L'architecture de la ville moderne est diverse, riche et intéressante. Parfois, la ville ressemble à quelque chose de chaotique et d'informe, mais ce n'est pas le cas. L'architecture de la ville, comme la musique, séduit par sa versatilité et l'originalité de ses formes. Nous sommes loin d'être indifférents, mais, au contraire, il est intéressant et instructif d'en savoir plus sur l'architecture de notre ville et sur l'architecture des villes du monde entier. Nous sommes arrivés à la conclusion que même à première vue, presque tout dans l'architecture est soumis à l'harmonie, à la proportion et à la clarté. Par conséquent, nous avons décidé de choisir le sujet de notre travail de recherche - le sujet "Symétrie - la base de l'harmonie en architecture"

La symétrie est une propriété fondamentale de la nature, dont l'idée, comme le notait l'académicien VI Vernadsky (1863-1945), « s'est formée sur des dizaines, des centaines, des milliers de générations ». l'aube de sa culture avait déjà le concept de symétrie et l'appliquait dans le dessin et dans les articles ménagers.

Il faut supposer que l'utilisation de la symétrie dans la production primitive était déterminée non seulement par des motifs esthétiques, mais dans une certaine mesure par la confiance de la personne dans la plus grande aptitude à la pratique des formes régulières.

Ce sont les mots de notre autre compatriote remarquable, l'académicien A.V. Shubnikov (1887-1970), qui a consacré toute sa longue vie à l'étude de la symétrie.

Pendant ce temps, le concept même de symétrie est apparu plusieurs siècles avant notre ère. e. des observations de Pythagore, qui a déterminé la beauté du corps humain et la beauté en général. Les Grecs ont également trouvé des modèles numériques de symétrie et d'harmonie. Le concept original de symétrie géométrique en tant qu'harmonie de proportions, en tant que "proportionnalité", ce que signifie le mot "symétrie" en grec, a acquis un caractère universel au fil du temps et a été reconnu comme une idée générale d'invariance (immuabilité) par rapport à certaines transformations.

Regardons dans le dictionnaire explicatif de la langue russe Ouchakov.

SYMÉTRIE [gr. symmetria] - proportionnalité, proportionnalité dans la disposition des parties du tout dans l'espace, correspondance complète (par emplacement, taille) d'une moitié du tout à l'autre moitié.

Regardons aussi le dictionnaire encyclopédique.

La SYMETRIE en géométrie est une propriété des figures géométriques.

Une figure est symétrique par rapport à un point (centre de symétrie) si ses points se trouvent par paires sur des droites passant par le centre de symétrie, sur des côtés opposés et à égale distance de celui-ci. Ce type de symétrie est appelé symétrie centrale. .

Deux points situés sur la même perpendiculaire à un plan (ou une droite) donné, de côtés différents et à la même distance de celui-ci sont dits symétriques par rapport à ce plan (ou droite). Une figure (plate ou spatiale) est symétrique par rapport à une droite (axe de symétrie) ou à un plan (plan de symétrie) si ses points ont deux à deux la propriété spécifiée. Mais ce n'est qu'un des types de symétrie que les mathématiques étudient, la symétrie dite axiale. Des exemples de symétrie axiale sont illustrés dans la figure suivante :

Dans l'espace, l'analogue de l'axe de symétrie est le plan de symétrie. Par exemple, un cube est symétrique par rapport à un plan passant par sa diagonale. En gardant à l'esprit les deux cas (plans et espaces), ce type de symétrie est parfois appelé miroir. Ce nom est justifié par le fait que les deux parties de la figure, situées de part et d'autre de l'axe de symétrie ou du plan de symétrie, sont similaires à un objet et à son reflet dans le miroir.

En plus de la symétrie miroir, la symétrie centrale ou de rotation est prise en compte. Dans ce cas, la transition des pièces vers une nouvelle position et la formation de la figure d'origine se produisent lorsque cette figure est tournée d'un certain angle autour d'un point, généralement appelé centre de rotation. D'où les noms ci-dessus du type de symétrie indiqué. Par exemple, un cube, lorsqu'il est tourné autour du point d'intersection de ses diagonales à un angle de 90 ° dans un plan parallèle à n'importe quelle face, ira sur lui-même. Par conséquent, nous pouvons dire que le cube est une figure à symétrie centrale ou à symétrie de rotation.

Un autre type de symétrie est la symétrie translationnelle. Ce type de symétrie consiste dans le fait que les parties de la forme entière sont organisées de telle sorte que chacune des suivantes répète la précédente et en soit séparée par un certain intervalle dans une certaine direction. Cet intervalle est appelé pas de symétrie. La symétrie portable est généralement utilisée lors de la construction de bordures. Dans les œuvres d'art architectural, on le voit dans les ornements ou les treillis qui servent à les décorer. La symétrie portable est également utilisée à l'intérieur des bâtiments.

Différents types de symétrie sont utilisés dans un domaine particulier de la décoration architecturale - la décoration ornementale. L'ornement est un motif répétitif rythmique basé sur la composition symétrique de ses éléments et exprimé par la ligne, la couleur ou le relief. Historiquement, plusieurs types d'ornements se sont développés à partir de deux sources - les formes naturelles et les figures géométriques.

Les principaux types d'ornements sont les mailles, les rayures ornementales rectilignes (ruban), les compositions ornementales circulaires (anneaux), centrées (rosettes) basées sur la symétrie des polygones, etc. Des exemples d'ornement géométrique en maille peuvent être vus dans les compositions d'un certain nombre de caillebotis et clôtures métalliques, revêtements de sol carrelés , dans la solution décorative des murs avec maçonnerie à motifs.

L'ornement de ruban est utilisé dans les corniches antiques et dans les peintures des anciens temples russes. Des rosaces de différents types de symétrie sont utilisées, par exemple, pour remplir les plafonds à caissons, dans des carreaux en relief de couleur russe. Les remplissages ornementaux des panneaux, des pilastres et des panneaux avaient souvent des compositions symétriques, à l'exception des styles Rococo et Art Nouveau, où l'on trouvait des compositions asymétriques.

De plus, il existe un concept plus général de symétrie. Dans le Concise Oxford Dictionary, la symétrie est définie comme "la beauté due à la proportionnalité des parties du corps ou de tout ensemble, équilibre, ressemblance, harmonie, cohérence".

2. 2. Architecture

2. 2. 1. Notions générales

L'architecture est un formidable champ d'activité humaine. La science, la technologie et l'art y sont étroitement liés et strictement équilibrés. Seule une combinaison proportionnée et harmonieuse de ces principes fait d'un édifice érigé par l'homme un monument architectural. L'architecture est l'une des formes d'art les plus anciennes et les plus influentes. Les formes des œuvres architecturales forment une sorte de langage qui affecte les émotions humaines.

De tous les arts, l'architecture est peut-être le plus proche des mathématiques : après tout, les structures sont basées sur les calculs les plus précis. Dans les temps anciens, en plus des neuf muses maintenant connues, il y avait aussi la muse des mathématiques, c'est-à-dire que les mathématiques étaient vénérées comme un art avec l'astronomie, dont la muse fait partie de la suite d'Apollon, le chef de tous les muses. Alors vous imaginez que d'un côté des Mathématiques se trouve l'Architecture, et de l'autre - la Musique, qui n'existe pas non plus sans rythme, sans compter, sans laquelle, à son tour, il n'y a pas d'harmonie.

"Architecture, quel genre de chose?" - une telle question a été posée à la fin du XVIIIe siècle par un ami du grand architecte russe V.I. Bazhenov - F.V. Karzhavin. Et lui-même lui répondit : « C'est une structure naturelle et artistique », où par le mot « naturel », il entendait la base matérielle de l'édifice. Après tout, toute structure est en bois, pierre, brique, métal, béton en utilisant certaines structures. Mais si cette structure ne contient, ne conçoit et n'incarne aucune idée artistique, elle n'a rien à voir avec l'art, et donc avec l'architecture.

L'un des moyens artistiques que l'architecte utilise est la composition du bâtiment. Tout d'abord, l'impression que laisse une structure architecturale en dépend. La particularité de l'architecture en tant qu'art est de créer une unité de composition architecturale à partir d'une variété de formes architecturales.

La combinaison de différents volumes - hauts et bas, rectilignes et curvilignes, l'alternance d'espaces - ouverts et fermés - telles sont les principales techniques utilisées par l'architecte lors de la création d'une composition architecturale. Le moyen le plus simple de créer l'unité est de donner au volume du bâtiment une forme géométrique simple. Dans un ensemble complexe d'un bâtiment, l'unité est réalisée par subordination : les parties secondaires du bâtiment sont subordonnées au volume principal (centre de composition). Les moyens de composition sont également l'orientation des parties d'une structure architecturale vers le centre de composition.

Le rythme est aussi un moyen de créer l'harmonie et l'unité de la composition architecturale. Cela est dû à la répétabilité de l'élément. Le rythme est une alternance régulière d'éléments identiques ou similaires de la composition et d'intervalles entre eux, se développant dynamiquement verticalement et horizontalement, ou dans les deux sens. La prédominance d'éléments de rythme vertical - colonnes, arcs, ouvertures, pilastres - crée une impression de légèreté, d'aspiration vers le haut. Au contraire, le rythme horizontal - corniches, frises, ceintures et tringles - donne à l'édifice une impression d'aplomb, de stabilité.

2. 2. 2. Symétrie en architecture

La symétrie est un moyen important d'atteindre l'unité et l'expressivité artistique de la composition en architecture.

Proportionnalité - tel est le sens ancien du mot "symétrie". Les anciens philosophes considéraient la symétrie, l'ordre et la certitude comme l'essence de la beauté. Les architectes, les artistes, voire les poètes et les musiciens connaissent les lois de la symétrie depuis l'Antiquité. L'architecture classique est dominée par les lignes droites, les angles, les cercles, l'égalité des colonnes, les fenêtres, les arcs, les voûtes. Les bâtiments avec une composition symétrique sont les plus clairs et les plus équilibrés.

Les ornements géométriques sont strictement symétriques. La symétrie est une manifestation de l'exhaustivité, de la stabilité et de l'exhaustivité de la forme. La symétrie est l'un des moyens efficaces d'organiser les volumes et les espaces.

La symétrie est l'une des formes les plus courantes de manifestation du début rythmique en architecture; elle est présente dans presque toutes les structures architecturales, sinon dans la construction globale de la composition, du moins dans ses détails et ses parties.

En architecture, le type de symétrie le plus courant est la symétrie miroir. Dans la composition d'un bâtiment résidentiel, il existe souvent plusieurs plans de symétrie: l'un est le plan de symétrie pour l'ensemble de la composition dans son ensemble, et les autres sont privés, correspondant aux divisions individuelles du bâtiment.

Dans les grands bâtiments au schéma fonctionnel complexe, la construction symétrique de la composition est difficile à mettre en œuvre. Dans ces cas, l'asymétrie est appliquée en architecture. Le moyen de créer l'unité dans les compositions asymétriques est l'équilibre visuel des parties en termes de masse, de texture, de couleur, etc. Le rôle de l'asymétrie dans la composition des formes architecturales est de révéler la dynamique de l'image artistique du bâtiment. Dans les compositions complexes, la symétrie et l'asymétrie peuvent être combinées - deux méthodes opposées d'organisation de la forme spatiale en architecture. Dans l'architecture moderne, les compositions avec une organisation mixte de la construction sont plus courantes, composées à la fois de bâtiments symétriques et asymétriques, formant un ensemble asymétrique. Le choix de la réception dépend d'un certain nombre de raisons - exigences fonctionnelles, caractéristiques du plan général ou du site, environnement, tâches d'expression figurative.

Les éléments de symétrie sont toujours contenus dans une composition asymétrique. Cela s'applique non seulement aux détails et aux détails, tels que les ouvertures des fenêtres et des portes, qui dans l'architecture moderne sont également asymétriques, mais également aux pièces plus grandes ou au schéma général de construction.

La subordination des parties est le principal moyen d'unifier une composition asymétrique. La subordination se manifeste dans le rapport des tailles, la disposition des silhouettes et des accents plastiques, dans le sens du système d'espaces et de volumes vers les parties principales du bâtiment, dont l'emplacement ne coïncide pas avec le centre géométrique. La connexion compositionnelle des parties est construite par rapport à l'axe d'équilibre, et non à l'axe de symétrie.

2. 2. 3. Styles architecturaux.

En tant que domaine de l'art, l'architecture prend forme dans les cultures de la Mésopotamie et de l'Égypte, et en tant qu'art d'auteur, elle prend forme au 5ème siècle avant JC. avant JC e. dans la Grèce antique.

Jusqu'au milieu du XIIe siècle. l'architecture, étant en synthèse avec la peinture, la sculpture, l'art décoratif, occupait parmi eux une position dominante. En architecture, comme dans d'autres formes d'art, il y a le concept de style, c'est-à-dire un ensemble historiquement établi de moyens et de techniques artistiques.

Les grands styles - roman, gothique, renaissance, baroque, classicisme, empire (en tant que variante du classicisme tardif) - sont généralement reconnus comme égaux et équivalents. En fait, les grands styles couvrent soit un plus grand soit un plus petit domaine de la culture, puis ils se limitent aux arts individuels, puis ils subjuguent tous les arts ou même tous les grands aspects de la culture, ils affectent la science, la théologie et la vie quotidienne. .

Les styles architecturaux ont changé au fil du temps.

Société primitive.

Au III-II millénaire av. e. il y avait des structures d'énormes blocs de pierre - des mégalithes. Ceux-ci inclus:

1) menhirs - pierres verticales de plus de 2 m de haut ;

2) dolmens - pierres creusées dans le sol, sur lesquelles reposait une dalle de pierre;

3) cromlech - structures complexes d'énormes rochers en forme de clôtures circulaires (le célèbre cromlech Stonehenge).

C'était la naissance, le début de l'architecture.

Architecture de l'Égypte ancienne.

Les monuments les plus célèbres de l'Ancien Empire (XXVIII-XXIII siècles avant JC) sont les pyramides - les tombeaux des pharaons égyptiens. L'art du relief taillé dans la pierre commence à se développer. L'image était remplie de peinture, une silhouette colorée est apparue.

La Grèce ancienne.

Les architectes grecs ont créé pour la première fois dans l'histoire de la construction un ordre architectural. Ils ont établi des règles claires pour le traitement de la forme extérieure des structures, déterminé l'ordre de placement des pièces et leurs dimensions. Ordres dorique, ionique et corinthien distingués. Les trois commandes ont les mêmes éléments de base, mais diffèrent les unes des autres par les proportions et le traitement décoratif.

Le système d'ordre de la Grèce antique n'a pas perdu sa signification pratique à ce jour. La géométrie idéale du temple grec incarnait l'idée de l'harmonie divine du monde en tant que perfection mathématique.

Rome antique.

Les Romains recherchaient le faste et la splendeur de l'architecture. La construction de structures gigantesques était censée témoigner de la puissance et de la grandeur de Rome. Les structures suivantes peuvent servir d'exemples de l'architecture de l'Égypte ancienne :

1) Colisée (70-90 après JC) - le plus grand amphithéâtre du monde antique;

2) Panthéon (125 après JC) - "temple de tous les dieux" avec un dôme (43,2 m de diamètre);

3) arcs de triomphe - érigés par les Romains en l'honneur des victoires militaires ;

4) colonnes commémoratives - colonne en marbre de Trajan (hauteur 38m) -

En l'honneur des victoires militaires de cet empereur (IIe siècle après JC).

Architecture byzantine (chute de l'Empire romain).

Le chef-d'œuvre des architectes byzantins était la cathédrale Sophia de Constantinople (aujourd'hui Istanbul), un dôme de 31,4 mètres de diamètre. À travers 40 fenêtres dans la partie inférieure du dôme, une telle abondance de lumière pénétrait que c'était comme si le bâtiment n'était pas éclairé par le soleil, mais qu'il rayonnait lui-même de lumière. Pendant 916 ans, des chants chrétiens ont résonné dans la cathédrale. Au quinzième siècle Les Turcs ont conquis Constantinople et converti la basilique Sainte-Sophie en mosquée musulmane.

Style romain.

Le style artistique associé à la culture antique de Rome s'est répandu dans les pays d'Europe occidentale et centrale au début du Moyen Âge (X-XIII siècles).

Les architectes ont beaucoup emprunté à l'architecture romane (traduit du latin romanus - «romain») - piliers, colonnes, arcs, c'est pourquoi le style en architecture s'appelait roman.

Les caractéristiques distinctives du style roman sont des structures en pierre simples et massives. Les principaux édifices de cette période sont le temple-forteresse et le château-forteresse. Le style roman s'est développé à l'ère de la fragmentation féodale et, par conséquent, le but fonctionnel de l'architecture romane est la défense. La devise du style roman "Ma maison est ma forteresse" a également déterminé les caractéristiques architecturales des édifices profanes et religieux. L'élément principal de la composition au choix, monastère ou château est la tour - donjon. Autour de lui se trouvaient le reste des bâtiments, constitués de formes géométriques simples - cubes, prismes, cylindres. Le principal élément distinctif de l'édifice roman est l'arc en plein cintre.

Le style roman est remplacé par le gothique pendant plus de cent ans - à partir du milieu du XIIe siècle. jusqu'au milieu du XIIIe siècle. Les formes simples de l'architecture romane évoluent progressivement vers un style gothique sophistiqué.

Le style roman en architecture a été remplacé par le gothique (gotico italien - "gothique" - la tribu germanique - les Goths, qui vivaient au large des côtes de la mer Baltique) - un style artistique né au milieu du XIIe siècle. En France. Les édifices les plus célèbres du style gothique sont les cathédrales. Les cathédrales sont devenues plus légères et, par rapport aux cathédrales romanes, deux fois plus hautes en raison des arcs en lancette, des toits en croupe à pignons et des pignons. Les hautes voûtes des cathédrales, les vitraux colorés à travers lesquels coulaient des flots de lumière, les sons solennels de l'orgue - tout cela a frappé l'imagination des gens, leur a inspiré l'idée de la sainteté du pouvoir divin. Les bâtiments gothiques se distinguent par une abondance d'ajourés, comme la dentelle, les ornements, les sculptures, les ornements, par conséquent, tant à l'extérieur qu'à l'intérieur, ils donnent une impression de légèreté et de légèreté. Les fenêtres, les portails, les voûtes ont une forme de lancette caractéristique. Les colonnes qui supportent maintenant les voûtes deviennent minces et groupées. La façade principale (l'exemple classique est la cathédrale d'Amiens) est généralement encadrée sur les côtés par deux tours, non symétriques, mais légèrement différentes l'une de l'autre. Au-dessus de l'entrée, en règle générale, il y a une immense rosace en vitrail. Les façades des bâtiments ont une symétrie miroir (axiale). Le style gothique était répandu dans presque toute l'Europe, à l'exception des pays où l'orthodoxie était pratiquée (Russie, Bulgarie, Serbie, Grèce). Le gothique atteint son apogée en France et en Allemagne.

Renaissance - (français - "renaissance").

Les architectes de cette époque ont cherché à faire revivre l'architecture de "l'âge d'or" - l'antiquité. L'art de la Renaissance n'a pas seulement emprunté les formes architecturales de l'Antiquité, mais les a appliquées dans de nouvelles compositions, d'une manière nouvelle, plus librement, en s'écartant des anciens canons, dans d'autres proportions et tailles, en combinaison avec d'autres éléments architecturaux . Les bâtiments de la Renaissance étaient de forme austère, avec des lignes claires et droites. Les ensembles architecturaux étaient des systèmes géométriques clairs et complets, expression d'un principe organisateur volontariste, dans lequel chaque élément a une complétude prononcée, qui se manifeste à la fois dans la concentration du bâtiment autour d'une cour fermée et symétrique, et dans la stricte symétrie des la façade.

Les bâtiments caractéristiques de la Renaissance sont les palais-palais de Florence, Venise, la célèbre basilique Saint-Pierre (Vatican), etc.

La Renaissance se complexifie, et derrière elle vient le baroque.

Le style baroque (barocco italien - "bizarre", "étrange"), qui a remplacé la Renaissance (XVI - milieu du XVIIIe siècle), se distingue par une abondance de formes. A l'époque baroque, la splendeur était au premier plan. Les bâtiments étaient nécessairement décorés de façades bizarres, de moulures et de nombreuses sculptures. Les ensembles architecturaux grandioses émerveillent l'imagination avec une abondance de décorations sur les façades et à l'intérieur des bâtiments. Les lignes droites sont quasiment inexistantes. Les formes architecturales se courbent, s'empilent les unes sur les autres et s'entrelacent avec la sculpture. Cela donne l'impression d'une mobilité constante des formes. Le baroque est l'un des principaux styles architecturaux des pays européens.

Le fondateur de l'ère baroque est le grand Michelangelo Buonarroti. Les adeptes du "dernier des titans", empruntant la voie de la complication, abandonnent pratiquement la symétrie dans la composition, ouvrant des possibilités complètement nouvelles pour le mur. Il semble être privé de sa caractéristique la plus importante - la fiabilité et la monumentalité, mais il acquiert une plasticité et une dynamique sans précédent. Il existe des bâtiments avec une façade convexe ou même incurvée. Un exemple frappant est la façade baroque de l'église de San Carlo aux quatre fontaines de Francesco Barromini.

L'ornement correct avec la symétrie des bordures, caractéristique de la Renaissance, et même du gothique antérieur, et après le baroque - classicisme, cède la place à un motif libre. Les motifs sont réalisés en trois dimensions, sculptés ou bidimensionnels - dans la technique de l'incrustation ou de l'embellissement. La symétrie ornementale basée sur la répétition rythmique d'une figure est étrangère au style baroque.

Au fil du temps, les formes luxuriantes et lourdes et les compositions baroques symétriques ont été remplacées par la légèreté ludique de formes asymétriques bizarres et les couleurs légères et délicates du nouveau style - rococo.

Au début du XVIIIe siècle. en France, un style rococo gracieux et fantaisiste apparaît (fr. - rocaille - "éclats de pierres", "coquillage"). Les ornements de ce style sont dominés par les coquillages. C'est aussi un magnifique effet décoratif, mais dans le rococo, les détails de conception sont écrasés. Les couleurs baroques sont vives, saturées. Et en rococo - léger, doux. Combinaison préférée - blanc avec dorure. Baroque - secoue avec richesse, insolite. Rococo - attire l'attention avec le confort, l'intimité. Le rythme gracieux, fantaisiste et ornemental domine dans l'art rococo. Le rococo se caractérise par une tendance à l'asymétrie des compositions.

Le style rococo a duré plusieurs décennies. Là encore, il y a un retour au simple, et du coup, le classicisme remplace le rococo.

Classicisme (latin classicus - "exemplaire").

Ce style est né vers les années 70 du XVIIIe siècle. En France.

Le classicisme a continué les traditions anciennes. Ordre strict, clarté et organisation - c'est l'esprit du classicisme. Le principal postulat esthétique du classicisme est la fidélité à la nature, la rationalité naturelle du monde avec sa beauté objectivement inhérente, qui s'exprime dans la symétrie, la proportion, la mesure, l'harmonie, qui devrait être recréée dans l'art sous une forme parfaite.

Les bâtiments du classicisme se distinguent par la clarté, l'équilibre, un rythme clair et calme et des proportions bien équilibrées. Les principales lois de la construction d'une composition architecturale étaient la symétrie, l'accent mis sur le centre, la subordination harmonique des parties et du tout. L'architecture du classicisme se caractérise par les traits suivants : l'horizontal prévaut sur le vertical ; l'axe de symétrie est mis en évidence de manière compositionnelle ; la façade est ornée d'un décor d'ordre, pilastres, chapiteaux, corniches ; les formes géométriques claires prévalent. Les plans centrés étaient populaires, offrant une équivalence de perception de tous les côtés. Tous les bâtiments construits dans le style du classicisme ont des formes rectilignes claires et des compositions symétriques. Sur fond de murs lisses, des portiques et des colonnades font saillie, ce qui donne aux bâtiments une monumentalité et une splendeur solennelles.

Décor décoratif de bas-reliefs et de statues animent l'aspect des bâtiments. Les maîtres du classicisme ont consciemment emprunté les techniques de l'antiquité et de la renaissance, appliqué des commandes aux proportions et aux détails antiques. Le développement de ce style dans certains pays a été complété par le style Empire.

Empire - ("empire" français).

Il est né en France au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. dans. et développé sous le règne de Napoléon, à l'époque de la Grande Révolution française, et se distinguait par un pathos civique prononcé. Pendant la période de l'Empire napoléonien, l'art était censé glorifier les succès militaires et la dignité du souverain. D'où la passion pour la construction de divers types d'arcs de triomphe, de colonnes commémoratives, d'obélisques. L'Empire s'est efforcé de se rapprocher de l'Antiquité plus que du classicisme.

La principale caractéristique du style est la combinaison de formes géométriques massives avec des emblèmes militaires - épées, couronnes, boucliers, pieux. La source du style est la sculpture romaine, dont l'Empire a hérité la sévérité solennelle et la clarté de la composition.

Moderne (art nouveau) - (fr. - "moderne").

Au début du XXe siècle, le style Art nouveau fait son apparition. Ce style est une tentative de se débarrasser de la longue imitation de l'antiquité, du désir de créer de nouvelles formes à partir de nouveaux matériaux de construction - métal, verre, béton, céramique. Les bâtiments de style Art nouveau ne ressemblent à aucun modèle classique, ils sont nés de l'imagination sans entraves de l'architecte. L'Art nouveau se caractérise par des courbes douces de murs, des contours curvilignes de fenêtres et de portes, un manque de symétrie, des schémas de couleurs pittoresques. Les façades des maisons étaient asymétriques et ressemblaient à des formations fluides créées simultanément par la nature et l'homme.

Dans le style Art nouveau, des manoirs principalement urbains et des villas de campagne ont été construits.

Rationalisme, fonctionnalisme.

La direction principale de l'architecture est pratique et adaptée à la vie urbaine, c'est-à-dire fonctionnelle. Un représentant bien connu de ce style est l'architecte français Le Corbusier. Et maintenant, ses découvertes sont utilisées par les architectes modernes. Les partisans de ce style (urbanistes) pensaient qu'une ville moderne devrait être composée de maisons géantes - des gratte-ciel.

En plus des styles architecturaux qui ont émergé dans l'histoire de la culture européenne, il existe de nombreux autres styles.

Le style russo-byzantin se retrouve dans la construction des églises. Elle se caractérise par de petites églises de type à coupoles croisées (le plan évoque la forme d'une croix dont le centre est couronné d'une coupole sur un tambour). Décorations de bâtiments - dans les traditions anciennes.

2. 3. Partie recherche.

Les structures architecturales créées par l'homme sont pour la plupart symétriques. Ils sont agréables à regarder, les gens les trouvent beaux. A quoi est-ce lié ? Ici, nous ne pouvons faire que des suppositions.

Premièrement, nous vivons tous dans un monde symétrique, qui est déterminé par les conditions de vie sur la planète Terre, principalement par la gravité qui existe ici. Et, très probablement, une personne comprend inconsciemment que la symétrie est une forme de stabilité, ce qui signifie l'existence sur notre planète. Par conséquent, dans ses créations, il recherche intuitivement la symétrie.

Deuxièmement, les personnes, les plantes, les animaux et les choses qui entourent une personne sont symétriques. Cependant, après un examen plus approfondi, il s'avère que les objets naturels (contrairement à ceux fabriqués par l'homme) ne sont que presque symétriques. Mais cela n'est pas toujours perçu par l'œil humain. L'œil humain s'habitue à voir des objets symétriques. Ils sont perçus comme harmonieux et parfaits.

La symétrie est perçue par une personne comme une manifestation de régularité, ce qui signifie un ordre interne. Extérieurement, cet ordre interne est perçu comme beauté. Les objets symétriques ont un haut degré d'opportunité - après tout, les objets symétriques ont une plus grande stabilité et une fonctionnalité égale dans différentes directions. Tout cela a conduit une personne à l'idée que pour qu'un bâtiment soit beau, il doit être symétrique. La symétrie était utilisée dans la construction de bâtiments religieux et domestiques dans l'Égypte ancienne. Les décorations de ces structures représentent également des exemples de l'utilisation de la symétrie. Mais la symétrie se manifeste le plus clairement dans les anciens bâtiments de la Grèce antique, les objets de luxe et les ornements qui les ornaient. Depuis cette époque jusqu'à nos jours, la symétrie dans l'esprit humain est devenue un signe objectif de beauté.

Étude.

1. Taj Mahal, Agra, Inde.

L'architecture du Taj Mahal est basée sur une symétrie absolue. Ici, chaque élément tient à sa place et s'intègre parfaitement dans la structure principale. Tout ici est un multiple de quatre. Le mausolée et les deux mosquées de grès rouge qui le flanquent sont construits dans un parc pavé de marbre. Le parc est divisé en 4 parties égales par des canaux qui se croisent au centre, chacune des parties, à son tour, est divisée en 4 parties par des canaux plus étroits. Le bâtiment repose sur une plate-forme carrée assez haute (56x56 m), dont les angles sont "coupés", formant un octaèdre inégal. Le grand dôme s'élève à une hauteur de 74 mètres, soutenu par quatre murs et de petites arches. La largeur des quatre murs est la même, c'est-à-dire qu'ils forment un carré à leur base.

Le bâtiment principal du mausolée est situé sur une haute terrasse et est entouré de quatre minarets, qui s'écartent légèrement du mausolée afin qu'en cas de tremblement de terre, ils ne tombent pas dessus.

Le Taj Mahal est complètement symétrique, à l'exception du sarcophage de Shah Jahan, qui est situé de manière décentrée dans une crypte sous le rez-de-chaussée. Sur le côté gauche de la tombe se trouve une mosquée en grès rouge. Sur la droite se trouve une réplique de la mosquée. Le bâtiment de la mosquée en grès rouge et le palais, qui fait face à La Mecque à l'ouest du bâtiment principal, sont également symétriques. L'ensemble du complexe a une symétrie axiale. La tombe a une symétrie centrale par rapport à la tombe de Mumtaz Mahal. La seule violation de cette symétrie est la tombe de Shah Jahan, qui y fut construite après sa mort.

Dans les ornements et les mosaïques qui ornent le mausolée, nous voyons l'utilisation de types de symétrie tels que la translation (transfert), la rotation, le glissement, etc.

Le Taj Mahal frappe avec une symétrie parfaite, comme on peut le voir sur la figure suivante : fig. 8. Symétrie du Taj Mahal.

2. Place du Registan, Samarcande, Ouzbékistan

L'ensemble se compose de trois médersas, situées symétriquement sur trois côtés d'une zone presque carrée: à l'ouest se trouve la médersa Ulugbek, à l'est - la médersa Sher-Dor et au sud - la médersa Tillya Kari. Les façades de la médersa sont situées de telle manière que la zone qui les unit est perçue comme une cour grandiose avec trois immenses portails ouverts d'un côté. La médersa Ulugbek se reflète dans la médersa Sher-Dor, bien qu'elles diffèrent légèrement structurellement (manque de mosquées et une entrée supplémentaire par la façade latérale). Ceci est apparemment dû au fait que le Coran interdisait complètement la symétrie en image miroir. L'ensemble est très harmonieux et majestueux. Des volumes géométriquement clairs sont comparés dans un rythme clair. La massivité des bâtiments est équilibrée par des portails à arcs en lancette et des minarets verticaux. Chaque centimètre des bâtiments est décoré de motifs géométriques, floraux et épigraphiques lumineux et colorés. Nous voyons une harmonie saisissante de grandes et petites formes, un motif de mosaïque élégant, un décor lumineux, une monumentalité, une clarté de symétrie. Tout cela place la médersa sur un pied d'égalité avec les meilleurs monuments architecturaux.

Les colonnades forment la base de tout le concept de composition. La colonnade a le caractère d'un demi-cercle, qui se fond naturellement dans une large place, tandis que la place se confond avec la rue. La colonnade se compose de 94 colonnes d'environ 13 mètres de haut. Il repose, comme le reste de l'édifice, sur un haut socle garni de granit.

Trois entrées mènent à la cathédrale : nord (depuis la perspective Nevski), sud et ouest. Chacun d'eux a trois portes. Les entrées sont soulignées par de stricts portiques à six colonnes avec de larges marches. Des monuments à M. I. Kutuzov et M. B. Barclay de Tolly, les généraux qui ont vaincu l'armée de Napoléon, sont érigés symétriquement devant la cathédrale de Kazan.

Le temple n'a pas de composition centrée, mais a un plan allongé en forme de croix allongée (latine). L'entrée principale de la cathédrale avec un portique à six colonnes est située du côté ouest, le long de l'axe de la nef longitudinale principale, mais la façade principale est le côté du bâtiment faisant face à la Perspective Nevski. La cathédrale de Kazan est étroitement liée à la Perspective Nevski.

Il suffit de regarder la cathédrale de Kazan pour s'assurer que le respect de la symétrie était la première règle de l'architecte lors de sa conception. Si nous traçons mentalement une ligne verticale à travers la flèche sur le dôme et le haut du fronton, nous verrons que des deux côtés de celui-ci, il y a des parties absolument identiques de la structure (colonnades et bâtiments de la cathédrale). Mais il s'avère que dans la cathédrale de Kazan, il existe une autre symétrie « ratée ».

Le fait est que selon les canons de l'Église orthodoxe, l'entrée de la cathédrale devrait être de l'est, elle devrait être de la rue, qui est située à droite de la cathédrale et est perpendiculaire à la Perspective Nevski. Mais, d'un autre côté, Voronikhine a compris que la cathédrale devait faire face à l'artère principale de la ville. Et puis il a fait une entrée à la cathédrale par l'est, mais a conçu une autre entrée, qu'il a décorée d'une belle colonnade. Pour rendre l'édifice parfait, et donc symétrique, la même colonnade devait être située de l'autre côté de la cathédrale. Ensuite, si on regardait la cathédrale d'en haut, alors son plan aurait non pas un, mais deux axes de symétrie. Mais les plans de l'architecte n'étaient pas destinés à se réaliser.

La cathédrale de Kazan a la simplicité et la clarté des proportions, la proportionnalité des formes et la retenue. Différents types de symétrie sont utilisés dans les éléments de décor de la cathédrale. .

4. Maison Pachkov, Moscou.

La maison Pachkov est un complexe architectural construit dans le style du classicisme, composé d'un bâtiment principal de trois étages couronné d'un belvédère et de dépendances de deux étages reliées par des galeries d'un étage.

Ici, la symétrie est à la base de la conception architecturale, qui permet d'organiser un vaste espace urbain.

La symétrie et l'équilibre des pièces individuelles, ainsi que la forme classique de construction en trois parties, sont pleinement respectés ici. Trois volumes - central, supérieur et deux latéraux, inférieur - sont reliés au centre en un seul ensemble par des galeries. La partie médiane haute avec un belvédère souligne le centre du palais, et les portiques latéraux soulignent cet axe de composition. La splendeur de la façade principale est soulignée par sa symétrie.

La décoration décorative de tous les murs de la maison centrale avec de hauts pilastres, combinée aux colonnes élancées du portique, renforce l'impression non seulement d'harmonie, mais aussi de grâce du bâtiment.

5. Cathédrale du Christ Sauveur, Moscou.

Regardons de plus près l'image de la cathédrale du Christ Sauveur. Traçons une ligne droite verticale passant par le milieu du dôme (fig. et nous verrons que les côtés gauche et droit du temple sont exactement les mêmes, c'est-à-dire que toutes les parties du temple sont symétriques par rapport à la ligne droite. Cela signifie que dans la personnification de son plan, Konstantin Ton a strictement respecté les lois de la symétrie.

6. Pavillons sur les rives des étangs Golovinsky, Moscou.

L'architecture des belvédères utilise la symétrie axiale (miroir) dans les fenêtres, les colonnes et les arches. Il existe également une symétrie de rotation du 2ème ordre.

Selon A. N. Grech: "Un autre détail doit être noté en relation avec les pavillons de Mikhalkov - leur disposition symétrique." En effet, le premier petit belvédère, dressé sur l'une des rives de l'étang Golovinsky, a une forme originale et est surmonté d'un vase en pierre blanche. La deuxième tonnelle, hammam de la première, se dresse dans le parc de l'autre côté de l'étang. .

7. Palais Ostankino, Moscou

Considérez les parties droite et gauche de cette structure architecturale. On voit qu'ils sont à symétrie miroir par rapport au plan passant par le milieu de la façade du bâtiment. Chaque détail d'un système symétrique existe comme un jumeau de sa paire obligatoire située de l'autre côté de l'axe, et en raison de la dualité des éléments individuels, la structure entière est «lue» même lorsqu'elle est perçue d'un côté. Type de symétrie - miroir. La symétrie unifie la composition. L'emplacement de l'élément principal le long de l'axe souligne son importance, améliore l'intégrité de la composition. Ceci est clairement visible sur la photo. De plus, la symétrie est utilisée non seulement dans le bâtiment lui-même, mais également dans sa décoration extérieure et ses intérieurs.

8. Cathédrale Saint-Basile, Moscou.

Dans l'aspect architectural de la cathédrale, il y a une étonnante combinaison de symétrie et d'asymétrie. Les huit églises (quatre axiales, quatre plus petites entre elles) sont couronnées de dômes en oignon et regroupées autour de la neuvième église de l'Intercession en forme de pilier qui les surplombe, complétée par une tente avec un petit dôme. Les neuf églises sont unies par une base commune, une galerie de contournement et des passages voûtés internes.

En général, cette composition bizarre de dix temples n'a ni miroir ni symétrie de rotation. Cependant, il y a un point à partir duquel la cathédrale est absolument symétrique.

Les compositions séparées des temples ont une symétrie centrale, axiale (miroir) et de rotation. Les détails architecturaux symétriques de la cathédrale sont disposés de manière asymétrique, au hasard autour de sa tente centrale : ils montent, ou tombent, ou, pour ainsi dire, se heurtent ou restent en arrière, créant une impression de joie et de fête. Les églises sont couronnées de bulbes dont aucun ne se répète en termes de décoration architecturale. Chaque dôme est décoré de corniches, kokoshniks, fenêtres, niches. Les portails de la cathédrale sont entièrement recouverts de sculptures végétales ornementales, dans lesquelles il existe une symétrie portable et coulissante.

Cette cathédrale est exceptionnelle ! Il crée un sentiment de fête et d'élégance. Nous n'avons vu cela nulle part! Il semblerait que ce soient des détails dissemblables, mais ensemble, ils créent un ensemble vraiment unique et harmonieux. Et ce n'est pas concevable sans son asymétrie !

Conclusion.

Des études ont montré que tous les types de symétrie sont utilisés dans la conception et la construction de structures architecturales et la conception de façades de bâtiments. La symétrie est la base de l'harmonie dans l'urbanisme. L'utilisation des principes de symétrie dépend du contenu fonctionnel de l'objet. Il s'applique aux structures à composition centrée et objet principal d'un grand complexe architectural. La symétrie crée une grande solennité, grâce à laquelle elle a souvent été utilisée par les architectes dans la construction de bon nombre des plus grands objets du passé. Mais à l'heure actuelle, les structures constituées d'éléments fonctionnels complexes sont de plus en plus répandues, difficiles à résoudre entièrement selon un schéma symétrique. Une composition asymétrique est utilisée, qui offre des solutions plus économiques avec une relation fonctionnelle plus pratique entre les éléments, une meilleure utilisation du relief, une interaction plus harmonieuse avec l'espace environnant.

Une composition asymétrique, comme une composition symétrique, est harmonieuse, soumise à des lois, mais créée non selon les lois de l'égalité géométrique, mais selon le principe de l'unité harmonique des formes architecturales, situées de manière asymétrique dans l'espace. Le grand principe de sa construction est la recherche de l'équilibre visuel de toutes les pièces. L'équilibre de cette composition, réalisée selon les lois de l'harmonie, donne une composition asymétrique à la perfection, à laquelle rien ne peut être retranché ni ajouté, et qui est principalement caractéristique d'une composition symétrique.

La symétrie et l'asymétrie peuvent également être utilisées ensemble pour différentes parties de la composition : l'une pour les éléments individuels et l'autre pour leur combinaison mutuelle. Cette combinaison peut conduire à une plus grande expressivité de l'ensemble. Un exemple d'une telle combinaison de symétrie et d'asymétrie dans l'architecture est la cathédrale Saint-Basile à Moscou. En l'absence de symétrie dans la construction dans son ensemble, les différentes parties de cette cathédrale sont symétriques et cela crée une harmonie.

1. Les principes de symétrie sont fondamentaux pour tout architecte, mais chaque architecte tranche la question de la relation entre symétrie et asymétrie de différentes manières. Un bâtiment asymétrique dans son ensemble peut être une composition harmonique d'éléments symétriques.

2. Une solution réussie est déterminée par le talent de l'architecte, son goût artistique et sa compréhension de la beauté. Il peut y avoir de nombreuses solutions réussies, mais une chose reste inchangée - le désir d'harmonie de l'architecte, et cela est dans une certaine mesure lié à la symétrie.

J'aimerais que les architectes modernes utilisent différents types de symétrie lors de la conception de bâtiments et d'autres structures architecturales, non seulement pour décorer les façades, mais aussi pour la planification. J'aimerais également que lors de la restauration d'anciens bâtiments, le style architectural de cette époque, chargé de mystère et d'une longue histoire, ne soit pas violé.

Tableau "Styles artistiques XX ème siècle"

Nom du style

Heure et lieu d'origine

Idée principale

Caractéristiques distinctives

Formes d'art préférées

Moderne - (fr. moderne - le dernier, moderne)

Différents pays ont adopté d'autres noms pour le style Art Nouveau : Art Nouveau en France, Belgique, Jugendstil en Allemagne, Sezession en Autriche, Liberty en Italie, Russie, etc.

Le centre principal de l'Art nouveau n'était pas la "capitale artistique du monde" de l'époque - Paris, maisVienne et Bruxelles. Le style s'est clairement manifesté dans des points d'Europe tels que la province de Nancy (France), les villes de Munich et Darmstadt (Allemagne), Barcelone (Espagne), Turin (Italie). Les centres de la modernité architecturale en Russie étaient Moscou, les domaines de Talashkino et Abramtsevo.

L'idée de la Beauté comme valeur absolue.

Synthèse des arts

La prédominance du pittoresque sur la symétrie

Le principe du "de l'intérieur vers l'extérieur"

Esthétisation de l'idée nationale

Idéalement, l'Art nouveau était censé devenir un mode de vie unifié de la société, pour créer un environnement esthétique unique autour d'une personne (de l'architecture de la maison aux détails du costume).

Le concept principal de l'Art Nouveau est une expérimentation sans fin avec les matériaux, les propriétés imprévisibles des matériaux et leurs caractéristiques sont révélées.

L'un des principaux moyens d'expression de l'art nouveau était l'ornement, souvent floral, imprégné d'un rythme expressif, subordonnant la composition de l'œuvre.

Les traits caractéristiques du style Art nouveau sont une ligne courbe en forme de vague qui combine les influences de l'Orient et le désir de construction. Les lignes décoratives aux courbes fantaisistes se confondent visuellement avec les éléments de la structure du bâtiment. À l'intérieur, sa décoration, une grande attention est accordée au motif floral stylisé, aux formes fluides et flexibles, qui ont transformé les structures métalliques en fourrés bizarres de couleurs fantastiques. La gamme stylistique de l'Art nouveau est large, on y voit un mélange d'éléments de styles différents. Nouvelles combinaisons de matériaux et techniques inhabituels dans le décor - bois, mosaïque, carreaux de céramique, bronze, pierre, porcelaine, vitrail.De nombreux artistes qui ont travaillé dans ce style ont reçu une reconnaissance mondiale - Gauguin, Klimt, Munch, Vrubel et autres.

Le style Art nouveau était très répandu danspeinture, architecture, sculpture et artisanat d'art . L'œuvre la plus populaire des artistes de l'art nouveau était considérée comme un panneau, des sculpteurs - des sculptures en relief.

Moderne trouvé une large application dans la mode pour les vêtements.

Modernisme

Cela inclut le fauvisme, l'expressionnisme, le futurisme, le cubisme, le surréalisme, etc.

20ième siècle

Le modernisme proclame la supériorité de l'art sur la réalité. Modernisme -il s'agit d'une certaine combinaison de styles différents, basés sur l'individualité du point de vue de l'auteur, sur la liberté de ses pensées et de ses émotions intérieures. De manière générale, le modernisme en peinture se positionne comme un mouvement majeur à part entière qui a abandonné les traditions classiques habituelles. Les artistes ont barré leur expérience historique. Ils ont essayé de trouver un nouveau départ dans l'art, de renouveler la perception et la compréhension de la peinture dans la société.

Les principales caractéristiques du modernisme:

1. Rupture des traditions réalistes

2. Refus de dépeindre les réalités sociales et historiques

3. Subjectivisme

4.Individualisme

5. Protestation contre toute tradition

6. Le rôle prédominant de la forme sur le fond

7. Synthèse des arts

8. Dépendance à l'irrationnel

9. Déshumanisation

10. Esthétisme, incl. anti-esthétique

Art et littérature

avant-garde (Avant-gardisme français - avant et stands) - le nom général des mouvements artistiques du 20ème siècle

fin 19e - début 20e siècle

Le caractère contradictoire de l'avant-gardisme se traduit par l'attrait de certaines de ses tendances vers le formalisme. Dans ses formes extrêmes, il se confond avec la décadence, le modernisme, l'art abstrait.

La recherche de formes et de moyens d'affichage artistiques nouveaux, inconnus, souvent artificiels, est caractéristique, si l'on sous-estime l'opposition complète aux traditions et l'absolutisation de l'innovation.

La victoire de l'imagerie verbale et du symbolisme sur le contenu danspoésie et prose,

accentuation de la couleur, de la structure de la composition et de l'absence d'intrigueen peinture ,

atonalité et cacophonieen musique ,

et d'autres, au contraire, à l'objection de l'essence esthétique de l'art et de l'utilitarisme( fusion de l'art avec la production, la vie quotidienne et le journalisme politique)

Abstractionnisme - (du lat. abstractus - abstrait) - le nom commun d'un certain nombre de tendances dans les arts visuels

20ième siècle

L'abstractionnisme en tant que tendance des beaux-arts est apparue dans les années 1910 dans le processus de stratification du cubisme, de l'expressionnisme et du futurisme.

États-Unis, Russie, Pays-Bas, France, etc.

Refus de comprendre l'art comme une imitation de la nature, une reproduction des formes de la réalité.

Rompant avec les formes traditionnelles de l'art, il proclame un libre jeu des lignes, des couleurs, des formes, des taches de couleur. Parmi les fondateurs de l'art abstrait figurent les artistes russes V. V. Kandinsky, K. S. Malevich, les Pays-Bas P. Mondrian, T. Van Dusburgh.

L'abstractionnisme est souvent appelé "art non objectif", il n'a jamais été reconnu par les masses et était à l'écart des problèmes sociaux de son temps. Les principaux moyens utilisés par les artistes de cette direction sont : les points, les lignes, les plans, la couleur.

Obtenir des effets décoratifs, donner aux combinaisons de couleurs de taches et de lignes une signification particulière, comme si elles correspondaient aux humeurs et aux sentiments de l'artiste.

Peinture, sculpture, graphisme

Le réalisme - ( du latin tardif - réel)

XIXe-XXe siècles USA, pays européens, Russie, pays de l'Est, Asie, Afrique. (Monde).

La vérité de la vie dans la production. Les réalistes authentiques sont réchauffés par l'amour pour l'homme, la compassion pour ses ennuis et ses malheurs. L'humanité de l'écrivain est un facteur difficile à rendre compte avec l'aide des critiques littéraires habituels. catégories, mais peut-être les plus nécessaires à la création réaliste. chefs-d'œuvre. R. ne craint pas les côtés les plus sombres de la vie, mais la représentation de ses horreurs n'est pas une fin en soi. morale. La force de R. se manifeste dans le fait que même avec le tragique. résoudre les conflits, cela reste un procèsaffirmation de la vie. L. Tolstoï considérait que le but le plus élevé de l'artiste était la création d'une œuvre sur laquelle, et après de nombreuses années, ils "pleureront, riront et aimeront la vie" (Poln. sobr. soch., vol. 61, 1953, p. 100).

Le pouvoir d'affirmation de la vie de R. est inséparable de la capacité de l'artiste à ressentir la vie dans toute sa plénitude changeante plus fortement que les autres, à être tourmenté par ses contradictions, à s'identifier à la partie la plus souffrante de l'humanité. L'activité de l'écrivain s'exprime dans la capacité d'exciter l'universel positif. aspirations morales signifie réaliste. procès. L'impact profond sur l'âme du lecteur n'est bien sûr pas seulement réaliste. lit-re, mais d'autres formes d'art-va. Cependant, un tel impact est toujours basé sur la pénétration dans les sources premières et les causes premières de la vie, il découle de la capacité d'affecter les mouvements humains les plus intimes. âme et appelez-la à des "buts plus élevés et lointains" (A. Tchekhov). C'est précisément cela, tout d'abord, que la littérature de R., le classicisme, le romantisme, le symbolisme et d'autres formes de littérature suscitent des réactions émotionnelles directes dans l'âme du lecteur, acquérant pour lui un sérieux,vitalsignification. Ceci, en particulier, conduit au fait que toute pénétration dans les problèmes les plus profonds de la vie, joue sur les cordes les plus intimes de l'humain. âmes, parfois considérées comme R. Cependant, les émotions doivent être distinguées. l'effet d'une œuvre sur des formes spécifiques de littérature qui ont provoqué un état d'esprit particulier du lecteur.

Les principes directeurs du réalisme aux XIXe et XXe siècles sont : une réflexion objective des aspects essentiels de la vie en combinaison avec la hauteur et la vérité de l'idéal de l'auteur ; reproduction de personnages typiques, de conflits, de situations avec l'intégralité de leur individualisation artistique (c'est-à-dire la concrétisation des signes nationaux, historiques et sociaux, ainsi que des caractéristiques physiques, intellectuelles et spirituelles);

préférence dans les manières de représenter « les formes de la vie elle-même », mais avec l'utilisation, surtout au XXe siècle, de formes conditionnelles (mythe, symbole, parabole, grotesque) ;

l'intérêt dominant pour le problème « personnalité et société » (en particulier dans l'inévitable confrontation entre les lois sociales et l'idéal moral, personnel et de masse, conscience mythifiée).

Le principe de la vérité de la vie, qui est guidé par l'artiste réaliste dans son travail, essayant de donner le reflet le plus complet de la vie dans ses propriétés typiques. La fidélité de l'image de la réalité, reproduite dans les formes de vie elles-mêmes, est le critère principal de l'art.

Analyse sociale, historicisme de la pensée. C'est le réalisme qui explique les phénomènes de la vie, établit leurs causes et leurs conséquences sur une base socio-historique. En d'autres termes, le réalisme est inconcevable sans l'historicisme, qui implique la compréhension d'un phénomène donné dans sa conditionnalité, dans son développement et sa connexion avec d'autres phénomènes. L'historicisme est la base de la vision du monde et de la méthode artistique de l'écrivain réaliste, une sorte de clé de la connaissance de la réalité, permettant de relier le passé, le présent et le futur. Dans le passé, l'artiste cherche des réponses à des questions d'actualité du présent, et la modernité comprend à la suite de développements historiques antérieurs.

Tous les arts, littérature, cinéma

réalisme socialiste

Union soviétique, 1934 aux années 1960

Lors du premier congrès de toute l'Union des écrivains soviétiques, l'adoption du réalisme socialiste a été annoncée, qui visait à rationaliser le travail des «ingénieurs des âmes humaines». Le postulat principal du réalisme socialiste étaitpartisanerie, idéologie socialiste.

Dans le réalisme socialiste, une réflexion objective de la réalité était obligatoire et le personnage principal de toute œuvre devait se développer en permanence.

Le réalisme socialiste a été reconnu comme la seule méthode artistique dont les principes ont été formulés pour la première fois dans la "Charte de l'Union des écrivains de l'URSS" (1934). Le concept esthétique de « réalisme » a été volontairement combiné avec la définition politique de « socialiste », ce qui a conduit en pratique à la subordination de la littérature et de l'art aux principes de l'idéologie et de la politique, à l'émasculation du contenu même de l'art. Le réalisme social était une méthode universelle prescrite, en plus de la littérature, de la musique, du cinéma, des beaux-arts et même du ballet. Toute une époque de la culture nationale est passée sous son drapeau.

Toutes sortes d'art, y compris le ballet, la littérature, l'art cinématographique.

Primitivisme - phénomène dans l'art

20ième siècle

L'idée d'imaginer la vie quotidienne ou la fantaisie avec des personnages amusants avec une combinaison de couleurs vives.

Créativité des artistes - amateurs ou soi-disant "artistes du jour". Leurs peintures dépeignent la vie quotidienne ou des fantasmes avec des figures humaines et animales maladroites et amusantes, ils ne se soucient pas de la perspective, mais les combinaisons de couleurs sont très belles, et la simplicité et l'immédiateté leur donne un grand charme.

art

Le cubisme est une sorte d'abstractionnisme (une direction dans l'art)

Début du 20e siècle, continué jusque dans les années 1960.

Apparaît dansLa France. Fondateur : artiste français d'origine espagnole Pablo Picasso.

Tente de créer de nouvelles perspectives en décomposant l'objet en formes géométriques. Il véhicule l'idée de simplifier le sujet en formes géométriques - une boule, un cylindre, un prisme, un cube, ainsi leur travail s'appelait "l'art des cubes" avec un sourire.

Les cubistes abandonnent les formes de transmission de la couleur et de la lumière caractéristiques des impressionnistes et tentent de créer de nouvelles formes de perspective multidimensionnelle, décomposant l'objet en formes géométriques (cercles, demi-cercles, triangles, cubes). Dans cette perspective, l'objet était représenté sous différents angles, même invisibles, ce qui permettait de comprendre son contenu intérieur. Un exemple de cubisme peut être les peintures de P. Picasso "Avignon Girls" "Violin", J. Braque - "House in Estatsi". Ils ont glorifié la ville moderne, le développement de la technologie. Picasso et Braque se sont tous deux concentrés sur le dessin, une composition qui impliquait une déformation géométrique avec peu d'utilisation de la couleur. Le monde qui a été créé dans les peintures était à facettes et anguleux, ils ont essayé de représenter le même objet de différents côtés en même temps.

Peinture

Suprématisme

(de lat. supremus - le plus haut, le plus haut; premier;

le dernier, extrême, apparemment, à travers la suprématie polonaise - supériorité, suprématie) La direction de l'art d'avant-garde

Dans le premier tiers du XXe siècle, la Russie. Le créateur, dont le principal représentant et théoricien était l'artiste russe Kazimir Malevich en 1913.

Les compositions multicolores de la combinaison étaient censées exprimer les principes «supérieurs» absolus de la réalité, compris par l'intuition de l'artiste.

Les compositions du suprématisme sont organisées à partir de plans multicolores qui ont la forme d'un carré, d'un rectangle, d'un cercle, d'un triangle, d'une croix. De telles combinaisons étaient censées exprimer les débuts "supérieurs" absolus de la réalité, compris par l'intuition de l'artiste.

art

Futurisme - (du lat. futurum - futur) mouvement littéraire et artistique dans l'art

Nom (du latin "futurum" - "futur") d'un courant moderniste particulier dans l'art européen

1910 - 1920 ans

Le futurisme est né en Italie. Europe, Russie.

S'attribuant le rôle de prototype de l'art du futur, le futurisme mis en avant comme programme principall'idée de détruire la culture stéréotypes et offrait à la place une apologie de la technologie et de l'urbanisme comme principaux signes du présent et de l'avenir.

artistique importantl'idée du futurisme était la recherche d'une expression plastique de la rapidité du mouvement comme signe principal du rythme de la vie moderne. La version russe du futurisme s'appelait cubo-futurisme et était basée sur une combinaison des principes plastiques du cubisme français et des principes esthétiques généraux européens du futurisme.

Dans leur désir de créer "l'art du futur", les futuristes ont pris la position de rejeter la culture traditionnelle avec ses valeurs morales et artistiques. Ils ont proclamé le culte d'une civilisation urbanisée par la machine - grandes villes, vitesses élevées, mouvement, force et énergie. Le futurisme a des caractéristiques liées au cubisme et à l'expressionnisme. Par croisements, décalages, collisions et influx de formes, les artistes ont tenté d'exprimer l'écrasante pluralité d'impressions d'un être contemporain, citadin. la recherche de formes et de moyens d'affichage artistiques nouveaux, inconnus, souvent artificiels, que l'on sous-estime l'opposition complète à la tradition et l'absolutisation de l'innovation. Le futurisme, généré par l'atmosphère spirituelle du XXe siècle avec ses cataclysmes grandioses, illustre non seulement la contradiction entre différents systèmes et techniques de composition, mais aussi la lutte des positions de vision du monde. Certains théoriciens et praticiens de l'avant-garde déclarent la création d'un art élitiste éloigné des tâches sociales, tandis que d'autres, au contraire, recherchent des moyens d'expression fondamentalement nouveaux pour transmettre l'ambiance de la protestation sociale et du contenu révolutionnaire. Il se distingue principalement non pas par des formes finies, mais par des tendances au déplacement des thèmes traditionnels, des intrigues et des principes de composition, à l'hypertrophie de la conventionnalité, à la forte expressivité (sonore, colorée, plastique et autre). Elle se caractérise aussi par la destruction des frontières objectivement déterminées entre types et genres (la pénétration de la poésie et de la musique dans la prose et la « prosaïsation » de la poésie, le transfert des principes de la composition musicale à la littérature et aux beaux-arts).

Peinture, musique, littérature

dadaïsme

(l'origine n'est pas claire: dada français - "cheval jouet", ou dada italien - "mère", ou russe et roumain - "d'accord", ou conversation de bébé)

Pendant la Première Guerre mondiale en Suisse. 1916-1922. Allemagne, France.

Le but créatif des dadaïstes était la provocation, le désir de choquer le public, le désir de détruire les normes esthétiques traditionnelles (imitation de gribouillis "clôture", combinaisons d'objets choisis au hasard, autocollants sur une toile de peinture, etc.).

Le mouvement était ouvertement nihiliste, moins un courant artistique qu'une rébellion intellectuelle, qui s'exprimait principalement dans diverses actions qui mystifiaient le public et le provoquaient dans une réaction d'indignation. Les dadaïstes ont rejeté la construction planifiée d'œuvres d'art, ont canonisé le hasard, ont eu recours aux méthodes de parodie de la créativité et de destruction de la forme d'art.

art

Expressionnisme (du lat. expressio - expression) - une tendance dans la littérature et l'art

Le début du XXe siècle a été particulièrement marqué en Allemagne et en Autriche.

La base idéologique de l'expressionnisme était la protestation contre le monde laid, l'aliénation croissante de l'homme du monde, le sentiment de l'effondrement des espoirs.Le courant a proclamé le monde spirituel subjectif de l'homme comme la seule réalité et son expression comme le but principal de l'art.

Parfois, ce concept prend un sens plus large - ils désignent un ensemble de phénomènes dans l'art de la fin des XIXe et XXe siècles, exprimant une vision du monde douloureuse et alarmante inhérente aux périodes de crises sociales et de troubles. Cassure grotesque, irrationalité des images. Il a reçu une coloration anti-guerre et anti-impérialiste brillante.

Littérature et art

néoplasticisme - l'une des premières variétés d'art abstrait.

Créé vers 1917 par le peintre hollandais P. Mondrian et d'autres artistes qui faisaient partie de l'association "Style".

Le néoplasticisme était censé dépasser l'individualité pour atteindre l'universalisme et créer ainsi une nouvelle image du monde.

Le néoplasticisme se caractérise, selon ses créateurs, par le désir d'"harmonie universelle", exprimé dans des combinaisons strictement équilibrées de grandes figures rectangulaires, clairement séparées par des lignes noires perpendiculaires et peintes dans les couleurs locales du spectre principal (avec l'ajout de blanc et tons gris). La principale caractéristique du néoplasticisme était l'utilisation stricte de moyens expressifs. Le néoplasticisme ne permet qu'aux lignes horizontales et verticales de construire la forme. Croiser les lignes à angle droit est le premier principe. Vers 1920, on en ajoute un deuxième qui, supprimant le trait et accentuant le plan, limite les couleurs au bleu rouge et au jaune, c'est-à-dire trois couleurs primaires pures auxquelles seuls le blanc et le noir peuvent être ajoutés.

art

Surréalisme - (du surréalisme français, littéralement - super-réalisme)

Années 1920 du 20e siècle. Europe, Russie, États-Unis.

Le surréalisme, qui considérait le monde comme un tas de cauchemars. Le leader reconnu du surréalisme est S. Next. Connu pour ses toiles "girafe flamboyante" (1935), "La persistance de la mémoire" (1931). P. Picasso - composition "Guernica" (1937). Il proclame que la source de l'art est la sphère du subconscient, des instincts, des rêves, des hallucinations, et que sa méthode est la rupture des connexions logiques, remplacées par des associations libres.

La principale caractéristique du surréalisme est l'illogisme paradoxal, les combinaisons d'objets et de phénomènes, auxquels on confère magistralement une authenticité plastique-objet visible..

Littérature, beaux-arts

Art Déco - ( fr. art déco) - tendance stylistique dans l'art

pays de l'Ouest L'Europe et l'Amérique dans le 2e quart du 20e siècle.

Exotique et flamboyant, l'Art Déco est le style le plus mystérieux du XXe siècle.

Caractéristique:

une combinaison de formes lourdes monumentales avec une décoration sophistiquée;

une combinaison d'éléments de l'Art Nouveau, du cubisme et de l'expressionnisme ;

l'utilisation de formes expressives de «conception technique» (principalement des matériaux et un style de «formes profilées» à la mode, empruntées aux derniers modèles de voitures et de locomotives).

Il tire son nom de l'Exposition internationale des arts décoratifs et de l'industrie (Paris, 1925), qui fut le point de départ de sa diffusion et de son développement.

Il a immédiatement conquis le monde entier et reste toujours une source d'inspiration pour les designers. Ce n'est pas un hasard si Armani a réalisé sa dernière collection Casa de 2005/2006 dans les meilleures traditions de l'Art Déco.

Art

Hyperréalisme (photoréalisme ) - style en peinture et en sculpture,

L'hyperréalisme est né aux États-Unis au milieu du XXe siècle.

L'objectif principal de l'hyperréalisme est de montrer la réalité.

Basé sur la réalisation photographique de l'objet.

En peinture et sculpture

Constructivisme - direction

dans l'art soviétique des années 20. 20ième siècle

Les constructivistes ont cherché à opposer l'ostentation du luxe à la simplicité et ont mis l'accent sur l'utilitarisme de nouvelles formes objectives, dans lesquelles ils voyaient la réification de la démocratie et de nouveaux rapports entre les peuples.

Les partisans du constructivisme, mettant en avant la tâche de concevoir un environnement qui guide activement les processus de la vie, ont cherché à comprendre les possibilités de mise en forme de la nouvelle technologie, ses conceptions logiques et opportunes, ainsi que les possibilités esthétiques de matériaux tels que le métal, le verre et le bois. .

Art

Op art (de l'anglais op art, abréviation d'art optique - art optique) - un mouvement néo-avant-gardiste dans les arts visuels, l'une des modifications ultérieures de l'art abstrait. Dans l'op-art, les effets du mouvement spatial, de la fusion et du "flottement" des formes ont été obtenus en introduisant des contrastes de couleurs et de tons nets, des répétitions rythmiques, des intersections de configurations en spirale et en treillis et des lignes sinueuses.

Tachisme (du français tache - spot) - l'un des noms de la direction de l'abstractionnisme.

années 1950

Expression de l'activité inconsciente de l'artiste.

Peindre avec des taches qui : ne recréent pas d'images de la réalité ; sont appliqués sur la toile avec des mouvements rapides de la main sans plan prémédité; exprimer l'activité inconsciente de l'artiste. Les représentants les plus éminents du style : Georges Mathieu, Hans Hartung, Wole, Pierre Soulages, Jean Bazin, Emilio Vedova, Asger Jorn.

Peinture

Pop Art – (du pop art anglais - art populaire, public ou du pop - son saccadé, coton léger)

50-60 ans XXe sièclePop Art se généralise dans la 2e moitié des années 1950. aux États-Unis.

Au sens propre:

l'art qui produit un effet explosif et choquant est une tendance néo-avant-gardiste dans les arts visuels.

Cette tendance se caractérise par l'utilisation et le traitement d'images de la culture de masse (populaire). Les artistes de cette tendance reproduisent littéralement des objets typiques de la vie moderne (articles ménagers, emballages de marchandises, fragments d'intérieurs, pièces de voiture...), des images imprimées populaires de personnalités célèbres, des coupures de journaux, ou incluent ces objets et images dans des compositions. Les artistes pop art les plus connus : Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Andy Warhol.

art

Tourbillon - direction de l'avant-garde anglaise. Le nom de vorticisme doit son origine à la remarque du futuriste italien Umberto Boccioni selon laquelle toute créativité naît d'un tourbillon de sentiments (vortizto en italien).

Angleterre. Fondé par Wyndham Lewis en 1914. Il n'a pas vécu assez longtemps pour voir la fin de la Première Guerre mondiale.

Essayé de transmettre le processus de mouvement

Comme le futurisme, le vorticisme est nerveux, anguleux et très dynamique.

Peinture, sculpture.

Symbolisme - (du grec "symbolon" - "signe", "symbole")orientation artistique

Europe, Russie, 1870-1910

Il se concentre principalement sur l'expression artistique à travers le symbole de sentiments et de visions vagues, souvent sophistiqués, compris intuitivement.direction de la littérature et de l'art en Europe à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Ses caractéristiques sont l'ambiguïté des images, le jeu des métaphores et des associations. Représentant différents styles de l'époque (romantisme tardif, académisme, postimpressionnisme, modernisme), les maîtres de ce courant considéraient l'art comme un symbole de l'inconnaissable, le monde des visions et des rêves.

Les principes philosophiques et esthétiques du symbolisme remontent aux travaux d'A. Schopenhauer, E. Hartmann, F. Nietzsche et aux travaux de R. Wagner.

Dans un effort pour pénétrer les secrets de l'être et de la conscience, pour voir à travers la réalité visible l'essence idéale supratemporelle du monde ("du réel au plus réel") et sa Beauté "impérissable", ou transcendante, les Symbolistes ont exprimé leur le rejet du bourgeois et du positivisme, l'aspiration à la liberté spirituelle, le pressentiment tragique des changements socio-historiques mondiaux.

En Russie, le symbolisme était souvent conçu comme une "création de vie" - une action sacrée qui va au-delà de l'art. Les principaux représentants du symbolisme en littérature sont P. Verlaine, P. Valery, A. Rimbaud, S. Mallarmé, M. Maeterlinck, A. A. Blok, A. Bely, Vyach. I. Ivanov, F.K. Sologub; dans les beaux-arts : E. Munch, G. Moreau, M. K. Chyurlionis, M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov ; Fermer

au symbolisme, l'oeuvre de P. Gauguin et des maîtres du groupe Nabis, le graphisme d'O. Beardsley,

l'œuvre de nombreux maîtres du style Art Nouveau.

Littérature, arts

Objectif: développer la capacité des élèves à la perception émotionnelle et artistique et à la compréhension des caractéristiques du style moderne. Idée artistique et pédagogique de la leçon : à travers l'immersion dans la peinture, la musique et l'architecture moderne, venez à une compréhension de l'idée principale de ce style de l'idée de Beauté absolue. Les objectifs de la leçon : élargir les horizons culturels et artistiques des élèves par la connaissance des spécificités et du système figuratif du style Art nouveau ; développement chez les élèves du secondaire de la capacité d'analyser, de systématiser et de comprendre de manière critique le matériel; compréhension des accents idéologiques de l'art moderne, incarnés dans les œuvres d'architecture et de peinture. La présentation peut être utilisée dans plusieurs leçons lors de l'étude du style MODERN 2

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Notes de style. Recherche et tâche créatrice A l'heure du soir, ici chaque fleur tremblante, Comme un encensoir, verse un tendre encens, Fusionnant des vagues de sons avec une vague parfumée ; Quelque part une valse tourne, inconsolablement profonde ; La fleur tremblante verse un tendre encens, Comme un cœur malade, l'arc sanglote, Et le couchant est beau, comme un autel doré ; Comme un cœur timide devant l'obscurité sans fond, le soleil plonge dans un torrent sanglant... (Charles Baudelaire) 6

L'écrivain et esthète anglais Oscar Wilde dans le roman "The Picture of Dorian Gray" "Elle, dit l'un des héros, est un grand phénomène du monde qui nous entoure, comme la lumière du soleil, ou le printemps, ou le reflet de la lune dans l'obscurité eaux du bouclier d'argent. La beauté est indéniable. Elle a le droit le plus élevé au pouvoir et fait des rois ceux qui le possèdent ... La beauté est un miracle des miracles. Seuls les gens vides et limités ne jugent pas sur l'apparence. Le vrai secret de la vie réside dans le visible et non dans le caché. 8

Quels étaient les noms du style Art nouveau dans différents pays européens ? Dans différents pays, ce style a reçu son propre nom - "moderne", "art nouveau" (France), "art nouveau" (Allemagne), "liberté" (Italie). 17

Les motifs de la nature et la nature de la ligne. Dans l'Art nouveau, les motifs de la nature apparaissent partout : dans de riches ornements stylisant des formes végétales, et dans des contours gracieusement courbes d'objets incarnant une ligne « serpentine » organique, et dans des vitraux colorés, et dans des motifs de parquet. Dans l'Art nouveau, les motifs de la nature apparaissent partout : dans de riches ornements stylisant des formes végétales, et dans des contours gracieusement courbes d'objets incarnant une ligne « serpentine » organique, et dans des vitraux colorés, et dans des motifs de parquet. dix-huit

Dictionnaire thématique L'architecture moderne est un style architectural qui s'est répandu en Europe dans les années 1890-1910 dans le cadre du mouvement Art nouveau. L'architecture Art nouveau se distingue par le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, "naturelles", l'utilisation des nouvelles technologies (métal, verre). 19

Maison rentable M. V. Sokol sur Kuznetsky Most Pays Russie Rue de Moscou Kuznetsky Most Auteur du projet I. P. Mashkov, N. N. Sapunov Années de construction Statut objet du patrimoine culturel d'importance régionale 23

Glossaire Le motif dominant du bâtiment est la courbure des lignes de sa partie centrale, soulignée par les balcons des étages supérieurs. La mosaïque de majolique en atik représentant un aigle planant au-dessus des montagnes, accentuée par deux pilastres qui montent, a été réalisée d'après le croquis du peintre N. N. Sapunov Atik (du grec ancien ττικός) un mur décoratif érigé sur la corniche couronnant la structure. 24

L'entrée principale du bâtiment comporte 27 types de cadres de fenêtres différents. La conception de la façade est basée sur le principe de base de la modernité "de l'intérieur vers l'extérieur", qui est souligné précisément par la forme des fenêtres et des châssis. 29

Faits intéressants Dans le roman de A. N. Tolstoï "Marcher à travers les tourments", l'écrivain mentionne la maison de Kurlina, la qualifiant de "absurdement luxueuse". Selon la légende, l'image en stuc d'une élégante tête de femme au-dessus de l'entrée principale et d'une nymphe planante au plafond du boudoir incarne l'image de la belle hôtesse Sandra Kurlina. En 1918, pendant la guerre civile, la ville fut occupée par les Tchèques blancs, et la maison de Kurlina était habitée par le contre-espionnage de l'armée tchèque blanche. Au sous-sol, il y a un mur commémoratif avec des impacts de balles et des inscriptions laissées par des prisonniers du contre-espionnage tchèque blanc après les exécutions de soldats de l'Armée rouge. De 1941 à 1943, à la suite de l'évacuation du corps diplomatique de Moscou à Kuibyshev, le bâtiment fut occupé par l'ambassade du Royaume de Suède. En 1995, par décret du président de la Fédération de Russie, le domaine de Kurlin a reçu le statut de monument d'histoire et de culture d'importance fédérale. 31

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La conception extérieure utilise des formes plastiquement accentuées d'une arche d'entrée géante, un auvent caréné au-dessus, avec des tourelles de forteresse stylisées, un haut «toit terem» avec une arête de couronnement, qui rendent l'apparence du bâtiment particulièrement bizarre. La décoration de la gare utilisait les motifs architecturaux du nord de la Russie F. O. Shekhtel 37

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Laquelle des illustrations présentées ici ne correspond pas au style gothique ? 41

Esprit gothique à l'intérieur du manoir. Attention au détail. Les verticales gothiques et les voûtes de l'intérieur, le son étouffé des contrastes d'ébène et de lumière, soulignant l'opposition mystique de la lumière et des ténèbres, du bien et du mal, le sceau général du silence et de la paix - créent une atmosphère de la grandeur gothique d'un temple médiéval. 44

Fyodor Shekhtel Ryabushinsky's Mansion 1900 Contrairement à l'architecture de "façade", le volume cubique triomphe ici, souligné par les horizontales des dalles de corniche qui sont fortement avancées et les protubérances fantaisistes asymétriques des murs, des porches massifs, des balcons, chaque fois individuellement uniques et affirmant ainsi l'équivalence de toutes les façades. cinquante

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Victor Horta L'un des premiers architectes à avoir travaillé dans le style Art Nouveau fut le Belge Victor Horta. Dans ses projets, il utilise activement de nouveaux matériaux, principalement le métal et le verre. Il a donné des formes inhabituelles à des structures porteuses en fer, rappelant certaines plantes fantastiques. Les rampes d'escalier, les lumières suspendues au plafond, même les poignées de porte ont toutes été méticuleusement conçues dans le même style. 56

Victor Horta, 1900 Informations de base Citoyenneté Belgique Date de naissance 6 janvier 1861 Lieu de naissance Gand Date de décès 9 septembre (86 ans) Lieu de décès Bruxelles Travaux et réalisations A travaillé dans les villes de Bruxelles Style architectural Fondateur de la modernité Bâtiments les plus importants Dans la Liste du patrimoine mondial de l'UNESCO : maison d'Edmond Tassel, maison propre (musée Horta), maison Solvay, maison Van Eetvelde Récompenses Titre baronnial 57

Éléments de tous les styles précédents. L'historicisme de la modernité ne s'exprime pas dans une approche littérale des styles historiques, mais dans la volonté d'incarner « l'esprit » du style. L'historicisme de la modernité ne s'exprime pas dans une approche littérale des styles historiques, mais dans la volonté d'incarner « l'esprit » du style. Qu'est-ce que le style moderne ? Quelles sont les origines artistiques du style 61

Regardons le film Let's Think! Sternberger a-t-il raison de dire : « Quant à l'Art Nouveau, il devait et voulait être un style sans modèle, sans exemple, tout à fait moderne, le sien, d'aujourd'hui » ? D'une part, l'Art nouveau s'efforçait d'absorber tout ce qui avait déjà été accumulé dans le domaine de la création artistique ; d'autre part, dire un mot complètement nouveau dans l'art, créer un nouveau style international unifié 67

Le pittoresque est une propriété artistique particulière d'une œuvre, la capacité de recréer divers phénomènes de la vie dans leur dynamique, leur diversité, leur fluidité et leur mobilité, pour rendre compte de la constante variabilité du monde environnant.

Cette caractéristique des œuvres d'arts plastiques réside dans l'interaction dynamique des volumes, des taches de couleur, des formes, de la lumière et de l'ombre, des lignes, ce qui crée une impression vive de variabilité, de mobilité, de diversité de tous les aspects.

Le pittoresque se manifeste dans la prédominance des taches de couleur dans la peinture, dans le graphisme - taches de clair-obscur sur une ligne claire, dans la douceur des transitions. En sculpture, le pittoresque se manifeste dans l'ouverture et le flux des volumes émergeant dans l'espace. En architecture, le pittoresque réside dans la dynamique des formes, dans la liberté de démembrement des éléments principaux de la composition, dans l'asymétrie de la planification, parfois dans le rôle actif du décor plastique et.

Au sens large du terme, le pittoresque est la couleur, l'imagerie vivante, l'expression vivante et libre. C'est le contraire de la statique des formes d'art.

Le sentiment de complétude de l'esthétique de l'expansion du ton et du sens est facilité par la super-expressivité des détails, et vice versa, le sentiment de transparence du symbolisme et d'expressivité des moyens à un moment ou à un autre contribue à la transformation du structure en ton-sens. Il y a une combinaison de principes apolliniens et dionysiaques dans le sentiment de pittoresque, et l'un ou l'autre prévaut. La base de la sensation de pittoresque - dans le sujet - est non objective, c'est-à-dire l'incarnation visuelle du non objectif dans les structures de sujet représentées. Et en même temps, l'objectivité se perd, se dissout, s'estompe, s'annihile positivement esthétiquement. Dans l'art imitatif, l'artiste ne recherche pas des sensations nouvelles pour lui, mais tente instinctivement de transmettre des sentiments canoniques, universellement valables.

Il y a un concept de pittoresque dans la littérature et la poésie. L'idée du pittoresque de l'image est parfaitement clarifiée par les poèmes d'A.S. Pouchkine sur la nature. COMME. Pouchkine était capable de remarquer avec une subtilité surprenante et de transmettre avec une grande habileté tous les plus petits changements et humeurs de la nature environnante. Combien l'hiver est multiple, volage et changeant dans ses poèmes.

Un orage couvre le ciel de brume,
Tourbillons de neige tordant;
Comme une bête, elle hurlera
alors pleure comme un enfant
Que sur un toit délabré
Soudain la paille bruira,
Comme un voyageur en retard
Il y aura un coup à notre fenêtre.

Le poète décrit le blizzard hivernal de manière si colorée et pittoresque que l'on veut involontairement se couvrir d'une couverture chaude et fermer hermétiquement les fenêtres. Le pittoresque des poèmes de A. S. Pouchkine permet au lecteur de ressentir toute la riche gamme d'émotions que le poète a mises dans ses poèmes.

Pittoresque portrait.

LINÉARITÉ

LINÉARITÉ(du lat. linearis - linéaire) - une propriété spécifique des arts plastiques, exprimée dans le rôle prédominant de la ligne (rythme linéaire), dans la prédominance de l'image graphique, l'isolement des volumes et des contours. En ce sens, la peinture peut s'opposer au pittoresque, mais en pratique, dans le système non seulement de la peinture, mais aussi du graphisme et de la sculpture (relief), ces deux propriétés sont en interaction et interrelation complexes. La linéarité séquentielle est un phénomène assez rare.Certains types archaïques de sculpture (ancien "relief linéaire" égyptien) et types linéaires de graphiques (gravures sur bois d'Albrecht Dürer, illustrations de Sandro Botticelli pour la Divine Comédie de Dante, F. P. Tolstoï - à "Darling" par IF Bogdanovich, Aubrey Beardsley - à "Salomé" d'O. Wilde), ainsi que divers types d'ornements. Dans l'art médiéval, la linéarité est associée à la subordination du volume et de l'espace au plan (les fonds de l'icône, du mur, de la feuille), à ​​la prédominance du principe rythmique décoratif ; cependant, même avec le rejet de la modélisation des volumes, les objets représentés sont soumis à une construction spatiale complexe. Dans l'art de la Renaissance et du classicisme, L. (comme l'une des composantes des débuts du langage artistique d'une œuvre) accomplit les tâches de distinguer clairement les volumes, de séparer les figures de l'arrière-plan, d'articuler clairement les plans d'espace et de révéler les dynamique cachée de la composition (par exemple, dans la peinture de Michel-Ange, Agnolo Bronzino, Nicolas Poussin, Dominique Ingra et autres). La prédominance évidente de L. dans les tableaux de Botticelli, les reliefs de Jean Goujon, le riche développement des rythmes linéaires, leur harmonie dans certains cas permettent de parler de musicalité comme qualité spécifique de l'image artistique.