffres (date) : X III C V

Connu sous le nom de Giovanni Médicis Le 9 mars 1489, il est nommé cardinal (à l'âge de 13 ans) avec la condition de porter l'insigne cardinalice au plus tôt 3 ans plus tard.

En fait, c'est précisément ce fait que Léonard a voulu souligner avec des chiffres romains.

Ainsi, les signes peuvent être déchiffrés comme suit: XIII ans continue le travail Depuis l'été de Cosme de Médicis (né en 1389), son palais a été le premier grand centre humaniste de Florence.

Donc : dans une cape de deuil - Elisabeth, un bébé frisé - Jean-Baptiste (Jean en italien. Giovanni (Allusion à Giovanni Médicis), tenant "Cardellino" dans ses mains.

Selon une autre version, ce sont des signes kabbalistiques :

?

Parmi les élèves de Léonard se trouvait Tommaso di Giovanni Masini, membre de l'Académie platonicienne de Ficin, où il reçut le nom de "Zoroastro". Il se rend à Milan après Léonard et y réussit dans l'art de la magie (ici on l'appelle "Indovino" [diseuse de bonne aventure]). Les "signes kabbalistiques" de Léonard avaient donc quelqu'un à suggérer.

Cela se passe comme ça, voir (Correction: Jester - 0 Tarot card, and the Universe - 21)

16. Ain, OYN, traduit par "Œil": O, a "a, Ain, (o) - 70 - Capricorne - Tour

17. Pe, PH ou PA, traduit par "Bouche": P, Pe (Fe), (p, f) -80, 800 - Mercure - Étoile

21. Tau, ThV, traduit par "Croix": Th, Tau, (t)-400-Soleil-Univers

9. Tet, TYTh, traduit par "Serpent": T, Tet, (t) -9- Lion - Ermite

Ainsi, nous essayons de faire correspondre chaque lettre avec la signification des cartes de Tarot :

ע - carte IX L "Eremita (L'Ermite)

Un homme en robe monastique est représenté debout au sommet d'une montagne. Il tient dans sa main une lanterne dans laquelle brûle une étoile, de l'autre main il s'appuie sur un bâton d'or.
Les ermites chrétiens considéraient leurs prédécesseurs Élie le Prophète et Jean le Baptiste .

פ - carte XXI Il Mondo (Monde (Univers))

ח - carte XVII La Stella (Etoile)

La carte montre une femme agenouillée sur un genou au bord de l'eau. Dans chaque main, elle a une cruche, à partir de laquelle elle verse de l'eau dans le ruisseau. Elle retourne à la source une partie de ce qu'elle a reçu.

Signification : Sagesse, immortalité, illumination spirituelle.

ט - carte XVI La Torre (Tour)

Signification : incl. exil, excommunication.

Même à la Renaissance, les dessins étaient parfois considérés comme des œuvres d'art à part entière. Ce n'étaient pas toujours des esquisses pour la toile. Et nous pensons que c'est le cas de la grande étude de Léonard de Vinci, généralement appelée "Vierge à l'Enfant Jésus, sainte Anne et saint Jean-Baptiste", car il n'y a pas de perforations le long du contour. Oui, bien que le dessin ne soit pas complet. Par conséquent, il n'est pas clair à quel titre il doit être considéré. Il y aurait des traces de perforations ou des points marqués pour que Léonard puisse dessiner les contours des personnages et les transférer au sol sur le mur ou sur le panneau pour créer l'œuvre elle-même. Bien que l'utilisation de la technique de Léonard soit si loin d'être traditionnelle, pour une peinture plus linéaire de la Renaissance, ce serait beaucoup plus problématique. Des contours de base sont nécessaires. Et sa construction de figures repose souvent sur la technique du clair-obscur, ou clair-obscur. -Sfumato. - Et ici les contours sont adoucis et flous, donc l'idée d'une simple ligne le long de laquelle des crevaisons peuvent être faites semble absurde. C'est vrai. Léonard était beaucoup plus intéressé par ces transitions progressives de l'ombre à la lumière et la transition en arrière. Les images semblent donc volumineuses et majestueuses. En plus de les fusionner en un seul ensemble. Les personnages forment une sorte de pyramide stable. Et c'est l'une des caractéristiques du style Renaissance. Stabilité, immuabilité inhérente à l'éternité, images divines… S'il vous plaît… Voulez-vous dire quelque chose ? Juste pour noter ce contraste intéressant. Puisque, d'une part, nous est donné un sentiment de perfection pure, le concept de l'éternel, infiniment spirituel. D'autre part, nous observons une telle unité entre les images de sainte Anne et de la Vierge Marie, entre le Christ et Jean-Baptiste. C'est une manifestation d'humanité. C'est incroyablement humain et incroyablement précieux. Et cela semble être en contradiction avec le concept de l'éternel. Oui. C'est les deux. C'est ce que Leonardo recherche, n'est-ce pas ? Il relie l'humain et le divin. Je considère cela comme le critère des réalisations de Léonard à la Haute Renaissance. Il y a tellement de grands moments ici. Disons avec quelle délice l'adresse de Sainte Anne à la Vierge Marie, qui s'est assise sur ses genoux, est transmise. Il y a un certain rythme dans la disposition des genoux. - Oui. - Bas, haut, bas encore et encore. Vous pouvez sentir le rythme de la musique. Il me semble que Léonard s'est définitivement tourné vers la sculpture classique. Parce que la draperie est très similaire à celle des sculptures grecques et romaines antiques. Il y a une différence dans l'âge des personnages. Nous pouvons comprendre comment Léonard a travaillé, surtout si nous prêtons attention au contraste entre le visage de St. Anna et sa main, loin d'être complètes, et très linéaires. Sainte Anne pointe vers le haut véhiculant l'idée que cela fait partie du plan divin, que le Christ et son abnégation future font partie du plan divin pour le salut de l'humanité. Regardez la courbe de la main du Christ et le geste de bénédiction de Jean-Baptiste. Il est en fait poursuivi par le geste de pointage de sainte Anne. - Oui. - C'est-à-dire qu'il s'agit d'un mouvement continu. C'est-à-dire que le Christ suit littéralement le geste de sainte Anne. Il commence par une ligne de l'épaule de la Vierge Marie, continue avec le Christ et se termine par une indication du ciel. Le mouvement commence par le regard de sainte Anne sur Marie. - À droite. - Puis la main de la Vierge Marie, comme vous l'avez dit, pliée au coude, poursuivie par la main du Christ. Et ce que nous venons de décrire est un exemple parfait de l'unité si importante pour Léonard de Vinci. Les images se connectent, se confondent, plus on contemple l'image. Nous pouvons commencer avec Jean-Baptiste regardant le Christ, puis lever les yeux vers la Vierge Marie baissant les yeux vers son fils, puis lever les yeux vers Sainte-Anne regardant la Vierge Marie. C'est vrai. Il y a une sorte de chemin emprunté par son regard, qui mène finalement au ciel. C'est bien sûr le sens de cet ouvrage. Sous-titres par la communauté Amara.org

"Jean-Baptiste" est un tableau du représentant de la Renaissance italienne Léonard de Vinci. Cette oeuvre appartient à la période tardive de l'oeuvre de l'artiste.

Le fond terne, dépourvu de paysage, si caractéristique des œuvres de la Renaissance en général (par exemple, "Portrait de femme" de Nerocco di Landi) et de Léonard de Vinci en particulier ("Mona Lisa"), concentre complètement l'attention du spectateur attention sur la figure de Jean-Baptiste, qui est enveloppée par le sfumato fondant porté à la perfection.

L'image du saint est équipée de l'attirail traditionnel: une fine croix de roseau, des cheveux longs, des vêtements en laine. L'intersection des diagonales du corps et de la main droite met en valeur le motif de la croix, à peine perceptible par l'artiste.

Le geste vers le haut de la main droite est également considéré comme traditionnel pour les images de Jean-Baptiste. Cependant, ce geste, dans un certain sens, est également traditionnel pour l'œuvre de Léonard, on le retrouve dans un certain nombre d'œuvres achevées ("La Cène", "Vierge aux rochers", "Vierge à l'enfant" (1510), etc.), ainsi que des croquis.

L'effémination de Saint-Jean, à la limite de l'efféminé, un doux sourire, un regard, des cheveux bouclés témoignent de la dégénérescence dans l'œuvre du maître des principes du style classique. Léonard de Vinci apparaît ici comme l'initiateur du maniérisme.

Puisque le modèle de "Jean-Baptiste", ainsi que "Bacchus", a très probablement servi de Salai, il est évident que le "sourire traître", selon W. Pater, "émet des pensées qui sont loin d'être épuisées par un geste ou une situation extérieure."

Il semble que Léonard ait amené "Jean-Baptiste" avec lui en France lorsqu'il s'est installé au château de Cloux en 1516. Au moins, on sait que le 10 octobre 1517, il montre l'image du "jeune Jean-Baptiste" (avec Sainte Anne et Gioconda) au Cardinal d'Aragon (fr.). Très probablement, les trois tableaux ont été achetés par François Ier en 1518, ceci est indirectement attesté par un document sur le paiement d'une grosse somme à l'élève de Léonard « pour plusieurs tableaux vendus au roi » (« pour quelques tables de peintures qu'il à baillées au Roy »). Un autre témoignage indirect de la présence de "Jean" dans la collection royale est le "Portrait de François Ier sous la forme de Jean-Baptiste" de Jean Clouet (également dans la collection du Louvre), écrit en 1518-1520 et clairement inspiré d'un tableau par Léonard.

Puis le tableau a quitté la collection royale, les circonstances de sa vente ne sont pas connues. Dans les années 1620, elle se retrouve chez le duc de Llancourt (fr.), l'un des plus grands collectionneurs de peinture française de son époque.
Le duc a donné le tableau au roi d'Angleterre Charles I - très probablement dans les années 1630, peut-être pour la naissance de l'héritier du trône. Peu après l'exécution de Charles Ier (1649), le tableau est acheté par Everhard Jabach (fr.), qui le revend en 1662 à Louis XIV. Le tableau n'a jamais quitté la collection royale française et a été hérité par le Louvre avec lui.

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Revenons maintenant au portrait de Jean-Baptiste par Léonard de Vinci. Le jeune homme représenté sur la photo aurait bien pu être une image de l'ancien Hermès, si ce n'était des attributs canoniques de Jean-Baptiste - des vêtements en peaux et une croix de roseau. Cependant, maintenant nous ne pouvons plus être surpris par la combinaison de ces images apparemment différentes - Hermès et John. A la lumière de l'analyse, nous émettons l'hypothèse que l'image représente en réalité un ange puissant, presque égal à Dieu : Jean - Hermès - Enoch - Métatron, le démiurge, le créateur du monde matériel. La représentation du prophète et ascète Jean sous la forme d'un jeune homme épanoui ne semble plus étrange et incroyable, étant donné que dans les doctrines syncrétiques créées par les mystiques de la Renaissance, le vieux sage Hermès Trismégiste était l'hypostase du jeune dieu. Hermès, et l'ascète Enoch après 365 ans de vie terrestre et d'ascension au ciel sont devenus garçons Métatron.

Rappelons maintenant qu'il existe un célèbre croquis de Léonard de Vinci, le soi-disant "Ange dans la chair":

La pose du jeune homme dans le croquis est presque la même que la pose de Jean-Baptiste dans le tableau de Léonard, la ressemblance du portrait est incontestable. Le croquis est provisoirement daté de 1513; on pense que Léonard l'a dessiné lorsqu'il travaillait sur Jean-Baptiste et que le même jeune homme, surnommé Salaino, élève de Léonard, a servi de modèle à la fois à ce dessin et à Jean. Cependant, il existe une différence significative - au lieu des attributs de Jean, la figure contient l'attribut incontestable d'Hermès - un phallus tendu.

L'histoire de l'esquisse est assez obscure. On sait qu'au XIXe siècle, il faisait partie de la collection royale de Windsor, avec onze autres dessins érotiques de Léonard. Selon le critique d'art britannique Brian Sewell, un jour cette collection a été examinée par un "célèbre expert allemand", et quelque temps plus tard les dessins ont disparu (il est possible qu'avec le consentement tacite de la reine Victoria), et se soient ensuite retrouvés en Allemagne . Les noms des propriétaires ultérieurs des dessins ne sont pas annoncés, mais plus d'un siècle plus tard, en 1991, Carlo Pedretti, connaisseur reconnu de l'œuvre de Léonard, a pu obtenir l'autorisation du propriétaire du dessin et présenter "l'Ange en la chair" lors d'une exposition à Stia, en Toscane.

Quoi qu'il en soit, les experts s'accordent à dire que Leonardo est l'auteur de ce croquis. Nous croyons que le jeune homme sur la photo représente Hermès.

Donnons un argument de plus en faveur d'une telle interprétation : comparons l'image avec le célèbre « Mercure » de Giambologna :

Le bras droit de Mercure est levé et plié au coude de la même manière que dans le portrait de Jean-Baptiste et dans le croquis de l'Ange en chair, et de la même manière dirigé vers le ciel doigt pointé.

9. Doigt pointé

pointer du doigt présent sur de nombreuses toiles et dessins de Léonard de Vinci ; les historiens de l'art n'ont pas été en mesure d'expliquer de manière convaincante le sens de ce geste symbolique. Il est tout à fait possible que ce symbole de Léonard ait plusieurs significations, cependant, lors de l'interprétation de l'image de Jean en tant qu'Enoch-Métatron, son geste dans le tableau de Vinci reçoit une explication claire et logique : la tradition juive appelle Métatron doigt pointé Dieu, parce qu'il a montré au peuple juif dans le désert le chemin de la terre promise.

symbole doigt pointéégalement trouvé dans Raphaël, qui était un étudiant et un disciple de Léonard de Vinci. Par exemple, Raphaël a peint un portrait de Jean-Baptiste, qui est naturellement associé à un tableau de Léonard :

Dans le geste du Jean de Léonard, la main droite de Platon est levée sur la fresque de Raphaël "L'Ecole d'Athènes":

Raphaël. « École d'Athènes ». Fragment

L'image de Platon dans la fresque est dotée d'une ressemblance incontestable avec Léonard de Vinci - voici son autoportrait à titre de comparaison :

Par conséquent, à l'image de Platon, la connexion Platon - Léonard - Jean-Baptiste est déclarée. De plus, il faut garder à l'esprit qu'à la Renaissance, Platon était considéré comme l'héritier de la sagesse d'Hermès Trismégiste : Marsile Ficin écrivait qu'Hermès avait transmis le savoir secret à son élève Orphée, qui était Aglaofem, auquel succéda Pythagore , dont l'élève était Philolaos, le maître du divin Platon. Ainsi, la fresque indique que Léonard était un successeur de Platon et, par conséquent, un adepte des enseignements d'Hermès trois fois plus grand. Par conséquent, nous dit Platon-Léonard, en levant l'index, en regardant l'image de Jean, pensez à la sagesse et à la sainteté inégalées du divin Hermès.