L’art peut non seulement inspirer, mais aussi charmer et même effrayer. Lorsqu'ils créent des artistes insolites, ils incarnent les images les plus cachées, et parfois elles s'avèrent très étranges. Cependant, ces créations ont presque toujours de nombreux fans.
Quelles sont les images les plus insolites du monde, qui les a créées et de quoi peuvent-elles parler ?
"Les mains lui résistent"
Cette image étrange commence son histoire en 1972. C'est alors que je suis arrivé de Californie et que j'ai trouvé une vieille photographie dans mes archives. Il représentait des enfants : Bill lui-même et sa sœur, décédée à l'âge de quatre ans. L’artiste a été surpris que la photographie ait été prise dans la maison acquise par la famille après la mort de la jeune fille. Un incident mystique a inspiré Bill à créer cette peinture inhabituelle.
Lorsque la toile fut présentée au critique d'art, celui-ci mourut bientôt. Il est difficile de dire si cela peut être qualifié de coïncidence, car l'acteur John Marley, qui a acheté le tableau, est décédé peu de temps après. La toile a été perdue puis retrouvée dans une décharge. La petite fille des nouveaux propriétaires du tableau a immédiatement commencé à remarquer quelque chose d'étrange : elle a insisté sur le fait que les enfants peints se battaient ou se présentaient à la porte de sa chambre. Le père de famille a placé une caméra dans la pièce où se trouvait le tableau qui aurait dû réagir au mouvement, et cela a fonctionné, mais à chaque fois il n'y avait que du bruit sur le film. Lorsque le tableau a été mis aux enchères en ligne au début du nouveau millénaire, les utilisateurs ont commencé à se plaindre de ne pas se sentir bien après l'avoir vu. Néanmoins, ils l'ont acheté. Kim Smith, propriétaire d'une petite galerie d'art, a décidé d'acheter quelque chose d'inhabituel pour l'exposer.
L'histoire du tableau ne s'arrête pas - le mal qui en émane est désormais constaté par les visiteurs de l'exposition.
"Garçon qui pleure"
Lorsqu'on évoque des peintures insolites d'artistes célèbres, on ne peut manquer de mentionner celle-ci. Le monde entier connaît le tableau « maudit » intitulé « Le garçon qui pleure ». Pour le créer, il a utilisé son propre fils comme modèle. Le garçon ne pouvait pas pleurer comme ça, et son père l'a délibérément bouleversé en lui faisant peur avec des allumettes allumées. Un jour, un enfant a crié à son père : « Brûlez-vous ! », et la malédiction s'est avérée efficace : le bébé est rapidement mort d'une pneumonie et son père a été brûlé vif dans la maison. L'attention sur le tableau a été attirée en 1985, lorsque des incendies ont commencé à se déclarer dans tout le nord de l'Angleterre. Des gens sont morts dans des immeubles résidentiels et seule une simple reproduction d'un enfant en pleurs est restée intacte. La notoriété hante toujours le tableau – beaucoup ne prennent tout simplement pas le risque de l’accrocher chez eux. Ce qui est encore plus inhabituel, c'est que l'on ignore où se trouve l'original.
"Crier"
Des peintures inhabituelles attirent constamment l'attention du public et provoquent même des tentatives de répétition du chef-d'œuvre. L’une de ces peintures, devenue emblématique de la culture moderne, est « Le Cri » de Munch. Il s’agit d’une image mystérieuse et mystique qui, pour certains, ressemble au fantasme d’un malade mental, pour d’autres, à la prédiction d’un désastre environnemental, et pour d’autres encore, au portrait complètement absurde d’une momie. D'une manière ou d'une autre, l'atmosphère de la toile vous attire et ne vous permet pas de rester indifférent. Les peintures inhabituelles sont souvent pleines de détails, mais "Scream", au contraire, est résolument simple - il utilise deux nuances principales et la représentation de l'apparence du personnage central est simplifiée jusqu'au primitivisme. Mais c’est précisément ce monde déformé qui rend l’œuvre particulièrement attractive.
Son histoire est également inhabituelle : l'œuvre a été volée plus d'une fois. Néanmoins, il a été préservé et reste au musée, inspirant les cinéastes à créer des films émotionnels et les artistes à rechercher des histoires non moins expressives que celle-ci.
"Guernica"
Picasso a peint des tableaux très inhabituels, mais l'un d'eux est particulièrement mémorable. Le très expressif « Guernica » a été créé comme une protestation personnelle contre les actions nazies dans la ville du même nom. Il regorge d’expériences personnelles de l’artiste. Chaque élément du tableau est plein d'un symbolisme profond : les personnages fuient le feu, un taureau piétine un guerrier dont la pose ressemble à une crucifixion, à ses pieds se trouvent des fleurs écrasées et une colombe, un crâne et une épée brisée. dans le style d’un journal, l’illustration est impressionnante et a un fort impact sur les émotions du spectateur.
"Mona Lisa"
En créant des peintures inhabituelles de ses propres mains, Léonard de Vinci a conservé son propre nom pour l'éternité. Ses peintures n'ont pas été oubliées depuis le VIe siècle. La plus importante d'entre elles est « La Gioconda » ou « Mona Lisa ». Étonnamment, dans les journaux du génie, il n'y a aucune trace de travail sur ce portrait. Non moins inhabituel est le nombre de versions sur qui y est représenté. Certains pensent qu’il s’agit d’une image féminine idéale ou de la mère de l’artiste, certains y voient un autoportrait et d’autres y voient une élève de Léonard de Vinci. Selon l'opinion « officielle », Mona Lisa était l'épouse d'un marchand florentin. Quelle que soit la réalité, le portrait est véritablement insolite. Un sourire à peine perceptible dessine les lèvres de la jeune fille et ses yeux sont magnifiques - il semble que cette image regarde le monde et non le public qui le regarde. Comme beaucoup d’autres peintures insolites du monde, « La Gioconda » a été réalisée à l’aide d’une technique particulière : les couches de peinture les plus fines avec les plus petits traits, si insaisissables que ni un microscope ni une radiographie ne peuvent identifier les traces du travail de l’artiste. Il semble que la fille sur la photo soit vivante et que la lumière légère et enfumée qui l'entoure est réelle.
"La tentation de saint Antoine"
Bien entendu, les images les plus insolites du monde ne peuvent être étudiées sans se familiariser avec l'œuvre de Salvador Dali. L'histoire suivante est liée à son œuvre étonnante « La Tentation de Saint-Antoine ». Au moment de sa création, il y avait un concours pour choisir un acteur pour l’adaptation cinématographique de « Biélorussie Ami » de Guy de Maupassant. Le gagnant était censé créer l'image d'un saint tenté. Ce qui se passait a inspiré à l'artiste un thème qui a également été utilisé par ses maîtres préférés, par exemple Bosch. Il a créé un triptyque sur ce sujet. Cézanne a également représenté une œuvre similaire. Ce qui est inhabituel, c’est que saint Antoine n’est pas seulement un homme juste qui a eu une vision pécheresse. Il s'agit d'une figure désespérée d'un homme, confronté à des péchés sous la forme d'animaux sur de fines pattes d'araignées - s'il succombe à la tentation, les pattes des araignées se briseront et le détruiront sous elles.
"La Ronde de nuit"
Les peintures inhabituelles des artistes disparaissent souvent ou se retrouvent au centre d'événements mystiques. Rien de tel ne s’est produit avec « La Ronde de nuit » de Rembrandt, mais de nombreux mystères sont encore associés à la toile.
L'intrigue n'est évidente qu'à première vue - les milices partent en campagne, emportant des armes avec elles, chaque héros est plein de patriotisme et d'émotions, chacun a une individualité et un caractère. Et des questions se posent immédiatement. Qui est cette petite fille qui ressemble à un ange brillant dans la foule militaire ? Une mascotte symbolique pour l’équipe ou un moyen d’équilibrer la composition ? Mais ce n’est même pas important. Auparavant, la taille du tableau était différente - les clients ne l'aimaient pas et ils coupaient la toile. Il a été placé dans une salle de fêtes et de réunions, où la toile a été recouverte de suie pendant des décennies. Il est désormais impossible de savoir quelles étaient certaines de ces couleurs. Même la restauration la plus minutieuse ne peut pas éliminer la suie des bougies de suif, de sorte que le spectateur ne peut que deviner certains détails.
Heureusement, le chef-d’œuvre est désormais en sécurité. Et au moins, son aspect moderne est soigneusement protégé. Une salle séparée lui est dédiée, ce dont ne peuvent pas se vanter toutes les peintures insolites célèbres.
"Tournesols"
La liste, qui comprend les peintures insolites les plus célèbres du monde, est complétée par Van Gogh. Ses œuvres sont remplies d'une profonde émotivité et cachent derrière elles l'histoire tragique d'un génie méconnu de son vivant. L’une des peintures les plus mémorables est la toile « Tournesols », dans laquelle se concentrent les nuances et les traits caractéristiques de l’artiste.
Mais ce n’est pas la seule raison pour laquelle c’est intéressant. Le fait est que le tableau est constamment copié et que le nombre d'exemplaires vendus avec succès dépasse ceux dont peuvent se vanter d'autres tableaux inhabituels. Dans le même temps, malgré une telle popularité, l’image reste unique. Et personne n’a vraiment réussi à part Van Gogh.
L'art peut être n'importe quoi. Certains voient la beauté de la nature et la transmettent avec un pinceau ou un ciseau, certains prennent de superbes photographies du corps humain et certains trouvent la beauté dans le terrible - c'est le style dans lequel ont travaillé le Caravage et Edvard Munch. Les artistes modernes ne sont pas en reste par rapport aux pères fondateurs.
1. Papa
Le Yougoslave Dado est né en 1933 et est décédé en 2010. À première vue, son travail peut sembler tout à fait ordinaire voire agréable - cela est dû au choix des couleurs : de nombreux artistes d'horreur choisissent le noir ou le rouge, mais Dado aimait les nuances pastel.
Mais regardez de plus près des tableaux comme La Grande Ferme de 1963 ou Le Joueur de football de 1964, et vous y verrez des créatures grotesques. Leurs visages sont pleins de douleur ou de souffrance, leur corps présente des tumeurs ou des organes supplémentaires, ou leur corps est simplement de forme irrégulière. En fait, des images comme « La Grande Ferme » sont bien plus effrayantes que l’horreur pure – précisément parce qu’à première vue, on n’y remarque rien de terrible.
2. Keith Thompson
Keith Thompson est plus un artiste commercial qu'un artiste. Il a créé les monstres de Pacific Rim de Guillermo Del Toro et de Leviathan de Scott Westerfield. Son travail est réalisé selon une technique que l'on s'attendrait à voir sur les cartes Magic: The Gathering plutôt que dans un musée.
Regardez son tableau « La Créature de Pripyat » : le monstre est composé de plusieurs animaux et est terriblement laid, mais il donne une excellente idée de la technique de Thompson. Le monstre a même une histoire : il serait le produit de la catastrophe de Tchernobyl. Bien sûr, le monstre est quelque peu artificiel, comme s’il sortait tout droit des années 1950, mais cela ne le rend pas moins effrayant.
La Fondation SCP a adopté cette créature comme mascotte, l'appelant SCP-682. Mais Thompson a encore de nombreux monstres similaires dans son arsenal, et il y en a de pires.
3. Junji Ito
Au sujet des artistes commerciaux : certains d’entre eux dessinent des bandes dessinées. En matière de bandes dessinées d'horreur, Junji Ito est un champion. Ses monstres ne sont pas seulement grotesques : l’artiste dessine soigneusement chaque ride, chaque pli du corps des créatures. C'est ce qui fait peur aux gens, et non l'irrationalité des monstres.
Par exemple, dans sa bande dessinée "L'énigme d'Amigara Folt", il déshabille les gens et les envoie dans un trou de forme humaine dans la roche solide - plus nous voyons ce trou de près, plus il est effrayant, mais même "de loin" semble effrayant.
Dans sa série de bandes dessinées Uzumaki (Spirale), il y a un gars obsédé par les spirales. Au début, son obsession semble drôle, puis elle fait peur. De plus, cela devient effrayant avant même que l'obsession du héros ne devienne magique, avec l'aide de laquelle il transforme une personne en quelque chose d'inhumain, mais en même temps vivant.
Les œuvres d'Ito se démarquent parmi tous les mangas japonais - ses personnages "normaux" semblent inhabituellement réalistes et même mignons, et les monstres semblent encore plus effrayants dans leur contexte.
4. Zdzislaw Beksinski
Si un artiste dit : « Je ne peux pas imaginer ce que la rationalité signifie en peinture », il ne peint probablement pas des chatons.
Le peintre polonais Zdzislaw Beksinski est né en 1929. Pendant des décennies, il a créé des images cauchemardesques dans le genre du réalisme fantastique jusqu'à sa mort terrible en 2005 (il a été poignardé 17 fois). La période la plus féconde de son travail se situe entre 1960 et 1980 : il crée alors des images très détaillées, qu’il appelle lui-même « photographies de ses rêves ».
Selon Beksiński, il ne se souciait pas de la signification d'un tableau en particulier, mais certaines de ses œuvres symbolisent clairement quelque chose. Par exemple, en 1985, il crée le tableau « Trollforgatok ». L'artiste a grandi dans un pays dévasté par la Seconde Guerre mondiale. Les personnages noirs sur la photo peuvent donc représenter des citoyens polonais et le chef est une sorte d'autorité impitoyable.
L’artiste lui-même a affirmé qu’il n’avait rien de tel en tête. En fait, Beksinski a dit à propos de cette image qu’elle devait être considérée comme une blague – c’est ce que signifie véritablement l’humour noir.
5. Wayne Barlow
Des milliers d’artistes ont tenté de représenter l’Enfer, mais Wayne Barlow a clairement réussi. Même si vous n’avez pas entendu son nom, vous avez probablement vu son travail. Il a participé aux travaux sur des films tels que Avatar de James Cameron (le réalisateur l'a personnellement félicité), Pacific Rim, Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban et Harry Potter et la coupe de feu. Mais l'une de ses œuvres les plus remarquables peut être considérée comme un livre publié en 1998 intitulé « Inferno ».
Son enfer n’est pas seulement des donjons avec des seigneurs et des armées démoniaques. Barlow a déclaré : « L’enfer est une totale indifférence à l’égard de la souffrance humaine. » Ses démons s'intéressent souvent aux corps et aux âmes humains et se comportent davantage comme des expérimentateurs : ils ignorent la douleur des autres. Pour ses démons, les gens ne sont pas du tout des objets de haine, mais simplement un moyen de divertissement inutile, rien de plus.
6. Tetsuya Ishida
Dans les peintures acryliques d'Isis, les personnages sont souvent transformés en objets tels que des emballages, des tapis roulants, des urinoirs ou encore des oreillers pour hémorroïdes. Il a également des peintures visuellement agréables représentant des personnes fusionnant avec la nature ou s'échappant dans le pays magique de leur imagination. Mais ces œuvres sont beaucoup plus sombres que les peintures dans lesquelles des employés de restaurant se transforment en mannequins pompant de la nourriture vers les clients comme s'ils réparaient les voitures dans une station-service.
Quelle que soit l'opinion que l'on porte de la précision et de la perspicacité de l'artiste ou de la vivacité de ses métaphores, force est de constater que le style de son travail est inquiétant. Tout humour chez Isis va de pair avec le dégoût et la peur. Sa carrière a pris fin en 2005 lorsqu'Ishida, 31 ans, a été heurté par un train, ce qui était presque certainement un suicide. Les œuvres qu’il a laissées sont évaluées à des centaines de milliers de dollars.
7. Dariusz Zawadzki
Zavadski est né en 1958. Comme Beksinski, il travaille dans le style d’un étrange réalisme fantastique. Ses professeurs à l'école d'art ont dit à Zavadsky qu'il n'avait pas une très bonne vue et un mauvais œil et qu'il ne deviendrait donc pas un artiste. Eh bien, ils ont clairement tiré des conclusions hâtives.
Les œuvres de Zavadsky contiennent des éléments de steampunk : il dessine souvent des créatures ressemblant à des robots avec des mécanismes de travail visibles sous leur peau artificielle. Par exemple, jetez un œil à la peinture à l’huile « Nest » de 2007. Les poses des oiseaux sont les mêmes que celles des oiseaux vivants, mais le cadre est clairement en métal, à peine recouvert de lambeaux de peau. L'image peut provoquer du dégoût, mais en même temps elle attire le regard - vous voulez regarder tous les détails.
8. Josué Hoffin
Joshua Hoffin est né en 1973 à Emporia, Kansas. Il prend des photographies terrifiantes dans lesquelles les contes de fées familiers depuis l'enfance prennent des traits terribles - l'histoire, bien sûr, peut être reconnue, mais en même temps son sens est fortement déformé.
Beaucoup de ses œuvres semblent trop mises en scène et contre nature pour être vraiment effrayantes. Mais il existe aussi des séries de photographies comme « Pickman’s Masterpieces » - c’est un hommage à l’un des personnages de Lovecraft, l’artiste Pickman.
Sur les photos de 2008, que vous pouvez voir ici, on voit sa fille Chloé. Le visage de la jeune fille ne montre presque aucune émotion et elle regarde à peine vers le public. Le contraste est effrayant : une photo de famille sur la table de chevet, une fille en pyjama rose - et d'énormes cafards.
9. Patrizia Piccinini
Les sculptures de Piccinini sont parfois très différentes les unes des autres : certaines sculptures sont des motos de forme irrégulière, d'autres sont d'étranges ballons d'air chaud. Mais surtout, elle crée des sculptures avec lesquelles il est très, très inconfortable de se tenir dans la même pièce. Ils ont même l’air effrayants sur les photos.
Dans l’œuvre « Indivisible » de 2004, un humanoïde est pressé contre le dos d’un enfant humain normal. Ce qui est le plus troublant, c'est l'élément de confiance et d'affection, comme si l'innocence de l'enfant était cruellement utilisée à son détriment.
Bien entendu, le travail de Piccinini est critiqué. Ils ont même dit à propos d'Indivisible qu'il ne s'agissait pas d'une sculpture, mais d'une sorte d'animal réel. Mais non, c’est juste le fruit de son imagination, et l’artiste continue de créer ses œuvres à partir de fibre de verre, de silicone et de cheveux.
10. Mark Powell
Les œuvres de l’Australien Mark Powell sont véritablement choquantes. Son spectacle de 2012 présentait une série de compositions dans lesquelles des créatures fantastiques évoluent, se dévorent et s'excrètent de leur propre corps, se reproduisent et se désintègrent. Les textures des créatures et des environnements sont extrêmement convaincantes, et le langage corporel des personnages est précisément choisi pour rendre les situations aussi ordinaires - et donc convaincantes - que possible.
Bien entendu, Internet ne pouvait s’empêcher de rendre hommage à l’artiste. La "Fondation SCP" susmentionnée a pris le monstre dégoûtant de l'image ci-dessus et l'a intégré à une histoire intitulée "La chair qui déteste". De nombreuses histoires d’horreur sont également associées à son travail.
Si vous pensez que tous les grands artistes appartiennent au passé, vous n’imaginez pas à quel point vous vous trompez. Dans cet article, vous découvrirez les artistes les plus célèbres et les plus talentueux de notre époque. Et, croyez-moi, leurs œuvres resteront dans votre mémoire tout aussi profondément que celles des maestros des époques passées.
Wojciech Babski
Wojciech Babski est un artiste polonais contemporain. Il a terminé ses études à l'Institut polytechnique de Silésie, mais s'y est associé. Dernièrement, il peint principalement des femmes. Se concentre sur l'expression des émotions, s'efforce d'obtenir le plus grand effet possible en utilisant des moyens simples.
Aime la couleur, mais utilise souvent des nuances de noir et de gris pour obtenir la meilleure impression. Je n'ai pas peur d'expérimenter différentes nouvelles techniques. Récemment, il a gagné en popularité à l'étranger, principalement au Royaume-Uni, où il vend avec succès ses œuvres, que l'on retrouve déjà dans de nombreuses collections privées. Outre l'art, il s'intéresse à la cosmologie et à la philosophie. Écoute du jazz. Vit et travaille actuellement à Katowice.
Warren Chang
Warren Chang est un artiste américain contemporain. Né en 1957 et élevé à Monterey, en Californie, il est diplômé avec distinction de l'Art Center College of Design de Pasadena en 1981, où il a obtenu un BFA. Au cours des deux décennies suivantes, il travaille comme illustrateur pour diverses entreprises en Californie et à New York avant de se lancer dans une carrière d'artiste professionnel en 2009.
Ses peintures réalistes peuvent être divisées en deux catégories principales : les peintures intérieures biographiques et les peintures représentant des personnes au travail. Son intérêt pour ce style de peinture remonte au travail de l'artiste du XVIe siècle Johannes Vermeer et s'étend aux sujets, aux autoportraits, aux portraits de membres de la famille, d'amis, d'étudiants, aux intérieurs d'atelier, de salles de classe et de maisons. Son objectif est de créer une ambiance et une émotion dans ses peintures réalistes grâce à la manipulation de la lumière et à l'utilisation de couleurs sourdes.
Chang est devenu célèbre après s'être tourné vers les beaux-arts traditionnels. Au cours des 12 dernières années, il a remporté de nombreux prix et distinctions, dont le plus prestigieux est la Master Signature des Oil Painters of America, la plus grande communauté de peinture à l'huile aux États-Unis. Seule une personne sur 50 a la possibilité de recevoir ce prix. Warren vit actuellement à Monterey et travaille dans son atelier. Il enseigne également (connu comme un professeur talentueux) à la San Francisco Academy of Art.
Aurélio Bruni
Aurelio Bruni est un artiste italien. Né à Blair, le 15 octobre 1955. Il a obtenu un diplôme en scénographie de l'Institut d'Art de Spolète. En tant qu’artiste, il est autodidacte, car il a « construit de manière indépendante une maison du savoir » sur les fondations posées à l’école. Il commence à peindre à l'huile à l'âge de 19 ans. Vit et travaille actuellement en Ombrie.
Les premières peintures de Bruni sont enracinées dans le surréalisme, mais au fil du temps, il commence à se concentrer sur la proximité du romantisme lyrique et du symbolisme, renforçant cette combinaison par la sophistication exquise et la pureté de ses personnages. Les objets animés et inanimés acquièrent une dignité égale et semblent presque hyperréalistes, mais en même temps ils ne se cachent pas derrière un rideau, mais vous permettent de voir l'essence de votre âme. Polyvalence et sophistication, sensualité et solitude, prévenance et fécondité sont l'esprit d'Aurelio Bruni, nourri par la splendeur de l'art et l'harmonie de la musique.
Alexandre Balos
Alkasander Balos est un artiste polonais contemporain spécialisé dans la peinture à l'huile. Né en 1970 à Gliwice, en Pologne, mais depuis 1989, il vit et travaille aux États-Unis, à Shasta, en Californie.
Enfant, il a étudié l'art sous la direction de son père Jan, artiste et sculpteur autodidacte. Ainsi, dès son plus jeune âge, l'activité artistique a reçu le plein soutien des deux parents. En 1989, à l'âge de dix-huit ans, Balos quitte la Pologne pour les États-Unis, où son institutrice et artiste à temps partiel Katie Gaggliardi encourage Alkasander à s'inscrire dans une école d'art. Balos a ensuite reçu une bourse complète à l'Université de Milwaukee, Wisconsin, où il a étudié la peinture avec le professeur de philosophie Harry Rozin.
Après avoir obtenu un baccalauréat en 1995, Balos s'installe à Chicago pour étudier à l'École des Beaux-Arts, dont les méthodes sont basées sur le travail de Jacques-Louis David. Le réalisme figuratif et le portrait constituaient la majorité du travail de Balos dans les années 90 et au début des années 2000. Aujourd'hui, Balos utilise la figure humaine pour mettre en évidence les caractéristiques et les défauts de l'existence humaine, sans proposer de solutions.
Les compositions thématiques de ses peintures sont destinées à être interprétées indépendamment par le spectateur, ce n'est qu'alors que les peintures acquerront leur véritable signification temporelle et subjective. En 2005, l'artiste a déménagé en Californie du Nord. Depuis lors, le sujet de son travail s'est considérablement élargi et comprend désormais des méthodes de peinture plus libres, notamment l'abstraction et divers styles multimédias qui aident à exprimer des idées et des idéaux d'existence à travers la peinture.
Alyssa Moines
Alyssa Monks est une artiste américaine contemporaine. Né en 1977, à Ridgewood, New Jersey. J'ai commencé à m'intéresser à la peinture quand j'étais encore enfant. Elle a étudié à la New School de New York et à la Montclair State University, et a obtenu un baccalauréat du Boston College en 1999. Parallèlement, elle étudie la peinture à l'Académie Laurent de Médicis à Florence.
Elle poursuit ensuite ses études dans le programme de maîtrise de la New York Academy of Art, dans le département d'art figuratif, où elle obtient son diplôme en 2001. Elle est diplômée du Fullerton College en 2006. Pendant un certain temps, elle a enseigné dans des universités et des établissements d'enseignement à travers le pays, enseignant la peinture à la New York Academy of Art, ainsi qu'à la Montclair State University et à la Lyme Academy of Art College.
« En utilisant des filtres comme le verre, le vinyle, l'eau et la vapeur, je déforme le corps humain. Ces filtres vous permettent de créer de vastes zones de design abstrait, avec des îlots de couleurs qui apparaissent à travers des parties du corps humain.
Mes peintures changent la vision moderne des poses et des gestes traditionnels déjà établis des femmes qui se baignent. Ils pourraient en dire beaucoup à un spectateur attentif sur des choses apparemment évidentes comme les bienfaits de la natation, de la danse, etc. Mes personnages se pressent contre la vitre de la fenêtre de la douche, déformant leur propre corps, réalisant qu'ils influencent ainsi le fameux regard masculin sur une femme nue. D'épaisses couches de peinture sont mélangées pour imiter de loin le verre, la vapeur, l'eau et la chair. Cependant, de près, les étonnantes propriétés physiques de la peinture à l’huile deviennent évidentes. En expérimentant avec des couches de peinture et de couleur, je trouve un point où les coups de pinceau abstraits deviennent autre chose.
Lorsque j’ai commencé à peindre le corps humain, j’ai immédiatement été fasciné, voire obsédé, et j’ai cru que je devais rendre mes peintures aussi réalistes que possible. J’ai « professé » le réalisme jusqu’à ce qu’il commence à se dénouer et à révéler ses contradictions. J’explore maintenant les possibilités et le potentiel d’un style de peinture où la peinture figurative et l’abstraction se rencontrent – si les deux styles peuvent coexister au même moment, je le ferai.
Antonio Finelli
Artiste italien – " Observateur du temps» – Antonio Finelli est né le 23 février 1985. Vit et travaille actuellement en Italie entre Rome et Campobasso. Ses œuvres ont été exposées dans plusieurs galeries en Italie et à l'étranger : Rome, Florence, Novare, Gênes, Palerme, Istanbul, Ankara, New York, et se trouvent également dans des collections privées et publiques.
Dessins au crayon " Observateur du temps« Antonio Finelli nous emmène dans un voyage éternel à travers le monde intérieur de la temporalité humaine et l'analyse scrupuleuse qui y est associée, dont l'élément principal est le passage dans le temps et les traces qu'il laisse sur la peau.
Finelli peint des portraits de personnes de tout âge, sexe et nationalité, dont les expressions faciales indiquent un passage dans le temps, et l'artiste espère également trouver des preuves de l'impitoyabilité du temps sur les corps de ses personnages. Antonio définit ses œuvres avec un titre général : « Autoportrait », car dans ses dessins au crayon, il ne représente pas seulement une personne, mais permet au spectateur de contempler les résultats réels du passage du temps à l'intérieur d'une personne.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni est une artiste italienne de 37 ans, fille de diplomate. Elle a trois enfants. Elle a vécu douze ans à Rome et trois ans en Angleterre et en France. Elle est diplômée en histoire de l’art de la BD School of Art. Elle obtient ensuite un diplôme de restauratrice d'art. Avant de trouver sa vocation et de se consacrer entièrement à la peinture, elle a travaillé comme journaliste, coloriste, dessinatrice et comédienne.
La passion de Flaminia pour la peinture est née dès l'enfance. Son médium principal est l'huile car elle adore « coiffer la pâte » et aussi jouer avec la matière. Elle a reconnu une technique similaire dans les œuvres de l'artiste Pascal Torua. Flaminia s'inspire de grands maîtres de la peinture tels que Balthus, Hopper et François Legrand, ainsi que de divers mouvements artistiques : street art, réalisme chinois, surréalisme et réalisme de la Renaissance. Son artiste préféré est le Caravage. Son rêve est de découvrir le pouvoir thérapeutique de l'art.
Denis Tchernov
Denis Chernov est un artiste ukrainien talentueux, né en 1978 à Sambir, dans la région de Lviv, en Ukraine. Après avoir obtenu son diplôme de l'école d'art de Kharkov en 1998, il est resté à Kharkov, où il vit et travaille actuellement. Il a également étudié à l'Académie nationale de design et d'art de Kharkov, département des arts graphiques, dont il a obtenu son diplôme en 2004.
Il participe régulièrement à des expositions d'art : il y en a actuellement plus de soixante, tant en Ukraine qu'à l'étranger. La plupart des œuvres de Denis Chernov sont conservées dans des collections privées en Ukraine, Russie, Italie, Angleterre, Espagne, Grèce, France, États-Unis, Canada et Japon. Certaines œuvres ont été vendues chez Christie's.
Denis travaille dans un large éventail de techniques graphiques et picturales. Les dessins au crayon sont l'une de ses méthodes de peinture préférées ; la liste des thèmes de ses dessins au crayon est également très diversifiée ; il peint des paysages, des portraits, des nus, des compositions de genre, des illustrations de livres, des reconstitutions littéraires et historiques et des fantaisies.
Il est difficile pour la plupart des gens ordinaires d'imaginer le processus de création d'un chef-d'œuvre artistique, de l'idée à l'œuvre finie, même lorsqu'il s'agit de l'aquarelle la plus ordinaire. Par conséquent, les artistes qui utilisent des matériaux ou des méthodes étranges pour créer leurs peintures créent invariablement une sensation. Voici notre aperçu de 10 façons incroyables dont les artistes créent des œuvres d'art étonnantes.
1. Dessins au rouleaux
Pour ceux qui ont du mal à peindre un tableau avec un pinceau ordinaire, imaginez à quel point il est difficile de créer des paysages en patins à roulettes. C'est exactement ce que fait Haisu Tian, un jeune artiste talentueux de Fremont, en Californie. Elle a même trouvé un nom pour sa technique : « landskating ». Haisu attache des récipients d'encre aux orteils des patins à roulettes modifiés. Au fur et à mesure que vous vous déplacez, l'encre coule des roues avant sur la toile en papier de riz. Le résultat est d’immenses peintures traditionnelles à l’encre de Chine, qui dans ce cas sont des paysages en noir et blanc. Haisu a commencé à dessiner à l’âge de trois ans, mais elle n’utilise la vidéo que depuis peu. Selon l'artiste, à l'aide de formes simples, elle parvient à transmettre tout le spectre des émotions.
2. Art à réaction
La princesse Tarinan von Anhalt crée de l'art abstrait en jetant des récipients en plastique remplis de peinture dans l'air entre une toile et un moteur à réaction en marche (la princesse utilise généralement des avions Challenger, Citation, Gulfstream et Lear). Von Anhalt a appelé son art inhabituel Jet Art ou « jet art ». La préparation de la création d'une telle image prend à elle seule plusieurs mois : il faut obtenir l'autorisation de l'aéroport, préparer un espace avec des plates-formes recouvertes d'une bâche en plastique, négocier avec le pilote et inviter de 50 à 300 invités au spectacle. Les gens paient la princesse jusqu'à 50 000 dollars juste pour voir ce qu'elle peut faire. Et le tableau fini coûtera entre 25 000 et plus d’un million de dollars.
3. Peindre avec de la peinture pour tissu
John Bramblitt n'était pas un artiste jusqu'à ce qu'il devienne aveugle en raison de complications liées à l'épilepsie. La vision de l'artiste a commencé à décliner alors qu'il n'avait que 11 ans et à 30 ans, John était complètement aveugle. Au début, il souffrait beaucoup de dépression, mais il a ensuite décidé de ramener de la couleur dans sa vie à l'aide de peinture en relief granuleuse. Dans un premier temps, Bramblitt imagine l'image qu'il souhaite créer, puis la touche sur la toile. Dans le même temps, l’artiste aveugle réalise des portraits étonnamment réalistes et précis.
4. L'art du basket-ball
Hong Yee, d'origine malaisienne, est mieux connue sous son surnom de « Red ». En 2012, elle a réalisé un portrait du célèbre basketteur Yao Ming à l’aide d’un ballon de basket et d’un seau de peinture rouge. Au lieu de pinceaux, l’artiste utilise les outils qui ont aidé les personnages qu’elle peint à devenir célèbres. Dans le cas de Yao Ming, c'était un ballon de basket. Elle a réalisé un portrait de l'artiste et activiste chinois Ai Weiwei à partir de graines de tournesol (un clin d'œil à l'exposition de la Tate Modern intitulée Tournesol Seeds). Les portraits des stars du football Cristiano Ronaldo, Neymar et Lionel Messi ont été peints à l'aide d'un ballon de football.
5. Dessin automatique
L'artiste britannique Ian Cook, connu sous le pseudonyme de "PopBangColor", crée ses peintures à l'aide de voitures télécommandées. Parfois, il utilise simplement des pneus de voiture pour créer un arrière-plan dans le tableau. Dès son plus jeune âge, Ian s'intéresse aux voitures, puis essaie de combiner ses deux passe-temps (les voitures et la peinture), découvrant que les pneus des voitures laissent des traces uniques sur la toile. Bientôt, le Britannique commença à être capable de créer des peintures complexes dans un style qu'il appela « popbang ».
6. Peindre avec des feux d'artifice
Rosemary Fiore crée de l'art abstrait en utilisant de la fumée de feux d'artifice colorée au lieu de peinture. "Elle lance divers feux d'artifice sur des feuilles vides de papier épais, qui explosent et laissent des traces. En même temps, Rosemary utilise divers appareils (comme une tondeuse à gazon, une cireuse et un essuie-glace) pour déplacer le feu d'artifice faisant jaillir des étincelles à travers le futur tableau. Ses œuvres sont assez grandes, parfois jusqu'à 2 mètres de large.
7. Portraits réalisés à partir de disques vinyles
Thierry Guetta, également connu sous le nom de "M. Brainwashing", est un réalisateur et street artiste français controversé de Los Angeles. Certains le considèrent même comme un célèbre graffeur qui peint sous le pseudonyme de Banksy. Thierry Guetta estime que tout dans la vie moderne est - Ce est le résultat d'un lavage de cerveau. En outre, il est devenu connu pour son souci de l'environnement - l'artiste transforme des déchets tels que des vieux pneus et des téléviseurs dans son art. L'une des formes les plus uniques et les plus populaires de l'art de M. Brainwash sont les portraits réalisés à partir de disques vinyles. Il décompose les disques en milliers de petits morceaux, à partir desquels il assemble ensuite des portraits de musiciens célèbres.
8. Peintures sur les lèvres
Natalie Irish est devenue célèbre pour ses « baisers artistiques ». Elle utilise ses lèvres au lieu d'un pinceau et du rouge à lèvres au lieu de la peinture. Natalie « embrasse » littéralement les portraits sur toile. Elle a essayé cette méthode de peinture pour la première fois il y a 10 ans et depuis lors, ses peintures sont devenues un énorme succès. Malheureusement, cet art inhabituel n'a pas été vain pour l'artiste - elle a constamment les lèvres gercées et les yeux douloureux.
9. Peintures sur coquilles d'œufs
Les motifs sur les coquilles d'œufs ont commencé à être réalisés à l'âge de pierre et le Vietnamien Ben Tre a décidé de faire revivre cet art ancien. Il utilise une perceuse pour graver des inscriptions, des paysages et des portraits de célébrités incroyablement détaillés dans des coquilles d'œufs. Ben a déjà réussi à réaliser des portraits d'Albert Einstein, de Karl Marx et de la reine Elizabeth II. Ce qui est le plus surprenant, c'est que Ben ne traite rien avec la coquille, malgré sa fragilité. Il lui faut environ trois heures pour créer un paysage et quelques jours pour créer un portrait.
10. Hitofude Ryu
Dragon Art Kousyuuya est une boutique située dans le centre religieux japonais de Nikko, spécialisée dans la création d'art de dragon d'un simple coup de pinceau. Cet art inhabituel s'appelait "Hitofude Ryu". La tête du dragon est dessinée séparément avec quelques coups de petit pinceau, et son corps incurvé multicolore est dessiné avec un long coup d'un outil spécial appelé pinceau sumie. Selon les Japonais, les images de dragons sont censées porter chance.
Il arrive souvent que la nature elle-même devienne artiste. Confirmation de ceci
Certaines œuvres d'art semblent frapper le spectateur par-dessus la tête, stupéfiantes et étonnantes. Certains vous entraînent dans la réflexion et dans la recherche de couches de sens, de symbolisme secret. Certaines peintures sont entourées de secrets et de mystères mystiques, et certaines surprennent par des prix exorbitants.
La « bizarrerie » est un concept plutôt subjectif, et chacun a ses propres peintures étonnantes qui se démarquent des autres œuvres d'art.Edvard Munch "Le Cri"
1893, carton, huile, détrempe, pastel. 91×73,5cm
Galerie nationale, Oslo
Le Cri est considéré comme un événement expressionniste marquant et l’une des peintures les plus célèbres au monde.
"Je marchais le long d'un chemin avec deux amis - le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes sur le fjord noir bleuâtre et le ville - mes amis sont partis et je me suis tenu debout, tremblant d'excitation, sentant les cris sans fin perçants de la nature », a déclaré Edvard Munch à propos de l'histoire du tableau.
Il existe deux interprétations de ce qui est représenté : c'est le héros lui-même qui est saisi d'horreur et crie silencieusement, pressant ses mains contre ses oreilles ; ou le héros ferme ses oreilles au cri du monde et de la nature qui résonne autour de lui. Munch a écrit 4 versions de "Le Cri", et il existe une version selon laquelle ce tableau est le fruit de la psychose maniaco-dépressive dont souffrait l'artiste. Après un traitement à la clinique, Munch n'est pas retourné travailler sur la toile.
Paul Gauguin « D'où venons-nous ? Qui sommes nous? Où allons-nous?"
1897-1898, huile sur toile. 139,1 × 374,6 cm
Musée des Beaux-Arts, Boston
La peinture profondément philosophique du post-impressionniste Paul Gauguin a été peinte par lui à Tahiti, où il a fui Paris. Une fois le travail terminé, il a même voulu se suicider, car «je crois que ce tableau non seulement surpasse tous mes précédents, et que je ne créerai jamais quelque chose de meilleur ou même de similaire». Il a vécu encore 5 ans, et c’est ce qui s’est passé.
Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre. Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; le groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité ; dans le dernier groupe, selon le plan de l'artiste, « la vieille femme, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc... représente l'inutilité des mots ».
Pablo Picasso "Guernica"
1937, huile sur toile. 349×776 cm
Musée Reina Sofia, Madrid
L'immense fresque « Guernica », peinte par Picasso en 1937, raconte l'histoire d'un raid d'une unité de volontaires de la Luftwaffe sur la ville de Guernica, à la suite de laquelle la ville de six mille habitants fut complètement détruite. Le tableau a été peint littéralement en un mois - les premiers jours de travail sur le tableau, Picasso a travaillé pendant 10 à 12 heures et déjà dans les premiers croquis, on pouvait voir l'idée principale. C’est l’une des meilleures illustrations du cauchemar du fascisme, ainsi que de la cruauté et du chagrin humains.
Guernica présente des scènes de mort, de violence, de brutalité, de souffrance et d'impuissance, sans préciser leurs causes immédiates, mais elles sont évidentes. On raconte qu'en 1940, Pablo Picasso fut convoqué à la Gestapo de Paris. La conversation s’est immédiatement tournée vers le tableau. "Est-ce que c'est toi qui as fait ça?" - "Non, tu l'as fait."
Jan van Eyck "Portrait des époux Arnolfini"
1434, bois, huile. 81,8×59,7 cm
Galerie nationale de Londres, Londres
Le portrait, censé représenter Giovanni di Nicolao Arnolfini et son épouse, est l'une des œuvres les plus complexes de l'école occidentale de peinture de la Renaissance du Nord.
Le célèbre tableau est entièrement rempli de symboles, d'allégories et de références diverses - jusqu'à la légende « Jan van Eyck était ici », qui en a fait non seulement une œuvre d'art, mais aussi un document historique confirmant un événement réel au cours duquel le l'artiste était présent.
En Russie, ces dernières années, le tableau a acquis une grande popularité en raison de la ressemblance du portrait d'Arnolfini avec Vladimir Poutine.
Mikhaïl Vrubel "Le démon assis"
1890, huile sur toile. 114×211cm
Galerie Tretiakov, Moscou
Le tableau de Mikhaïl Vrubel surprend par l'image d'un démon. Le gars triste aux cheveux longs ne ressemble pas du tout à l'idée humaine commune de ce à quoi devrait ressembler un mauvais esprit. L'artiste lui-même a parlé de son tableau le plus célèbre : « Le démon n'est pas tant un esprit mauvais qu'un esprit souffrant et douloureux, à la fois un esprit puissant et majestueux. » C'est une image de la force de l'esprit humain, de la lutte interne, du doute. Joignant tragiquement ses mains, le Démon est assis avec de grands yeux tristes dirigés au loin, entouré de fleurs. La composition souligne la contrainte de la figure du démon, comme coincée entre les traverses supérieure et inférieure du cadre.
Vasily Vereshchagin « Apothéose de la guerre »
1871, huile sur toile. 127×197cm
Galerie nationale Tretiakov, Moscou
Vereshchagin est l'un des principaux peintres de batailles russes, mais il n'a pas peint les guerres et les batailles parce qu'il les aimait. Au contraire, il a essayé de transmettre au peuple son attitude négative envers la guerre. Un jour, Vereshchagin, dans le feu de l'émotion, s'est exclamé : « Je ne peindrai plus de tableaux de bataille, c'est tout ! Je prends trop à cœur ce que j’écris, je pleure (littéralement) pour le chagrin de chaque blessé et tué. Le résultat de cette exclamation fut probablement le tableau terrible et envoûtant «L'Apothéose de la guerre», qui représente un champ, des corbeaux et une montagne de crânes humains.
L'image est écrite avec tant de profondeur et d'émotion que derrière chaque crâne posé dans cette pile, vous commencez à voir des gens, leur destin et le destin de ceux qui ne reverront plus jamais ces gens. Vereshchagin lui-même, avec un triste sarcasme, a qualifié la toile de « nature morte » - elle représente une « nature morte ».
Tous les détails de l’image, y compris la couleur jaune, symbolisent la mort et la dévastation. Le ciel bleu clair souligne la mort de l’image. L’idée de « l’apothéose de la guerre » s’exprime également par les cicatrices de sabres et les impacts de balles sur les crânes.
Grant Wood "Gothique américain"
1930, pétrole. 74×62cm
Institut d'art de Chicago, Chicago
« American Gothic » est l’une des images les plus reconnaissables de l’art américain du 20e siècle, le mème artistique le plus célèbre des 20e et 21e siècles.
La photo avec le père et la fille sombres est remplie de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et le caractère rétrograde des personnes représentées. Des visages en colère, une fourche en plein milieu de l'image, des vêtements démodés même selon les normes de 1930, un coude exposé, des coutures sur des vêtements de paysan qui reprennent la forme d'une fourche, et donc une menace qui s'adresse à tout le monde. qui empiète. Vous pouvez regarder tous ces détails sans fin et grincer des dents à cause de l'inconfort.
Fait intéressant, les juges du concours de l'Art Institute of Chicago ont perçu le « gothique » comme une « Saint-Valentin humoristique », et les habitants de l'Iowa ont été terriblement offensés par Wood pour les avoir représentés sous un jour aussi désagréable.
René Magritte "Les Amoureux"
1928, huile sur toile
Le tableau « Lovers » (« Lovers ») existe en deux versions. Dans l’une, un homme et une femme, dont la tête est enveloppée dans un tissu blanc, s’embrassent, et dans l’autre, ils « regardent » le spectateur. L'image surprend et fascine. Avec deux personnages sans visage, Magritte véhicule l’idée de l’aveuglement de l’amour. De la cécité dans tous les sens du terme : les amoureux ne voient personne, on ne voit pas leurs vrais visages, et d'ailleurs les amoureux sont un mystère même les uns pour les autres. Mais malgré cette apparente clarté, on continue à regarder les amants de Magritte et à penser à eux.
Presque toutes les peintures de Magritte sont des énigmes qui ne peuvent être complètement résolues, car elles soulèvent des questions sur l’essence même de l’existence. Magritte parle toujours de la tromperie du visible, de son mystère caché, que l'on ne remarque généralement pas.
Marc Chagall "Marche"
1917, huile sur toile
Galerie nationale Tretiakov
Habituellement extrêmement sérieux dans sa peinture, Marc Chagall a écrit un délicieux manifeste de son propre bonheur, rempli d'allégories et d'amour. « Walk » est un autoportrait avec sa femme Bella. Sa bien-aimée s'élève dans le ciel et va bientôt entraîner dans la fuite Chagall, qui se tient au sol de manière précaire, comme s'il ne la touchait qu'avec le bout de ses chaussures. Chagall a une mésange dans l'autre main - il est content, il a à la fois une mésange dans les mains (sans doute son tableau) et une tarte dans le ciel.
Jérôme Bosch "Le jardin des délices terrestres"
1500-1510, bois, huile. 389×220cm
Prado, Espagne
« Le Jardin des Délices » est le triptyque le plus célèbre de Jérôme Bosch, qui tire son nom du thème de la partie centrale, dédiée au péché de volupté. À ce jour, aucune des interprétations disponibles du tableau n'a été reconnue comme la seule correcte.
Le charme durable et en même temps l'étrangeté du triptyque réside dans la manière dont l'artiste exprime l'idée principale à travers de nombreux détails. Le tableau est rempli de figures transparentes, de structures fantastiques, de monstres, d'hallucinations devenues chair, de caricatures infernales de la réalité, qu'il regarde avec un regard scrutateur et extrêmement aiguisé. Certains scientifiques voulaient voir dans le triptyque une image de la vie humaine à travers le prisme de sa futilité et des images de l'amour terrestre, d'autres - un triomphe de la volupté. Cependant, la simplicité et le certain détachement avec lesquels les figures individuelles sont interprétées, ainsi que l'attitude favorable à l'égard de cette œuvre de la part des autorités ecclésiales, font douter que son contenu puisse être la glorification des plaisirs corporels.
Gustav Klimt "Les trois âges de la femme"
1905, huile sur toile. 180×180cm
Galerie nationale d'art moderne, Rome
« Les Trois Âges d'une Femme » est à la fois joyeux et triste. L’histoire de la vie d’une femme y est écrite en trois chiffres : l’insouciance, la paix et le désespoir. La jeune femme s’inscrit organiquement dans le schéma de vie, la vieille femme s’en démarque. Le contraste entre l'image stylisée d'une jeune femme et l'image naturaliste d'une vieille femme prend un sens symbolique : la première phase de la vie apporte des possibilités et des métamorphoses infinies, la dernière - une constance immuable et un conflit avec la réalité.
La toile ne lâche pas, elle pénètre dans l’âme et fait réfléchir à la profondeur du message de l’artiste, ainsi qu’à la profondeur et à la fatalité de la vie.
Egon Schiele "Famille"
1918, huile sur toile. 152,5×162,5 cm
Galerie Belvédère, Vienne
Schiele était un élève de Klimt, mais, comme tout excellent élève, il ne copiait pas son professeur, mais cherchait quelque chose de nouveau. Schiele est bien plus tragique, étrange et effrayant que Gustav Klimt. Dans ses œuvres, il y a beaucoup de ce qu'on pourrait appeler de la pornographie, des perversions diverses, du naturalisme et en même temps un désespoir douloureux.
"Family" est sa dernière œuvre, dans laquelle le désespoir est poussé à l'extrême, bien qu'il s'agisse de son tableau le moins étrange. Il l'a peint juste avant sa mort, après la mort de sa femme enceinte Edith de la grippe espagnole. Il est décédé à 28 ans, trois jours seulement après Edith, après l'avoir peinte, lui-même et leur enfant à naître.
Frida Kahlo "Deux Frida"
L'histoire de la vie difficile de l'artiste mexicaine Frida Kahlo est devenue largement connue après la sortie du film « Frida » avec Salma Hayek. Kahlo peint principalement des autoportraits et l'explique simplement : « Je me peins parce que je passe beaucoup de temps seul et parce que je suis le sujet que je connais le mieux. »
Dans aucun autoportrait, Frida Kahlo ne sourit : un visage sérieux, voire triste, des sourcils épais fusionnés, une moustache à peine perceptible au-dessus de lèvres serrées. Les idées de ses peintures sont cryptées dans les détails, l'arrière-plan, les personnages apparaissant à côté de Frida. Le symbolisme de Kahlo s'appuie sur les traditions nationales et est étroitement lié à la mythologie indienne de la période préhispanique.
Dans l'un des meilleurs tableaux - "Deux Fridas" - elle a exprimé les principes masculins et féminins, reliés en elle par un système circulatoire unique, démontrant son intégrité.
Claude Monet "Pont de Waterloo. Effet brouillard"
1899, huile sur toile
Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg
Lorsqu'il regarde le tableau de près, le spectateur ne voit que la toile, sur laquelle de fréquents traits d'huile épais sont appliqués. Toute la magie de l’œuvre se révèle au fur et à mesure que l’on s’éloigne de la toile. D'abord, des demi-cercles incompréhensibles commencent à apparaître devant nous, passant par le milieu de l'image, puis nous voyons les contours clairs des bateaux et, en s'éloignant d'une distance d'environ deux mètres, tous les ouvrages de liaison sont nettement dessinés devant nous et alignés dans une chaîne logique.
Jackson Pollock "Numéro 5, 1948"
1948, panneaux de fibres, huile. 240×120cm
L'étrangeté de ce tableau est que la toile du leader américain de l'expressionnisme abstrait, qu'il a peinte en renversant de la peinture sur un morceau de panneau de fibres posé au sol, est le tableau le plus cher au monde. En 2006, lors des ventes aux enchères de Sotheby's, ils l'ont payé 140 millions de dollars. David Giffen, producteur et collectionneur de films, l'a vendu au financier mexicain David Martinez.
«Je continue de m'éloigner des outils habituels d'un artiste, comme le chevalet, la palette et les pinceaux. Je préfère les bâtons, les pelles, les couteaux et la peinture qui coule ou un mélange de peinture avec du sable, du verre brisé ou autre. Quand je suis à l’intérieur d’un tableau, je n’ai pas conscience de ce que je fais. La compréhension vient plus tard. Je n'ai aucune crainte de modifications ou de destruction de l'image, puisque le tableau vit sa propre vie. Je suis juste en train de l'aider. Mais si je perds le contact avec le tableau, il devient sale et salissant. Sinon, c’est une pure harmonie, la facilité avec laquelle vous prenez et donnez.
Joan Miró "Homme et femme devant un tas d'excréments"
1935, cuivre, huile, 23×32 cm
Fondation Joan Miró, Espagne
Réputation. Et qui aurait pensé que cette image nous raconte les horreurs des guerres civiles.
La peinture a été réalisée sur feuille de cuivre au cours de la semaine du 15 au 22 octobre 1935. Selon Miro, c'est le résultat d'une tentative de décrire la tragédie de la guerre civile espagnole. Miro a dit qu'il s'agit d'une image d'une période d'anxiété. Le tableau montre un homme et une femme qui se tendent pour s'embrasser, mais ne bougent pas. Les organes génitaux élargis et les couleurs sinistres ont été décrits comme « pleins de dégoût et de sexualité dégoûtante ».
Jacek Yerka « Érosion »
Le néo-surréaliste polonais est connu dans le monde entier pour ses peintures étonnantes dans lesquelles les réalités se combinent pour en créer de nouvelles. Il est difficile de considérer une à une ses œuvres extrêmement détaillées et, dans une certaine mesure, touchantes, mais c'est le format de notre matériel, et nous avons dû en choisir une pour illustrer son imagination et son savoir-faire. Nous vous recommandons de le lire.
Bill Stoneham "Les mains lui résistent"
Bien entendu, cette œuvre ne peut pas être classée parmi les chefs-d'œuvre de la peinture mondiale, mais son étrangeté est un fait.
Il existe des légendes autour du tableau représentant un garçon, une poupée et ses mains pressées contre la vitre. De « des gens meurent à cause de cette image » à « les enfants qui y figurent sont vivants ». L'image a l'air vraiment effrayante, ce qui suscite beaucoup de craintes et de spéculations parmi les personnes au psychisme faible.
L'artiste a insisté sur le fait que le tableau le représentait à l'âge de cinq ans, que la porte représentait la ligne de démarcation entre le monde réel et le monde des rêves et que la poupée était un guide qui pouvait guider le garçon à travers ce monde. Les mains représentent des vies ou des possibilités alternatives.
Le tableau a gagné en notoriété en février 2000 lorsqu’il a été mis en vente sur eBay avec une histoire disant que le tableau était « hanté ». "Hands Resist Him" a été acheté pour 1 025 $ par Kim Smith, qui a ensuite été simplement inondé de lettres contenant des histoires effrayantes et exigeant de brûler le tableau.