Talantīgi mākslinieki veido neparastas gleznas. Neparastākie mākslinieki Neparasti interesantas mūsdienu mākslinieku gleznas

Māksla spēj ne tikai iedvesmot, bet arī apburt un pat biedēt. Veidojot neparastus māksliniekus, viņi iemieso visslēptākos tēlus, un dažkārt tie izrādās ļoti dīvaini. Tomēr šādiem darbiem gandrīz vienmēr ir daudz fanu.

Kuras ir visneparastākās pasaules bildes, kas tās veido un par ko tās var pastāstīt?

"Rokas viņam pretojas"

Šī drausmīgā bilde sāk savu stāstu 1972. gadā. Toreiz es atbraucu no Kalifornijas un savā arhīvā atradu vecu fotogrāfiju. Tajā bija attēloti bērni: pats Bils un viņa māsa, kura nomira četru gadu vecumā. Mākslinieks bija pārsteigts, ka fotogrāfija uzņemta mājā, kuru ģimene iegādājās pēc meitenes nāves. Kāds mistisks notikums iedvesmoja Bilu izveidot šo neparasto gleznu.

Kad audekls tika pasniegts mākslas kritiķim, viņš drīz nomira. Grūti pateikt, vai to var saukt par nejaušību, jo gleznu iegādājušais aktieris Džons Mārlijs drīz vien miris. Audekls tika pazaudēts un pēc tam atrasts poligonā. Gleznas jauno īpašnieku mazā meita uzreiz sāka pamanīt kaut ko dīvainu - viņa uzstāja, ka gleznotie bērni kaujas vai nāk pie viņas istabas durvīm. Ģimenes tēvs istabā novietoja kameru ar gleznu, kurai vajadzēja reaģēt uz kustību, un tā nostrādāja, taču katru reizi filmā bija tikai troksnis. Kad jaunā tūkstošgades sākumā glezna tika izlikta tiešsaistes izsolē, lietotāji pēc tās apskatīšanas sāka sūdzēties par sliktu pašsajūtu. Tomēr viņi to nopirka. Kims Smits, nelielas mākslas galerijas īpašnieks, nolēma iegādāties ko neparastu kā eksponātu.
Gleznas stāsts nebeidzas – no tās izplūstošo ļaunumu tagad atzīmē izstādes apmeklētāji.

"Raudošais zēns"

Pieminot neparastas slavenu mākslinieku gleznas, nevar nepieminēt arī šo. Visa pasaule zina par “nolādēto” gleznu “Raudošais zēns”. Lai to izveidotu, viņš par modeli izmantoja savu dēlu. Zēns tā vien nevarēja raudāt, un tēvs viņu apzināti sarūgtināja, biedējot ar aizdedzinātiem sērkociņiem. Kādu dienu bērns kliedza tēvam: “Sadedzinies!”, un lāsts izrādījās iedarbīgs - mazulis drīz nomira no pneimonijas, un viņa tēvs mājā sadega dzīvs. Uzmanība gleznai tika pievērsta 1985. gadā, kad visā Ziemeļanglijā sāka izcelties ugunsgrēki. Dzīvojamās ēkās gāja bojā cilvēki, un neskarta palika tikai vienkārša raudoša bērna atveidojums. Bēdīgā slava gleznu vajā arī tagad – daudzi vienkārši neriskē to pakārt savās mājās. Vēl neparastāk ir tas, ka oriģināla atrašanās vieta joprojām nav zināma.

"Kliegt"

Neparastas gleznas pastāvīgi piesaista sabiedrības uzmanību un pat provocē mēģinājumus atkārtot šedevru. Viena no šīm gleznām, kas kļuvusi par ikonisku mūsdienu kultūrā, ir Munka “Kliedziens”. Šis ir noslēpumains, mistisks tēls, kas kādam šķiet garīgi slima cilvēka fantāzija, citam kā vides katastrofas pareģojums, bet vēl kādam gluži absurds mūmijas portrets. Vienā vai otrā veidā audekla atmosfēra piesaista jūs un neļauj jums palikt vienaldzīgam. Neparastās gleznas bieži ir pilnas ar detaļām, bet “Scream”, gluži pretēji, ir uzsvērti vienkāršs - tajā izmantoti divi galvenie toņi, un centrālā varoņa izskata attēlojums ir vienkāršots līdz primitīvismam. Taču tieši šī deformētā pasaule padara darbu īpaši pievilcīgu.

Arī tās vēsture ir neparasta – darbs tika nozagts ne reizi vien. Tomēr tas ir saglabāts un paliek muzejā, iedvesmojot filmu veidotājus radīt emocionālas filmas, bet māksliniekus meklēt stāstus, kas nav mazāk izteiksmīgi par šo.

"Gernika"

Pikaso gleznoja dažas ļoti neparastas gleznas, taču viena no tām ir īpaši palikusi atmiņā. Ekspresīvā “Gernica” radīta kā personisks protests pret nacistu darbībām tāda paša nosaukuma pilsētā. Tas ir pilns ar mākslinieka personīgo pieredzi. Katrs attēla elements ir pilns ar dziļu simboliku: figūras bēg no uguns, vērsis mīda karotāju, kura poza atgādina krustā sišanu, pie viņa kājām ir saspiesti ziedi un balodis, galvaskauss un salauzts zobens. laikraksta ilustrācijas stilā ir iespaidīgs un spēcīgi ietekmē skatītāja emocijas.

"Mona Līza"

Radot neparastas gleznas ar savām rokām, Leonardo da Vinči savu vārdu saglabāja mūžībā. Viņa gleznas nav aizmirstas jau sesto gadsimtu. Vissvarīgākais no tiem ir “La Gioconda” jeb “Mona Liza”. Pārsteidzoši, ka ģēnija dienasgrāmatās nav ierakstu par darbu pie šī portreta. Ne mazāk neparasts ir versiju skaits par to, kurš tur ir attēlots. Daži uzskata, ka tas ir ideāls sievietes vai mākslinieka mātes tēls, daži to uzskata par pašportretu, bet citi to uzskata par da Vinči skolnieku. Saskaņā ar “oficiālo” viedokli Mona Liza bija Florences tirgotāja sieva. Lai kāda būtu realitāte, portrets ir patiesi neparasts. Tikko pamanāms smaids izliek meitenes lūpas, un viņas acis ir satriecošas - šķiet, ka šis attēls skatās uz pasauli, nevis skatītāji, kas tajā skatās. Tāpat kā daudzas citas neparastas pasaules gleznas, arī “La Gioconda” tapusi, izmantojot īpašu tehniku: plānākie krāsas slāņi ar mazākajiem triepieniem, tik netverami, ka ne mikroskops, ne rentgens nevar noteikt mākslinieka darba pēdas. Šķiet, ka attēlā redzamā meitene ir dzīva, un vieglā dūmakainā gaisma, kas viņu ieskauj, ir īsta.

"Svētā Antonija kārdinājums"

Protams, neparastākos pasaules attēlus nevar izpētīt, neiepazīstoties ar Salvadora Dalī darbu. Sekojošais stāsts ir saistīts ar viņa apbrīnojamo darbu “Sv. Antonija kārdinājums”. Tās izveides laikā notika konkurss, lai izvēlētos aktieri Gaja de Mopasāna filmas “Belarus Ami” adaptācijai. Uzvarētājam vajadzēja izveidot kārdināta svētā tēlu. Notiekošais iedvesmoja mākslinieku ar tēmu, ko izmantoja arī viņa iecienītākie meistari, piemēram, Bosch. Par šo tēmu viņš izveidoja triptihu. Sezans arī attēloja līdzīgu darbu. Neparasti ir tas, ka svētais Antonijs nav tikai taisns cilvēks, kurš redzēja grēcīgu vīziju. Šī ir izmisusi cilvēka figūra, kas saskaras ar grēkiem dzīvnieku veidā uz plānām zirnekļa kājām - ja viņš padosies kārdinājumam, zirnekļu kājas salūzīs un iznīcinās viņu zem tām.

"Nakts sardze"

Mākslinieku neparastās gleznas bieži pazūd vai nonāk mistisku notikumu centrā. Nekas tamlīdzīgs nenotika ar Rembranta “Naktssardzi”, taču ar audeklu joprojām ir saistīti daudzi noslēpumi.

Sižets ir acīmredzams tikai no pirmā acu uzmetiena - milicija dodas kampaņā, ņem līdzi ieročus, katrs varonis ir patriotisma un emociju pilns, katram ir individualitāte un raksturs. Un uzreiz rodas jautājumi. Kas ir šī mazā meitene, kas militārajā pūlī izskatās kā spilgts eņģelis? Simbolisks komandas talismans vai veids, kā līdzsvarot sastāvu? Bet tas pat nav svarīgi. Iepriekš gleznas izmērs bija atšķirīgs - klientiem tas nepatika, un viņi grieza audeklu. To ievietoja dzīres un sapulču zālē, kur audekls gadu desmitiem bija pārklāts ar sodrējiem. Tagad nav iespējams zināt, kādas bija dažas krāsas. Pat visrūpīgākā restaurācija nevar noņemt sodrējus no tauku svecēm, tāpēc skatītājs var tikai nojaust par dažām detaļām.

Par laimi, šedevrs tagad ir drošībā. Un vismaz tā modernais izskats ir rūpīgi aizsargāts. Viņam ir atvēlēta atsevišķa telpa, ar ko ne visas slavenās neparastās gleznas var lepoties.

"Saulespuķes"

Sarakstu, kurā iekļautas slavenākās neparastās pasaules gleznas, pabeidz Van Gogs. Viņa darbi ir piepildīti ar dziļu emocionalitāti un aiz tiem slēpj traģisko stāstu par viņa dzīves laikā neatpazītu ģēniju. Viena no atmiņā paliekošākajām gleznām ir audekls “Saulespuķes”, kurā koncentrēti māksliniekam raksturīgie toņi un triepieni.

Bet tas nav vienīgais iemesls, kāpēc tas ir interesanti. Fakts ir tāds, ka glezna tiek pastāvīgi kopēta, un veiksmīgi pārdoto kopiju skaits pārsniedz tos, ar kuriem var lepoties citas neparastas gleznas. Tajā pašā laikā, neskatoties uz šādu popularitāti, attēls joprojām ir unikāls. Un nevienam tas īsti neizdevās, izņemot Van Gogu.

Māksla var būt jebkas. Daži cilvēki redz dabas skaistumu un nodod to ar otu vai kaltu, daži uzņem satriecošas cilvēka ķermeņa fotogrāfijas, bet daži atrod skaistumu briesmīgajā - tas ir stils, kurā strādāja Karavadžo un Edvards Munks. Mūsdienu mākslinieki neatpaliek no dibinātājiem.

1. Dado

Dienvidslāvietis Dado dzimis 1933. gadā un miris 2010. gadā. No pirmā acu uzmetiena viņa darbi var šķist pavisam ikdienišķi vai pat patīkami – tas ir saistīts ar krāsu izvēli: daudzi šausmu mākslinieki izvēlas melnu vai sarkanu, bet Dado mīlēja pasteļtoņus.

Taču apskatiet tuvāk gleznas, piemēram, 1963. gada Lielā ferma vai 1964. gada futbolists, un tajās redzēsit groteskas radības. Viņu sejas ir pilnas ar sāpēm vai ciešanām, viņu ķermenī ir audzēji vai papildu orgāni, vai arī viņu ķermenis ir vienkārši neregulāras formas. Patiesībā tādas bildes kā “Lielā ferma” ir daudz biedējošākas par šausmām – tieši tāpēc, ka no pirmā acu uzmetiena tajās nepamanīsi neko briesmīgu.

2. Kīts Tompsons

Kīts Tompsons ir vairāk komerciāls mākslinieks, nevis mākslinieks. Viņš radīja monstrus Giljermo Del Toro filmai Pacific Rim un Skota Vesterfīlda filmai Leviathan. Viņa darbs tiek veikts tādā tehnikā, kādu jūs varētu redzēt kartītēs Magic: The Gathering, nevis muzejā.

Paskatieties uz viņa gleznu “Pripjatas radījums”: briesmonis ir izgatavots no vairākiem dzīvniekiem un ir šausmīgi neglīts, taču tas sniedz lielisku priekšstatu par Tompsona tehniku. Briesmonim pat ir stāsts – tas it kā ir Černobiļas katastrofas produkts. Protams, briesmonis ir nedaudz izdomāts, it kā tas būtu tieši no pagājušā gadsimta piecdesmitajiem gadiem, taču tas nepadara to mazāk rāpojošu.

SCP fonds pieņēma šo radījumu par savu talismanu, nosaucot to par SCP-682. Bet Tompsona arsenālā joprojām ir daudz līdzīgu monstru, un ir arī sliktāki.

3. Junji Ito

Par komerciālo mākslinieku tēmu: daži no viņiem zīmē komiksus. Runājot par šausmu komiksiem, Junji Ito ir čempions. Viņa briesmoņi ir ne tikai groteski: mākslinieks rūpīgi uzzīmē uz radījumu ķermeņiem katru grumbu, katru kroku. Tas ir tas, kas biedē cilvēkus, nevis monstru neracionalitāte.

Piemēram, komiksā "The Riddle of Amigara Folt" viņš izģērbj cilvēkus un sūta tos cilvēka formas bedrē cietā klintī - jo tuvāk mēs redzam šo caurumu, jo tas ir baisāks, bet pat "no attāluma". šķiet biedējoši.

Viņa komiksu sērijā Uzumaki (Spirāle) ir puisis, kurš ir apsēsts ar spirālēm. Sākumā viņa apsēstība šķiet smieklīga, un tad tā kļūst biedējoša. Turklāt tas kļūst biedējoši pat pirms varoņa apsēstība kļūst par maģiju, ar kuras palīdzību viņš pārvērš cilvēku par kaut ko necilvēcīgu, bet tajā pašā laikā dzīvu.

Ito darbi izceļas starp visām japāņu mangām – viņa "parastie" varoņi izskatās neparasti reālistiski un pat mīļi, un uz viņu fona monstri šķiet vēl rāpojošāki.

4. Zdzislavs Beksinskis

Ja mākslinieks saka: "Es nevaru iedomāties, ko glezniecībā nozīmē racionalitāte", viņš, iespējams, nekrāso kaķēnus.

Poļu gleznotājs Zdzislavs Beksinskis dzimis 1929. gadā. Gadu desmitiem viņš radīja murgainus tēlus fantastiskā reālisma žanrā līdz savai briesmīgajai nāvei 2005. gadā (viņš tika sadurts 17 reizes). Visauglīgākais periods viņa darbā bija no 1960. līdz 1980. gadam: tad viņš radīja ļoti detalizētus attēlus, kurus viņš pats sauca par "savu sapņu fotogrāfijām".

Kā stāsta Beksiņskis, viņam nebija vienalga kādas konkrētas gleznas nozīme, taču daži viņa darbi skaidri kaut ko simbolizē. Piemēram, 1985. gadā viņš radīja gleznu “Trollforgatok”. Mākslinieks uzaudzis Otrā pasaules kara izpostītā valstī, tāpēc attēlā redzamās melnās figūras var attēlot Polijas pilsoņus, un galva ir sava veida nežēlīga autoritāte.

Pats mākslinieks apgalvoja, ka viņam nekas tamlīdzīgs nav prātā. Patiesībā Beksinskis par šo attēlu teica, ka tas ir jāuztver kā joks - tas ir patiesi melnais humors.

5. Veins Bārlovs

Tūkstošiem mākslinieku ir mēģinājuši attēlot elli, taču Veinam Bārlovam tas nepārprotami izdevās. Pat ja jūs neesat dzirdējis viņa vārdu, jūs, iespējams, esat redzējis viņa darbu. Viņš piedalījās darbā pie tādām filmām kā Džeimsa Kamerona iemiesojums (režisors viņu personīgi slavēja), Pacific Rim, Harijs Poters un Azkabanas gūsteknis un Harijs Poters un Uguns biķeris. Bet par vienu no viņa izcilākajiem darbiem var saukt 1998. gadā izdoto grāmatu “Inferno”.

Viņa elle nav tikai cietumi ar dēmoniskiem kungiem un armijām. Bārlovs teica: "Elle ir pilnīga vienaldzība pret cilvēku ciešanām." Viņa dēmoni bieži izrāda interesi par cilvēku ķermeņiem un dvēselēm un uzvedas vairāk kā eksperimentētāji – viņi ignorē citu sāpes. Viņa dēmoniem cilvēki nemaz nav naida objekti, bet vienkārši dīkās izklaides līdzeklis, nekas vairāk.

6. Tetsuja Išida

Izīdas akrila gleznās cilvēki bieži tiek pārveidoti par tādiem objektiem kā iepakojums, konveijera lentes, pisuāri vai pat hemoroīda spilveni. Viņam ir arī vizuāli baudāmas gleznas, kurās redzami cilvēki, kas saplūst ar dabu vai aizbēg savas iztēles maģiskajā zemē. Taču šādi darbi ir daudz blāvāki nekā gleznas, kurās restorānu darbinieki pārvēršas par manekeniem, kas sūknē pircējiem pārtiku, it kā apkalpotu automašīnas degvielas uzpildes stacijā.

Neatkarīgi no viedokļa par mākslinieka precizitāti un ieskatu vai viņa metaforu spilgtumu, nevar noliegt, ka viņa darbu stils ir baismīgs. Jebkurš humors Isisā iet roku rokā ar riebumu un bailēm. Viņa karjera beidzās 2005. gadā, kad 31 gadu veco Išidu notrieca vilciens, kas gandrīz noteikti bija pašnāvība. Viņa atstātie darbi tiek novērtēti simtiem tūkstošu dolāru.

7. Darjušs Zavadzkis

Zavadskis dzimis 1958. gadā. Tāpat kā Beksinskis, viņš strādā baisi fantastiska reālisma stilā. Viņa skolotāji mākslas skolā teica Zavadskim, ka viņam nav ļoti laba redze un slikta acs, tāpēc viņš nekļūs par mākslinieku. Nu viņi nepārprotami izdarīja pārsteidzīgus secinājumus.

Zavadska darbos ir steampunk elementi: viņš bieži zīmē robotiem līdzīgas radības, kuru darbības mehānismi ir redzami zem mākslīgās ādas. Piemēram, apskatiet 2007. gada eļļas gleznu “Ligzda”. Putnu pozas ir tādas pašas kā dzīvo putnu pozas, bet rāmis nepārprotami ir metālisks, tik tikko pārklāts ar ādas lūžņiem. Attēls var izraisīt riebumu, bet tajā pašā laikā tas piesaista skatienu - jūs vēlaties apskatīt visas detaļas.

8. Džošua Hofins

Džošua Hofins dzimis 1973. gadā Emporijā, Kanzasā. Viņš uzņem šausminošas fotogrāfijas, kurās no bērnības pazīstamās pasakas iegūst šausmīgas iezīmes - stāstu, protams, var atpazīt, bet tajā pašā laikā tā nozīme ir stipri sagrozīta.

Daudzi viņa darbi izskatās pārāk iestudēti un nedabiski, lai tie būtu patiesi biedējoši. Taču ir arī tādu fotogrāfiju sērijas kā “Pikmena šedevri” – tas ir veltījums vienam no Lavkrafta varoņiem, māksliniekam Pikmenam.

2008. gada fotogrāfijās, kuras varat redzēt šeit, ir viņa meita Hloja. Meitenes sejā gandrīz nav redzamas emocijas, un viņa gandrīz neskatās uz publiku. Kontrasts ir biedējošs: ģimenes foto uz naktsgaldiņa, meitene rozā pidžamā - un milzīgi tarakāni.

9. Patrīcija Pičīni

Piccinini skulptūras dažkārt ļoti atšķiras viena no otras: dažas skulptūras ir neregulāras formas motocikli, citas ir dīvaini karsta gaisa baloni. Taču pārsvarā viņa veido skulptūras, ar kurām ir ļoti, ļoti neērti stāvēt vienā telpā. Viņi pat fotogrāfijās izskatās rāpojoši.

2004. gada darbā “Nedalāmais” humanoīds ir piespiests parasta cilvēka bērna mugurai. Visvairāk satraucošs ir uzticības un pieķeršanās elements – it kā bērna nevainība tiktu nežēlīgi izmantota, lai viņam kaitētu.

Protams, Piccinini darbs tiek kritizēts. Viņi pat teica par "Nedalāmo", ka tā nav skulptūra, bet gan kaut kāds īsts dzīvnieks. Bet nē – tas ir tikai viņas iztēles auglis, un māksliniece turpina veidot savus darbus no stiklplasta, silikona un matiem.

10. Marks Pauels

Austrālieša Marka Pauela darbi ir patiesi šokējoši. Viņa 2012. gada izrādē bija virkne kompozīciju, kurās fantastiskas būtnes attīstās, aprij un izvada viena otru no sava ķermeņa, vairojas un sadalās. Radījumu un vides faktūras ir ārkārtīgi pārliecinošas, un figūru ķermeņa valoda ir precīzi izvēlēta, lai situācijas šķistu pēc iespējas ikdienišķas - un tāpēc pārliecinošākas.

Protams, internets nevarēja māksliniekam nedot savu pienākošos. Iepriekš minētais "SCP fonds" paņēma pretīgo briesmoni no iepriekš redzamā attēla un padarīja to par daļu no stāsta ar nosaukumu "Mīkstums, kas ienīst". Ar viņa darbu saistīti arī daudzi šausmu stāsti.

Ja jūs domājat, ka visi lielie mākslinieki ir pagātnē, tad jums nav ne jausmas, cik jūs kļūdāties. Šajā rakstā jūs uzzināsit par mūsu laika slavenākajiem un talantīgākajiem māksliniekiem. Un, ticiet man, viņu darbi paliks jūsu atmiņā ne mazāk dziļi kā pagātnes laikmetu maestro darbi.

Vojcehs Babskis

Vojcehs Babskis ir mūsdienu poļu mākslinieks. Viņš pabeidza studijas Silēzijas Politehniskajā institūtā, bet bija saistīts ar. Pēdējā laikā viņš galvenokārt glezno sievietes. Koncentrējas uz emociju izpausmi, cenšas iegūt pēc iespējas lielāku efektu, izmantojot vienkāršus līdzekļus.

Mīl krāsas, bet bieži izmanto melnās un pelēkās nokrāsas, lai iegūtu vislabāko iespaidu. Nebaidās eksperimentēt ar dažādām jaunām tehnikām. Pēdējā laikā viņš gūst arvien lielāku popularitāti ārzemēs, galvenokārt Lielbritānijā, kur veiksmīgi pārdod savus darbus, kas jau atrodami daudzās privātkolekcijās. Papildus mākslai viņu interesē kosmoloģija un filozofija. Klausās džezu. Pašlaik dzīvo un strādā Katovicē.

Vorens Čangs

Vorens Čangs ir mūsdienu amerikāņu mākslinieks. Dzimis 1957. gadā un audzis Monterejā, Kalifornijā, viņš ar izcilību absolvēja Mākslas centra Dizaina koledžu Pasadenā 1981. gadā, kur saņēma BFA. Nākamajās divās desmitgadēs viņš strādāja par ilustratoru dažādos uzņēmumos Kalifornijā un Ņujorkā, pirms 2009. gadā uzsāka profesionāla mākslinieka karjeru.

Viņa reālistiskās gleznas var iedalīt divās galvenajās kategorijās: biogrāfiskās interjera gleznas un gleznas, kurās attēloti cilvēki darbā. Viņa interese par šo glezniecības stilu aizsākās 16. gadsimta mākslinieka Johannesa Vermēra darbos, un tā attiecas arī uz priekšmetiem, pašportretiem, ģimenes locekļu, draugu, studentu portretiem, studijas interjeriem, klasēm un mājām. Viņa mērķis ir radīt noskaņu un emocijas savās reālistiskajās gleznās, manipulējot ar gaismu un izmantojot klusinātas krāsas.

Čans kļuva slavens pēc pārejas uz tradicionālo tēlotājmākslu. Pēdējo 12 gadu laikā viņš ir nopelnījis daudzus apbalvojumus un apbalvojumus, no kuriem prestižākais ir ASV lielākās eļļas gleznotāju kopienas Oil Painters of America Master Signature. Tikai vienai personai no 50 tiek dota iespēja saņemt šo balvu. Vorens šobrīd dzīvo Monterejā un strādā savā studijā, kā arī pasniedz (pazīstams kā talantīgs skolotājs) Sanfrancisko Mākslas akadēmijā.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni ir itāļu mākslinieks. Dzimis Blērā, 1955. gada 15. oktobrī. Spoleto Mākslas institūtā saņēmis scenogrāfa diplomu. Kā mākslinieks viņš ir autodidakts, jo patstāvīgi “uzcēla zināšanu māju” uz skolā liktajiem pamatiem. Viņš sāka gleznot eļļās 19 gadu vecumā. Pašlaik dzīvo un strādā Umbrijā.

Bruni agrīnās gleznas sakņojas sirreālismā, taču laika gaitā viņš sāk pievērsties liriskā romantisma un simbolisma tuvumam, pastiprinot šo kombināciju ar savu varoņu izsmalcināto izsmalcinātību un tīrību. Animēti un nedzīvi objekti iegūst vienādu cieņu un izskatās gandrīz hiperreālistiski, taču tajā pašā laikā tie neslēpjas aiz priekškara, bet ļauj ieraudzīt savas dvēseles būtību. Daudzpusība un izsmalcinātība, jutekliskums un vientulība, pārdomātība un auglība ir Aurelio Bruni gars, ko baro mākslas krāšņums un mūzikas harmonija.

Aleksandrs Baloss

Alkasander Balos ir mūsdienu poļu mākslinieks, kas specializējas eļļas glezniecībā. Dzimis 1970. gadā Glivicē, Polijā, bet kopš 1989. gada dzīvo un strādā ASV, Šastā, Kalifornijā.

Bērnībā viņš mācījās mākslu sava tēva Jana, autodidakta mākslinieka un tēlnieka vadībā, tāpēc jau no mazotnes mākslinieciskā darbība saņēma abu vecāku pilnīgu atbalstu. 1989. gadā astoņpadsmit gadu vecumā Baloss pameta Poliju un devās uz ASV, kur viņa skolas skolotāja un nepilna laika māksliniece Keitija Gagliardi mudināja Alkasanderu iestāties mākslas skolā. Pēc tam Baloss saņēma pilnu stipendiju Milvoki Universitātē Viskonsīnā, kur studēja glezniecību pie filozofijas profesora Harija Rozina.

Pēc absolvēšanas 1995. gadā ar bakalaura grādu Baloss pārcēlās uz Čikāgu, lai studētu Tēlotājmākslas skolā, kuras metožu pamatā ir Žaka Luī Deivida darbi. Figuratīvais reālisms un portrets veidoja lielāko daļu Balosa darbu 90. gados un 2000. gadu sākumā. Mūsdienās Baloss izmanto cilvēka figūru, lai izceltu cilvēka eksistences īpašības un trūkumus, nepiedāvājot nekādus risinājumus.

Viņa gleznu tematiskās kompozīcijas ir paredzētas skatītāja patstāvīgai interpretācijai, tikai tad gleznas iegūs savu patieso laicīgo un subjektīvo nozīmi. 2005. gadā mākslinieks pārcēlās uz Ziemeļkaliforniju, kopš tā laika viņa darbu tematika ir ievērojami paplašinājusies un tagad ietver brīvākas glezniecības metodes, tostarp abstrakciju un dažādus multimediju stilus, kas palīdz paust idejas un eksistences ideālus caur glezniecību.

Alyssa Monks

Alyssa Monks ir mūsdienu amerikāņu māksliniece. Dzimis 1977. gadā Ridžvudā, Ņūdžersijā. Par gleznošanu sāku interesēties, kad vēl biju bērns. Viņa studēja New School Ņujorkā un Monklēras štata universitātē, un 1999. gadā absolvēja Bostonas koledžu, iegūstot bakalaura grādu. Paralēli viņa studēja glezniecību Lorenco de Mediči akadēmijā Florencē.

Pēc tam viņa turpināja studijas maģistrantūras programmā Ņujorkas Mākslas akadēmijā, Figuratīvās mākslas nodaļā, kuru absolvēja 2001. gadā. Viņa absolvēja Fullertonas koledžu 2006. gadā. Kādu laiku viņa lasīja lekcijas universitātēs un izglītības iestādēs visā valstī, pasniedzot glezniecību Ņujorkas Mākslas akadēmijā, kā arī Monklēras štata universitātē un Laimas Mākslas koledžā.

“Izmantojot filtrus, piemēram, stiklu, vinilu, ūdeni un tvaiku, es deformēju cilvēka ķermeni. Šie filtri ļauj izveidot lielus abstrakta dizaina laukumus ar krāsu saliņām, kas lūkojas cauri cilvēka ķermeņa daļām.

Manas gleznas maina mūsdienu skatījumu uz jau iedibinātajām, tradicionālajām peldošo sieviešu pozām un žestiem. Viņi vērīgam skatītājam varētu daudz pastāstīt par tādām šķietami pašsaprotamām lietām kā peldēšanas, dejošanas u.c.priekšrocības. Mani varoņi piespiežas pie dušas loga stikla, izkropļo savu ķermeni, saprotot, ka tādējādi ietekmē bēdīgi slaveno vīrieša skatienu uz kailu sievieti. Biezi krāsas slāņi tiek sajaukti, lai no tālienes atdarinātu stiklu, tvaiku, ūdeni un mīkstumu. Tomēr tuvplānā kļūst redzamas eļļas krāsas pārsteidzošās fizikālās īpašības. Eksperimentējot ar krāsu un krāsu slāņiem, es atrodu punktu, kur abstrakti otas triepieni kļūst par kaut ko citu.

Kad es pirmo reizi sāku gleznot cilvēka ķermeni, es uzreiz aizrāvos un pat aizrāvos ar to un ticēju, ka man savas gleznas ir jāpadara pēc iespējas reālistiskākas. Es “atzinu” reālismu, līdz tas sāka atšķetināt un atklāt pretrunas sevī. Tagad es pētu iespējas un potenciālu tādam glezniecības stilam, kurā satiekas reprezentatīvā glezniecība un abstrakcija – ja abi stili var pastāvēt līdzās vienā laika brīdī, es to darīšu.

Antonio Finelli

itāļu mākslinieks - " Laika novērotājs” – Antonio Finelli dzimis 1985. gada 23. februārī. Pašlaik dzīvo un strādā Itālijā starp Romu un Kampobaso. Viņa darbi ir izstādīti vairākās galerijās Itālijā un ārzemēs: Romā, Florencē, Novarā, Dženovā, Palermo, Stambulā, Ankarā, Ņujorkā, kā arī atrodami privātās un publiskās kolekcijās.

Zīmuļu zīmējumi" Laika novērotājs“Antonio Finelli ved mūs mūžīgā ceļojumā caur cilvēka laicīguma iekšējo pasauli un ar to saistīto šīs pasaules skrupulozu analīzi, kuras galvenais elements ir laika ritējums un tā atstātās pēdas uz ādas.

Finelli glezno jebkura vecuma, dzimuma un tautības cilvēku portretus, kuru sejas izteiksmes liecina par laika ritējumu, un mākslinieks cer arī atrast laika nežēlības pierādījumus uz savu varoņu ķermeņiem. Savus darbus Antonio definē ar vienu, vispārīgu nosaukumu: “Pašportrets”, jo savos zīmuļu zīmējumos viņš ne tikai attēlo cilvēku, bet ļauj skatītājam apcerēt reālos laika ritējuma rezultātus cilvēkā.

Flamīnija Karloni

Flaminia Karloni ir 37 gadus veca itāļu māksliniece, diplomāta meita. Viņai ir trīs bērni. Viņa dzīvoja Romā divpadsmit gadus un trīs gadus Anglijā un Francijā. Viņa ieguva mākslas vēstures grādu BD Mākslas skolā. Tad viņa saņēma mākslas restauratores diplomu. Pirms atrada savu aicinājumu un pilnībā veltīja sevi glezniecībai, viņa strādāja par žurnālisti, koloristi, dizaineri un aktrisi.

Flaminijas aizraušanās ar gleznošanu radās bērnībā. Viņas galvenais medijs ir eļļa, jo viņai patīk “coiffer la pate” un arī spēlējas ar materiālu. Viņa atpazina līdzīgu tehniku ​​mākslinieka Paskāla Torua darbos. Flaminia ir iedvesmojusies no izciliem glezniecības meistariem, piemēram, Balthus, Hopper un François Legrand, kā arī dažādām mākslas kustībām: ielu māksla, ķīniešu reālisms, sirreālisms un renesanses reālisms. Viņas mīļākais mākslinieks ir Karavadžo. Viņas sapnis ir atklāt mākslas terapeitisko spēku.

Deniss Černovs

Deniss Černovs ir talantīgs ukraiņu mākslinieks, dzimis 1978. gadā Sambirā, Ļvovas apgabalā, Ukrainā. Pēc Harkovas mākslas skolas beigšanas 1998. gadā viņš palika Harkovā, kur šobrīd dzīvo un strādā. Studējis arī Harkovas Valsts Dizaina un mākslas akadēmijas Grafikas nodaļā, kuru absolvējis 2004. gadā.

Viņš regulāri piedalās mākslas izstādēs, šobrīd tās bijušas vairāk nekā sešdesmit gan Ukrainā, gan ārvalstīs. Lielākā daļa Denisa Černova darbu glabājas privātkolekcijās Ukrainā, Krievijā, Itālijā, Anglijā, Spānijā, Grieķijā, Francijā, ASV, Kanādā un Japānā. Daži darbi tika pārdoti Christie's.

Deniss strādā visdažādākajās grafikas un glezniecības tehnikās. Zīmuļu zīmējumi ir viena no viņa iecienītākajām glezniecības metodēm, arī zīmuļu zīmējumu tēmu saraksts ir ļoti daudzveidīgs, glezno ainavas, portretus, aktus, žanra kompozīcijas, grāmatu ilustrācijas, literāras un vēsturiskas rekonstrukcijas un fantāzijas.

Vairumam parasto cilvēku ir grūti iedomāties mākslinieciska šedevra tapšanas procesu no idejas līdz gatavam darbam, pat ja runa ir par visparastāko akvareli. Tāpēc mākslinieki, kuri savu gleznu radīšanai izmanto dīvainus materiālus vai metodes, vienmēr rada sajūtu. Lūk, mūsu apskats par 10 neticamiem veidiem, kā mākslinieki rada pārsteidzošus mākslas darbus.

1. Zīmējumi, izmantojot rullīšus

Tiem, kam ir grūti uzgleznot attēlu ar parastu otu, iedomājieties, cik grūti ir izveidot ainavas, izmantojot skrituļslidas. Tieši to dara Haisu Tian, ​​talantīgs jaunais mākslinieks no Fremontas, Kalifornijā. Viņa pat izdomāja savai tehnikai nosaukumu – “landskeiting”. Haisu piestiprina tintes konteinerus modificētu skrituļslidu pirkstiem. Pārvietojoties, tinte no priekšējiem riteņiem pil uz rīspapīra audekla. Rezultāts ir milzīgas tradicionālās ķīniešu tušas gleznas, kas šajā gadījumā ir melnbaltas ainavas. Haisu sāka zīmēt trīs gadu vecumā, bet video viņa sāka izmantot tikai nesen. Pēc mākslinieces vārdiem, ar vienkāršu formu palīdzību viņai izdodas nodot visu emociju spektru.

2. Jet Art

Princese Tarinana fon Anhalte rada abstrakto mākslu, izmetot plastmasas krāsas konteinerus gaisā starp audeklu un darbojošos reaktīvo dzinēju (princese parasti izmanto lidmašīnas Challenger, Citation, Gulfstream un Lear). Fon Anhalts savu neparasto mākslu sauca par Jet Art vai "reaktīvo mākslu". Gatavošanās šādas bildes veidošanai vien ilgst vairākus mēnešus: jāsaņem lidostas atļauja, jāsagatavo laukums ar platformām, kas noklātas ar plastmasas brezentu, jāsarunā ar pilotu un jāuzaicina uz izrādi no 50 līdz 300 viesu. Cilvēki princesei maksā līdz pat 50 000 USD, lai tikai redzētu, ko viņa var darīt. Un gatavā glezna maksās no 25 000 līdz vairāk nekā 1 miljonam dolāru.

3. Krāsošana ar auduma krāsu

Džons Bramblits nebija mākslinieks, līdz kļuva akls epilepsijas komplikāciju dēļ. Mākslinieka redze sāka pasliktināties, kad viņam bija tikai 11 gadu, un 30 gadu vecumā Džons bija pilnīgi akls. Sākotnēji viņš ļoti cieta no depresijas, bet pēc tam nolēma atgriezt savā dzīvē krāsas ar granulētas reljefa krāsas palīdzību. Sākotnēji Bramblits iedomājas attēlu, ko viņš vēlas izveidot, un pēc tam pieskaras tam uz audekla. Tajā pašā laikā neredzīgais mākslinieks rada pārsteidzoši reālistiskus, precīzus portretus.

4. Basketbola māksla

Malaizijā dzimusī Hong Yee labāk pazīstama ar segvārdu "Red". 2012. gadā viņa izveidoja slavenā basketbolista Jao Minga portretu, izmantojot basketbola bumbu un sarkanās krāsas spaini. Otu vietā māksliniece izmanto instrumentus, kas palīdzēja viņas gleznotajiem cilvēkiem kļūt slaveniem. Jao Minga gadījumā tā bija basketbola spēle. Viņa izveidoja ķīniešu mākslinieka un aktīvista Ai Weiwei portretu, izmantojot saulespuķu sēklas (norādījums Tate Modern izstādei ar nosaukumu Sunflower Seeds). Futbola zvaigžņu Krištianu Ronaldu, Neimara un Lionela Mesi portreti tika krāsoti, izmantojot futbola bumbu.

5. Automātiskā zīmēšana

Britu mākslinieks Ians Kuks, kurš dēvēts ar pseidonīmu "PopBangColor", savas gleznas veido, izmantojot tālvadības automašīnas. Dažreiz viņš vienkārši izmanto automašīnu riepas, lai gleznā izveidotu fonu. Jau no agras bērnības Īanu interesēja automašīnas, un pēc tam mēģināja apvienot divus savus hobijus (automašīnas un gleznošanu), atklājot, ka automašīnu riepas atstāj unikālus triepienus uz audekla. Drīz brits sāka radīt sarežģītas gleznas stilā, ko viņš sauca par "popbang".

6. Gleznošana ar salūtu

Rosemary Fiore rada abstraktu mākslu, izmantojot krāsainu uguņošanas dūmus, nevis krāsu. "Viņa met dažādus salūtus pa tukšām bieza papīra loksnēm, kas uzsprāgst un atstāj pēdas. Tajā pašā laikā Rozmarija izmanto dažādas ierīces (piemēram, zāles pļāvēju, grīdas pulētāju un vējstikla tīrītāju), lai pārvietotu salūta dzirksteles pāri topošajai gleznai. Viņas darbi ir diezgan lieli, dažkārt līdz 2 metriem plati.

7. Portreti no vinila platēm

Tjerī Geta, pazīstams arī kā "Smadzeņu skalošanas kungs", ir pretrunīgi vērtēts franču režisors un ielu mākslinieks no Losandželosas. Daži pat uzskata viņu par slavenu grafiti mākslinieku, kurš glezno ar pseidonīmu Banksy. Tjerī Geta uzskata, ka mūsdienu dzīvē viss ir - Šī ir smadzeņu skalošanas rezultāts. Turklāt viņš ir kļuvis pazīstams ar savām rūpēm par vidi – mākslinieks savā mākslā pārvērš tādus atkritumus kā vecas riepas un televizorus. Viens no unikālākajiem un populārākajiem Smadzeņu skalošanas kunga mākslas veidiem ir portreti. no vinila platēm.Viņš sadala plates tūkstošiem mazu gabaliņu, no kuriem pēc tam saliek slavenu mūziķu portretus.

8. Lūpu gleznas

Natālija Irša kļuva slavena ar saviem "mākslinieciskajiem skūpstiem". Viņa izmanto lūpas otas vietā un lūpu krāsu krāsas vietā. Natālija burtiski “skūpsta” portretus uz audekla. Pirmo reizi viņa šo gleznošanas metodi izmēģināja pirms 10 gadiem, un kopš tā laika viņas gleznas guvušas milzīgus panākumus. Diemžēl neparastā māksla māksliniecei nebija veltīga - viņai pastāvīgi ir sasprēgājušas lūpas un sāpošas acis.

9. Olu čaumalu gleznas

Rakstus uz olu čaumalām sāka veidot jau akmens laikmetā, un vjetnamietis Ben Tre nolēma atdzīvināt seno mākslu. Viņš izmanto urbi, lai olu čaumalās izgrebtu pārsteidzoši detalizētus uzrakstus, ainavas un slavenību portretus. Bens jau paspējis izgrebt Alberta Einšteina, Kārļa Marksa un karalienes Elizabetes II portretus. Pārsteidzošākais ir tas, ka Bens ne ar ko neapstrādā čaulu, neskatoties uz tās trauslumu. Ainavas izveide viņam aizņem apmēram trīs stundas, bet portreta izveidošana - pāris dienas.

10. Hitofude Ryu

Dragon Art Kousyuuya ir veikals Japānas reliģiskajā Nikko centrā, kas specializējas pūķa mākslas radīšanā tikai ar otas vēzienu. Neparasto mākslu sauca par "Hitofude Ryu". Pūķa galva tiek uzzīmēta atsevišķi ar dažiem mazas otas vēzieniem, un tās daudzkrāsainais izliektais korpuss tiek uzzīmēts ar vienu garu īpaša instrumenta, ko sauc par sumie otu, vēzienu. Pēc japāņu domām, pūķu attēliem ir jānes veiksmi.

Bieži gadās, ka pati daba kļūst par mākslinieku. Apstiprinājums tam

Daži mākslas darbi, šķiet, sit skatītājam pāri, satriecoši un pārsteidzoši. Daži ievelk jūs domās un jēgas slāņu meklējumos, slepenā simbolika. Dažas gleznas ir apvītas ar noslēpumiem un mistiskiem noslēpumiem, un dažas pārsteidz ar pārmērīgām cenām.

Edvards Munks "Kliedziens"

1893, kartons, eļļa, tempera, pastelis. 91×73,5 cm

Nacionālā galerija, Oslo

Kliedziens tiek uzskatīts par ievērojamu ekspresionisma notikumu un vienu no slavenākajām gleznām pasaulē.
"Es ar diviem draugiem gāju pa taku - saule rietēja - pēkšņi debesis kļuva asiņaini sarkanas, es apstājos, juzdamies noguris, un atspiedos pret žogu - es skatījos uz asinīm un liesmām pāri zilgani melnajam fiordam un pilsēta - mani draugi devās tālāk, un es stāvēju, trīcēdams no sajūsmas, sajūtot nebeidzamo kliedzienu, kas caururbj dabu,” par gleznas vēsturi stāstīja Edvards Munks.
Attēlotajam ir divas interpretācijas: pašu varoni pārņem šausmas un klusi kliedz, piespiežot rokas pie ausīm; vai varonis aizver ausis no apkārt skanošā pasaules un dabas sauciena. Munks uzrakstīja 4 “Kliedziena” versijas, un pastāv versija, ka šī glezna ir maniakāli-depresīvās psihozes auglis, no kura mākslinieks cieta. Pēc ārstēšanas kursa klīnikā Munks vairs neatgriezās darbā pie audekla.

Pols Gogēns "No kurienes mēs nākam? Kas mēs esam? Kur mēs ejam?"

1897-1898, eļļa, audekls. 139,1×374,6 cm

Tēlotājmākslas muzejs, Bostona

Postimpresionista Pola Gogēna dziļi filozofisko gleznu viņš gleznojis Taiti, kur viņš aizbēga no Parīzes. Pabeidzot darbu, viņš pat gribēja izdarīt pašnāvību, jo "Es uzskatu, ka šī glezna ne tikai pārspēj visas manas iepriekšējās un ka es nekad neradīšu kaut ko labāku vai pat līdzīgu." Viņš nodzīvoja vēl 5 gadus, un tā arī notika.
Pēc paša Gogēna domām, glezna jālasa no labās uz kreiso pusi – trīs galvenās figūru grupas ilustrē nosaukumā uzdotos jautājumus. Trīs sievietes ar bērnu pārstāv dzīves sākumu; vidējā grupa simbolizē brieduma ikdienas eksistenci; noslēguma grupā pēc mākslinieces plāna “vecā sieviete, tuvojoties nāvei, šķiet samierinājusies un padevusies savām domām”, pie viņas kājām “dīvains balts putns... tēlo vārdu bezjēdzību”.

Pablo Pikaso "Gernika"

1937, eļļa, audekls. 349×776 cm

Reina Sofia muzejs, Madride

Milzīgā freskas glezna “Gernika”, ko Pikaso gleznoja 1937. gadā, stāsta par Luftwaffe brīvprātīgo vienības reidu Gērnikas pilsētā, kura rezultātā sešu tūkstošu pilsēta tika pilnībā iznīcināta. Glezna tika uzgleznota burtiski mēneša laikā - pirmajās darba dienās pie gleznas Pikaso strādāja 10-12 stundas un jau pirmajās skicēs varēja redzēt galveno ideju. Šī ir viena no labākajām fašisma murga, kā arī cilvēku nežēlības un bēdu ilustrācijām.
Gērnika piedāvā nāves, vardarbības, brutalitātes, ciešanu un bezpalīdzības ainas, nenorādot to tiešos cēloņus, taču tās ir acīmredzamas. Runā, ka 1940. gadā Pablo Pikaso tika izsaukts uz gestapo Parīzē. Saruna uzreiz pārgāja par gleznu. "Vai jūs to izdarījāt?" - "Nē, tu to izdarīji."

Jans van Eiks "Arnolfini pāra portrets"

1434, koks, eļļa. 81,8×59,7 cm

Londonas Nacionālā galerija, Londona

It kā Džovanni di Nikolao Arnolfīni un viņa sievas portrets ir viens no sarežģītākajiem Ziemeļu renesanses glezniecības skolas Rietumu darbiem.
Slavenā glezna ir pilnībā piepildīta ar simboliem, alegorijām un dažādām atsaucēm – līdz pat uzrakstam “Jan van Eiks bija šeit”, kas to pārvērta ne tikai par mākslas darbu, bet par vēsturisku dokumentu, kas apliecina reālu notikumu, kurā mākslinieks bija klāt.
Krievijā pēdējos gados glezna ir ieguvusi lielu popularitāti, pateicoties Arnolfīni portreta līdzībai ar Vladimiru Putinu.

Mihails Vrubels "Sēdošais dēmons"

1890, eļļa, audekls. 114×211 cm

Tretjakova galerija, Maskava

Mihaila Vrubela glezna pārsteidz ar dēmona tēlu. Skumjais, garmatainais puisis nemaz nelīdzinās vispārpieņemtajam cilvēciskajam priekšstatam par to, kā jāizskatās ļaunajam garam. Pats mākslinieks par savu slavenāko gleznu izteicās: "Dēmons ir ne tik daudz ļaunais gars, cik ciešanas un skumjas, tajā pašā laikā spēcīgs, majestātisks gars." Tas ir cilvēka gara spēka, iekšējās cīņas, šaubu tēls. Traģiski satvēris rokas, Dēmons sēž ar skumjām, milzīgām acīm, kas vērstas tālumā, ziedu ieskauts. Kompozīcija uzsver dēmona figūras ierobežojumu, it kā saspiestu starp rāmja augšējo un apakšējo šķērsstieni.

Vasilijs Vereščagins “Kara apoteoze”

1871, eļļa, audekls. 127×197 cm

Valsts Tretjakova galerija, Maskava

Vereščagins ir viens no galvenajiem krievu kauju gleznotājiem, taču viņš negleznoja karus un cīņas, jo viņš tos mīlēja. Gluži pretēji, viņš centās nodot cilvēkiem savu negatīvo attieksmi pret karu. Kādu dienu Vereščagins emociju karstumā iesaucās: "Es vairs nekrāsošu kaujas gleznas - tas ir!" Es uzskatu to, ko es rakstu, pārāk tuvu sirdij, es raudu (burtiski) par katra ievainotā un nogalinātā bēdām. Iespējams, šī izsaukuma rezultāts bija briesmīgā un valdzinošā glezna “Kara apoteoze”, kurā attēlots lauks, vārnas un cilvēku galvaskausu kalns.
Attēls ir uzrakstīts tik dziļi un emocionāli, ka aiz katra galvaskausa, kas atrodas šajā kaudzē, jūs sākat redzēt cilvēkus, viņu likteņus un to likteņus, kuri nekad vairs neredzēs šos cilvēkus. Pats Vereščagins ar skumju sarkasmu audeklu nosauca par “kluso dabu” - tajā attēlota “mirusi daba”.
Visas attēla detaļas, ieskaitot dzelteno krāsu, simbolizē nāvi un postījumus. Skaidri zilas debesis uzsver attēla nāves sajūtu. “Kara apoteozes” ideju pauž arī rētas no zobeniem un ložu caurumi uz galvaskausiem.

Grants Vuds "Amerikāņu gotika"

1930, eļļa. 74×62 cm

Čikāgas Mākslas institūts, Čikāga

“Amerikāņu gotika” ir viens no atpazīstamākajiem tēliem Amerikas 20. gadsimta mākslā, slavenākais 20. un 21. gadsimta mākslinieciskais mēms.
Attēls ar drūmo tēvu un meitu ir piepildīts ar detaļām, kas norāda uz attēloto cilvēku smagumu, puritānismu un retrogrādo raksturu. Dusmīgas sejas, dakša tieši attēla vidū, vecmodīgs apģērbs pat pēc 1930. gada standartiem, atsegts elkonis, zemnieka drēbju šuves, kas atkārto dakšas formu, un tāpēc draudi, kas adresēti ikvienam kurš iejaucas. Jūs varat bezgalīgi aplūkot visas šīs detaļas un sarauties no diskomforta.
Interesanti, ka konkursa tiesneši Čikāgas Mākslas institūtā uztvēra "gotiku" kā "humorisku valentīnu", un Aiovas iedzīvotāji Vuds bija šausmīgi aizvainoti par viņu attēlošanu tik nepatīkamā gaismā.

Renē Magrits "Mīļotāji"

1928, eļļa, audekls

Glezna “Mīļotāji” (“Mīlnieki”) pastāv divās versijās. Vienā skūpstās vīrietis un sieviete, kuru galvas ietīti baltā drānā, bet otrā “skatās” uz skatītāju. Bilde pārsteidz un aizrauj. Ar divām figūrām bez sejām Magrits izteica ideju par mīlestības aklumu. Par aklumu visādā ziņā: mīlētāji nevienu neredz, mēs neredzam viņu patiesās sejas, turklāt mīlētāji pat viens otram ir noslēpums. Bet, neskatoties uz šo šķietamo skaidrību, mēs joprojām turpinām skatīties uz Magrita mīļotājiem un domāt par viņiem.
Gandrīz visas Magrita gleznas ir mīklas, kuras nevar pilnībā atrisināt, jo tās rada jautājumus par pašu eksistences būtību. Magrits vienmēr runā par redzamā mānību, par tā slēpto noslēpumu, ko mēs parasti nepamanām.

Marks Šagāls "Pastaiga"

1917, eļļa, audekls

Valsts Tretjakova galerija

Parasti ārkārtīgi nopietni savā gleznā Marks Šagāls uzrakstīja apburošu savas laimes manifestu, kas piepildīts ar alegorijām un mīlestību. “Pastaiga” ir pašportrets ar viņa sievu Bellu. Viņa mīļotā paceļas debesīs un drīz vien ievilks Šagālu, kas nedroši stāv uz zemes, lidojumā, it kā pieskartos viņai tikai ar savu kurpju purngaliem. Šagālam otrā rokā ir zīle - viņš ir laimīgs, viņam ir gan zīle rokās (laikam viņa glezna), gan pīrāgs debesīs.

Hieronīms Bošs "Zemes prieku dārzs"

1500-1510, koks, eļļa. 389×220 cm

Prado, Spānija

“Zemes prieku dārzs” ir slavenākais Hieronīma Boša ​​triptihs, kas savu nosaukumu ieguvis no centrālās daļas tēmas, kas veltīta juteklības grēkam. Līdz šim neviena no pieejamajām gleznas interpretācijām nav atzīta par vienīgo pareizo.
Triptiha nezūdošais šarms un reizē dīvainība slēpjas tajā, kā mākslinieks caur daudzām detaļām pauž galveno domu. Attēls ir piepildīts ar caurspīdīgām figūrām, fantastiskām struktūrām, briesmoņiem, halucinācijām, kas ieguvušas miesu, ellišķīgas realitātes karikatūras, uz kurām viņš raugās ar pētošu, ārkārtīgi asu skatienu. Daži zinātnieki vēlējās triptihā ieraudzīt cilvēka dzīves tēlu caur tās bezjēdzības prizmu un zemes mīlestības tēliem, citi – juteklības triumfu. Taču vienkāršība un zināma norobežošanās, ar kādu tiek interpretētas atsevišķas figūras, kā arī labvēlīgā attieksme pret šo darbu no baznīcas varas puses, liek šaubīties, ka tā saturs varētu būt miesas baudu slavināšana.

Gustavs Klimts "Trīs sievietes laikmeti"

1905, eļļa, audekls. 180×180 cm

Nacionālā modernās mākslas galerija, Roma

“Trīs sievietes laikmeti” ir gan priecīgi, gan skumji. Tajā sievietes dzīves stāsts ir uzrakstīts trīs skaitļos: bezrūpība, miers un izmisums. Jaunā sieviete ir organiski ieausta dzīves modelī, vecā sieviete no tā izceļas. Kontrasts starp stilizētu jaunas sievietes tēlu un naturālistisko vecas sievietes tēlu iegūst simbolisku nozīmi: pirmais dzīves posms nes sev līdzi bezgalīgas iespējas un metamorfozes, pēdējais - nemainīgu noturību un konfliktu ar realitāti.
Audekls nelaiž vaļā, iekļūst dvēselē un liek aizdomāties par mākslinieka vēstījuma dziļumu, kā arī dzīves dziļumu un neizbēgamību.

Egons Šīle "Ģimene"

1918, eļļa, audekls. 152,5×162,5 cm

Belvederes galerija, Vīne

Šīle bija Klimta audzēknis, taču, tāpat kā jebkurš izcilnieks, nekopēja savu skolotāju, bet meklēja ko jaunu. Šīle ir daudz traģiskāka, dīvaināka un biedējošāka nekā Gustavs Klimts. Viņa darbos ir daudz tā, ko varētu saukt par pornogrāfiju, dažādas perversijas, naturālisms un vienlaikus smeldzīgs izmisums.
"Ģimene" ir viņa jaunākais darbs, kurā izmisums tiek novests līdz galējībai, neskatoties uz to, ka tā ir viņa vismazāk dīvainā izskata bilde. Viņš to uzgleznoja tieši pirms savas nāves, pēc tam, kad viņa grūtniece Edīte nomira no Spānijas gripas. Viņš nomira 28 gadu vecumā, tikai trīs dienas pēc Edītes, uzgleznot viņu, sevi un viņu vēl nedzimušo bērnu.

Frīda Kalo "Divas Frīdas"

Stāsts par meksikāņu mākslinieces Frīdas Kalo grūto dzīvi kļuva plaši pazīstams pēc filmas “Frīda” ar Salmu Heiku galvenajā lomā iznākšanas. Kalo galvenokārt gleznoja pašportretus un paskaidroja to vienkārši: "Es gleznoju sevi, jo daudz laika pavadu vienatnē un tāpēc, ka esmu objekts, kuru pazīstu vislabāk."
Nevienā pašportretā Frīda Kalo pasmaida: nopietna, pat sērīga seja, sakausētas biezas uzacis, tikko pamanāmas ūsas virs cieši saspiestām lūpām. Viņas gleznu idejas ir šifrētas detaļās, fonā, figūrās, kas parādās blakus Frīdai. Kahlo simbolika ir balstīta uz nacionālajām tradīcijām un ir cieši saistīta ar pirmsspāņu laika Indijas mitoloģiju.
Vienā no labākajām gleznām - "Divas Frīdas" - viņa pauda vīrišķo un sievišķo principu, ko viņā savieno vienota asinsrites sistēma, demonstrējot savu integritāti.

Klods Monē "Vaterlo tilts. miglas efekts"

1899, eļļa, audekls

Valsts Ermitāžas muzejs, Sanktpēterburga

Aplūkojot gleznu no tuva attāluma, skatītājs neredz neko citu kā tikai audeklu, uz kura bieži tiek pielietoti biezi eļļas triepieni. Visa darba burvība atklājas, kad pamazām sākam attālināties no audekla. Vispirms mums priekšā sāk parādīties nesaprotami pusloki, kas iet cauri attēla vidum, tad redzam skaidras laivu kontūras un, attālinoties aptuveni divu metru attālumā, visi savienojošie darbi tiek asi novilkti priekšā. mūs un ierindojas loģiskā ķēdē.

Džeksons Polloks "Numurs 5, 1948"

1948, kokšķiedru plātne, eļļa. 240×120 cm

Šīs gleznas dīvainība ir tāda, ka amerikāņu abstraktā ekspresionisma līdera audekls, ko viņš gleznojis, izlejot krāsu uz grīdas izklāta kokšķiedru plātnes gabala, ir pasaulē dārgākā glezna. 2006. gadā Sotheby's izsolē viņi par to samaksāja 140 miljonus dolāru. Filmu producents un kolekcionārs Deivids Gifens to pārdeva meksikāņu finansistam Deividam Martinesam.
“Turpinu attālināties no ierastajiem mākslinieka darbarīkiem, piemēram, molberta, paletes un otām. Es dodu priekšroku nūjām, liekšķerēm, nažiem un plūstošai krāsai vai krāsas maisījumam ar smiltīm, stikla lauskām vai ko citu. Kad esmu gleznā, es neapzinos, ko daru. Izpratne nāk vēlāk. Man nav bail no attēla izmaiņām vai bojāejas, jo glezna dzīvo savu dzīvi. Es viņai tikai palīdzu. Bet, ja es zaudēju kontaktu ar gleznu, tā kļūst netīra un nekārtīga. Ja nē, tad tā ir tīra harmonija, vieglums, kā tu ņem un dod.

Džoana Miro "Vīrietis un sieviete ekskrementu kaudzes priekšā"

1935. gads, varš, eļļa, 23×32 cm

Džoanas Miro fonds, Spānija

Labs vārds. Un kas to būtu domājis, ka šī bilde stāsta par pilsoņu karu šausmām.
Glezna tapusi uz vara loksnes nedēļas laikā no 1935. gada 15. oktobra līdz 22. oktobrim. Pēc Miro teiktā, tas ir rezultāts mēģinājumam attēlot Spānijas pilsoņu kara traģēdiju. Miro teica, ka šī ir bilde par trauksmes periodu. Gleznā redzams, kā vīrietis un sieviete sniedzas viens otram, lai apskautu, bet nekustas. Paplašinātie dzimumorgāni un draudīgās krāsas tika raksturotas kā "pilnas ar riebumu un pretīgu seksualitāti".

Jaceks Jerka "Erozija"

Poļu neosirreālists ir pazīstams visā pasaulē ar savām pārsteidzošajām gleznām, kurās realitātes apvienojas, radot jaunas. Viņa ārkārtīgi detalizētos un zināmā mērā aizkustinošos darbus ir grūti uzskatīt pa vienam, taču tāds ir mūsu materiāla formāts, un mums bija jāizvēlas viens, kas ilustrē viņa iztēli un prasmes. Mēs iesakām to izlasīt.

Bils Stounhems "Hands Resist Him"

Šo darbu, protams, nevar ierindot starp pasaules glezniecības šedevriem, bet tas, ka tas ir dīvaini, ir fakts.
Gleznu ar zēnu, lelli un viņa rokām, kas piespiestas pie stikla, klīst leģendas. No “cilvēki mirst šī attēla dēļ” līdz “bērni tajā ir dzīvi”. Attēls izskatās patiešām rāpojošs, kas rada daudz baiļu un spekulācijas starp cilvēkiem ar vāju psihi.
Mākslinieks uzstāja, ka gleznā attēlots viņš pats piecu gadu vecumā, ka durvis ir robežšķirtne starp reālo pasauli un sapņu pasauli, un lelle ir ceļvedis, kas var vadīt zēnu cauri šai pasaulei. Rokas atspoguļo alternatīvas dzīves vai iespējas.
Glezna ieguva bēdīgu slavu 2000. gada februārī, kad tā tika iekļauta pārdošanā vietnē eBay ar aizmugures stāstu, kurā teikts, ka glezna ir "vajāta". "Hands Resist Him" ​​par 1025 ASV dolāriem iegādājās Kims Smits, kuru pēc tam vienkārši pārpludināja vēstules ar rāpojošiem stāstiem un prasībām gleznu sadedzināt.