Pendant 40 ans, David Barnett a été impliqué dans le photojournalisme. Son appareil photo ne chasse pas les beaux paysages et les phoques - il cible des événements importants qui deviennent des symboles de l'époque. Les photographies de David permettent de regarder le monde de l'extérieur. Ses œuvres sont un manuel d'histoire vivante, qui, au lieu de faits secs, démontre les événements brillants de notre temps.
J'aime David. Alors que d'autres professionnels s'en achètent, il est porté avec un ancien caméscope Speed Graphic qui a 60 ans. Bien sûr, il a un équipement professionnel coûteux. Mais, apparemment, il comprend parfaitement : un appareil photo cher est un joli bonus, et non une condition préalable à une bonne photo. Un vrai maître peut faire un bon coup même avec une "boîte à savon" pour 30 dollars.
- Un exemple simple : en 2000, David a remporté le concours Eyes of History en prenant une photo avec un appareil photo Holga en plastique bon marché pour 30 $.
Quand Helmut était adolescent, la Gestapo a arrêté son père. Newton a fui l'Allemagne et s'est installé en Australie, où il a servi dans l'armée australienne jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale... Il semble que c'est ainsi qu'il faut rédiger une description si vous avez été mordu par un modérateur de Wikipédia.
Les biographies de personnes talentueuses ont souvent l'air trop impeccables, comme une salle VIP dans une clinique privée - tout aussi stérilement propre et loin de la vraie vie. Photographe germano-australien, a travaillé pour le magazine Vogue, parfois tourné dans le genre nu... Ce court récit ne donne aucune idée de qui était Newton Hellmuth.
Et c'était un snob sincère sans mégalomanie qui aimait l'éclat de la haute société. Il préférait photographier des gens fortunés et séjourner dans des hôtels de luxe. Et il en a parlé honnêtement, se considérant comme une personne plutôt superficielle, mais véridique.
Jusqu'au moment où il a survécu à une crise cardiaque en 1971, Helmut fumait 50 cigarettes par jour et pouvait faire la fête pendant une semaine. Mais une crise cardiaque a révélé au photographe de 50 ans une vérité incroyable : il s'avère qu'un style de vie de "jeunesse" tumultueux avec l'âge peut se terminer très tristement.
Au seuil de la mort, Helmut a arrêté de fumer, a commencé à mener une vie plus mesurée et s'est promis de ne tirer que ce qui l'intéresse.
Helmut Newton sur les choses qu'il déteste :
- Je déteste le bon goût. C'est une phrase ennuyeuse qui étouffe tous les êtres vivants.
- Je déteste quand tout est bon marché à l'envers.
- Je déteste la malhonnêteté en photographie : les photos prises au nom de certains principes artistiques sont floues et granuleuses.
Yuri Arkurs est l'un des plus grands photographes d'archives au monde. Au lieu de photographier des levers de soleil et du brouillard dans un parc de la ville, il photographie ce qui est en vente : des familles heureuses et des pilules, de l'argent et des étudiants. Et sur des sites spéciaux appelés stocks de photos, tout cela est acheté et vendu. Et dans ce domaine, Arkurs est devenu un véritable gourou, qui, par son exemple personnel, a montré comment gagner de l'argent, atteindre des sommets et même s'amuser en faisant de la photographie commerciale.
Yuri est né et a grandi au Danemark. Il a commencé à gagner de l'argent sur les stocks de photos pendant ses années d'études afin de payer ses études. À l'époque, le seul modèle qu'il pouvait photographier était sa petite amie. Mais bientôt, le revenu supplémentaire est devenu le principal pour Yuri : après quelques années, en 2008, il a gagné jusqu'à 90 000 $ par mois sur les stocks de photos.
Aujourd'hui, ce type vend son travail à de grandes entreprises : MTV, Sony, Microsoft, Canon, Samsung et Hewlett Packard. Sa journée de tournage coûte 6 000 $. Et toute cette histoire est devenue un véritable conte de fées sur Cendrillon pour les pigistes avec un appareil photo.
Dans quelle mesure est-il réaliste de répéter ce chemin vers le succès ? Qui sait. Nous pouvons seulement affirmer qu'aujourd'hui, Yuri Arkurs est l'un des photographes d'archives les plus réussis.
Irwin Penn aimait photographier, mais n'attachait pas beaucoup d'importance à ce passe-temps. Son travail principal était la conception artistique : Irwin a conçu des couvertures de magazines et a même obtenu un emploi en tant qu'assistant rédacteur artistique pour le magazine populaire Vogue.
Mais la coopération avec d'éminents photographes de cette publication n'a pas fonctionné. Penn était constamment insatisfait de leur travail et ne pouvait pas leur expliquer ce dont il avait besoin. En conséquence, il a agité la main et a pris lui-même l'appareil photo. Et comment l'a-t-il pris : les photos ont eu un tel succès que les autorités l'ont persuadé de se reconvertir en photographe.
Irwin a été le premier à photographier des modèles sur fond blanc ou gris - il n'y avait rien de superflu dans le cadre. Son incroyable souci du détail lui a valu la réputation d'être l'un des meilleurs photographes portraitistes de son temps. Ce qui a permis à Penn de photographier diverses célébrités, dont Al Pacino et Hitchcock, Salvador Dali et Pablo Picasso.
Gursky a hérité son amour pour la photographie de son père : il était photographe publicitaire et a enseigné à son fils toutes les subtilités de son métier. Par conséquent, Andreas n'a pas hésité avec le choix d'une profession : il est diplômé de l'école des photographes professionnels et de l'Académie nationale des arts.
Comprenez bien, je ne parle pas de cela car mon syndrome de modérateur de Wiki s'est encore aggravé. C'est juste qu'Andreas est l'un des rares photographes de notre classement à avoir abordé cette leçon à fond et n'a pas pris de photos par hasard.
Après avoir terminé ses études, Gursky a commencé à parcourir le monde. Expérimentant et acquérant de nouvelles expériences, il a trouvé son propre style, qui est maintenant sa marque de fabrique : Andreas prend des photos énormes, dont les dimensions se mesurent en mètres. En regardant leurs copies miniatures sur un écran d'ordinateur, il est difficile d'évaluer l'effet qu'elles produisent en pleine croissance.
Afin de ne pas photographier Gursky, un panorama d'une ville ou d'un paysage fluvial, de personnes ou d'usines, ses images frappent par leur échelle et la monotonie particulière des détails de la photo.
Ansel Adams a passé la majeure partie de sa vie à photographier la nature dans l'ouest des États-Unis. Il a beaucoup voyagé, photographiant les coins les plus sauvages et les plus inaccessibles des parcs nationaux. Son amour pour la nature ne s'exprimait pas seulement dans la photographie : Ansel prônait activement la préservation et la protection de l'environnement.
Mais ce qu'Adams n'aimait pas, c'était le pictorialisme, populaire dans la première moitié du XXe siècle, une méthode de prise de vue qui permettait de prendre des photographies similaires à la peinture. En revanche, Ansel et un ami ont fondé le groupe f/64, qui professait les principes de la soi-disant "photographie directe": tout filmer honnêtement et de manière réaliste, sans aucun filtre, post-traitement et autres cloches et sifflets.
Le groupe f/64 a été fondé en 1932, au tout début de la carrière d'Ansel. Mais fidèle à ses convictions, il a conservé son amour pour la nature et la photographie documentaire jusqu'à la fin de sa vie.
- Vous avez probablement vu l'économiseur d'écran sur votre bureau, qui représente la crête de Teton et la rivière Snake devant le soleil couchant :
C'est donc Adams qui a été le premier à capturer ce paysage sous cet angle. Son image en noir et blanc a été incluse dans 116 images, qui ont été enregistrées sur la plaque d'or du Voyager - il s'agit d'un message des terriens aux civilisations inconnues, envoyé dans l'espace il y a 40 ans. Maintenant, les extraterrestres penseront que nous n'avons pas d'appareils photo couleur, mais que nous avons de bons photographes.
J'adore la biographie de Sebastian. C'est une évolution naturelle qui arrive à tout idéaliste tout au long de la vie.
Cette histoire a été racontée par Salgada lui-même dans une interview lors de sa visite à Moscou en février 2016. À l'âge de 25 ans, lui et sa femme ont quitté le Brésil pour l'Europe. De là, ils prévoyaient d'aller en Union soviétique et d'entrer à l'Université de l'amitié des peuples afin de construire une société sans inégalités sociales. Mais en 1970, leurs rêves ont été ruinés par un ami de Prague - les Tchèques ont assez goûté au communisme en 1968.
Alors, ce type a dissuadé les époux, expliquant que personne ne construit le communisme en URSS. Le pouvoir n'appartient pas au peuple, et s'il veut se battre pour le bonheur des gens ordinaires, il peut rester et aider les immigrés. Salgadu écouta son ami et resta en France.
Il a suivi une formation d'économiste, mais s'est vite rendu compte que ce n'était pas le sien. Sa femme, Lelia Salgadu, exerçait un métier plus créatif - elle était pianiste... mais a également déçu par son métier et a décidé de devenir architecte. C'est elle qui a acheté leur premier appareil photo pour photographier l'architecture. Dès que Sebastian a regardé le monde à travers le viseur, il s'est immédiatement rendu compte qu'il avait trouvé sa vraie passion. Et après 2 ans, il est devenu photographe professionnel.
Selon Salgadu lui-même, sa formation économique lui a permis d'acquérir des connaissances dans les domaines de l'histoire et de la géographie, de la sociologie et de l'anthropologie. Une immense réserve de connaissances lui a ouvert des opportunités inaccessibles aux autres photographes : une compréhension de la société humaine dans diverses parties de notre planète. Il a voyagé dans plus de 100 pays, prenant une quantité incroyable de photographie documentaire.
Mais ne pensez pas que Sebastian photographiait des plages exotiques et des animaux amusants tout en se relaxant sur des îles tropicales. Ce n'est pas ainsi que se déroulent ses voyages. Au départ, l'idée est née : "Workers", "Terra", "Renaissance" - ce ne sont que quelques-uns des noms de ses albums. Après cela, les préparatifs du voyage et le voyage lui-même commencent, ce qui peut prendre plusieurs années.
Beaucoup de ses œuvres sont consacrées à la souffrance humaine : il a filmé des réfugiés dans les pays africains, victimes de la famine et du génocide. Certains critiques ont même commencé à reprocher à Salgada de présenter la pauvreté et la souffrance comme quelque chose d'esthétique. Sebastian lui-même est sûr que le point est différent : selon lui, il n'a jamais pris de photos de ceux qui ont l'air pitoyable. Ceux qu'il a photographiés étaient dans une situation désespérée, mais ils avaient de la dignité.
Et il serait fondamentalement faux de penser que Salgadu faisait la « promotion » sur le chagrin de quelqu'un d'autre. Au contraire, il a attiré l'attention de l'humanité sur ces troubles que beaucoup n'ont pas remarqués. La situation est révélatrice lorsque, dans les années 1990, Sebastian a terminé l'œuvre « Exodus » : il a filmé des personnes qui ont échappé au génocide. Après le voyage, il a admis qu'il était déçu par les gens et qu'il ne croyait plus que l'humanité était capable de survivre. Il est retourné au Brésil et a pris une pause pendant un certain temps pour récupérer.
Heureusement, cette histoire a une fin heureuse : le vieil idéaliste a retrouvé foi en la beauté et s'occupe maintenant d'un autre projet, photographier les coins intacts de notre planète.
Si vous commencez à taper dans un moteur de recherche , Google affichera une fenêtre déroulante avec l'option "Steve mccurry fille afghane"... C'est assez étrange, car McCurry est trop moustachue pour une fille, même afghane.
En fait, "Afghan Girl" est la photo la plus célèbre de Steve à apparaître sur la couverture de National Geographic. Même un article de Wikipédia sur ce type commence par une histoire à ce sujet :
- "Steve est un photojournaliste américain moustachu qui a photographié une fille afghane."... (Wikipédia)
La plupart des articles sur ce photographe commencent par une phrase similaire - y compris notre histoire à son sujet. On a l'impression qu'il est acteur dans un seul rôle, comme Daniel Radcliffe ou Macaulay Culkin. Mais ce n'est pas le cas.
La carrière de Steve en tant que photographe professionnel a commencé pendant la guerre en Afghanistan. Il n'a pas parcouru le pays dans un Hummer, se cachant derrière le dos des militaires, mais est resté parmi les gens ordinaires : il a obtenu des vêtements locaux, y a cousu des rouleaux de pellicule photographique et a voyagé à travers le pays comme un Afghan ordinaire. Ou en tant qu'espion américain ordinaire déguisé en Afghan - quelqu'un aurait pu envisager cette option. Alors Steve a pris un risque, mais grâce à lui, le monde a vu les premières photographies de ce conflit.
Depuis, McCurry n'a pas changé son approche du travail : il parcourait le monde entier, filmant différentes personnes. Steve a capturé de nombreux conflits militaires et est devenu un véritable maître de la photographie de rue. Bien qu'en fait McCurry soit un photojournaliste, il a réussi à brouiller la frontière entre la photographie documentaire et artistique. Ses photographies sont lumineuses et attrayantes, comme une carte postale, mais en même temps vraies. Ils ne nécessitent aucune explication ni commentaire - tout est clair sans mots. Pour créer de telles photos, vous avez besoin d'un flair rare.
Annie Leibovitz est une véritable spécialiste du portrait de célébrités. Ses photos ont fait la couverture des magazines les plus populaires, provoquant des émotions et des discussions orageuses. Qui d'autre aurait deviné photographier Whoopi Goldberg grimaçant dans un bain de lait ? Ou John Lennon nu, qui dans la position d'un embryon se serre contre Yoko Ono ? Soit dit en passant, c'était la dernière photo de sa vie, prise quelques heures avant le coup fatal de Chapman.
La biographie d'Annie a l'air assez fluide : après des études à l'Art Institute de San Francisco, Leibovitz a obtenu un emploi au magazine Rolling Stone. Elle a travaillé avec lui pendant plus de 10 ans. Pendant ce temps, Annie a acquis la réputation d'être une personne capable de prendre des photos de n'importe quelle célébrité d'une manière intéressante et créative. Et cela suffit amplement pour réussir dans le show business moderne.
Ayant acquis une certaine notoriété, Annie a déménagé à New York, où elle a ouvert son propre studio de photographie. En 1983, elle a commencé à travailler avec le magazine Vanity Fair, qui a sponsorisé ses clichés choquants ultérieurs. Prendre une Demi Moore nue au dernier stade de la grossesse, ou l'enduire d'argile et l'exposer dans le Sting Desert est tout à fait dans l'esprit de Leibovitz. Comment faire faire du vélo à Cate Blanchett ou faire prendre des photos à une oie avec DiCaprio. Pas étonnant que son travail soit populaire !
Qui d'autre peut se vanter d'avoir filmé la reine d'Angleterre, Michael Jackson, Barack Obama et bien d'autres célébrités ? Et, remarquez, n'avez-vous pas photographié comme un paparazzi, caché derrière un buisson, mais organisé une séance photo à part entière? C'est pourquoi Annie Leibovitz est considérée, sinon la meilleure, alors la photographe contemporaine la plus réussie. Bien qu'un peu pop.
1. Henri Cartier-Bresson
Anri a eu une envie d'art de son oncle : il était un artiste et a mis son neveu sur la peinture. Cette pente glissante l'a finalement conduit à une passion pour la photographie. Qu'est-ce qu'Henri a fait qui le rendait différent de centaines et de milliers d'autres photographes ?
Il a saisi une vérité simple : tout doit être fait honnêtement et véritablement. Par conséquent, il a refusé les photos mises en scène, n'a jamais demandé à quelqu'un de jouer une certaine situation. Au lieu de cela, il surveillait de près ce qui se passait autour de lui.
Afin de rester discret pendant le tournage, Henri a scellé les parties métalliques brillantes de l'appareil photo avec du ruban adhésif noir. Il est devenu un véritable "invisible", ce qui lui a permis de capter les sentiments les plus sincères des gens. Et pour cela, il ne suffit pas de ne pas attirer l'attention - vous devez être en mesure de déterminer le moment décisif pour la photo. C'est Henri qui a inventé ce terme, "moment décisif", et a même écrit un livre avec ce titre.
Pour résumer : les photos de Cartier-Bresson se distinguent par un vif réalisme. Pour un tel travail, certaines compétences professionnelles ne suffisent pas. Il est nécessaire de comprendre avec sensibilité la nature d'une personne, de capturer ses émotions et son humeur. Tout cela était inhérent à Henri Cartier-Bresson. Il était honnête dans son travail.
Ne soyez pas snob... Republiez !
L'année de la photographie est considérée comme 1939. Depuis cette époque, la technique photographique et le concept lui-même ont radicalement changé. Quel que soit le moment où la photo a été prise, certains d'entre eux ont laissé une marque indélébile dans l'histoire. Nous présentons à votre attention les photographies les plus connues.
Le photographe de National Geographic, Steve McCurry, a capturé une fille afghane sur sa célèbre photo. En 2002, la fille a été retrouvée et son nom est devenu connu - Sharbat Gula. En 1985, une photographie d'une jeune réfugiée est apparue sur la couverture du National Geographic, après quoi elle a acquis une renommée mondiale et est devenue un symbole de la souffrance des réfugiés à travers le monde.
La photo du légendaire Liverpool Four a été prise le 8 août 1969. La photo a été créée comme couverture pour le dernier 12e album du groupe. Et ce qui est intéressant, il a fallu exactement 6 minutes pour ce plan. Des fans impressionnants ont vu de nombreux signes sur la photo qui ont confirmé la mort de Paul Macartney. À leur avis, sur la photo, il y a un sosie du musicien et Paul lui-même est décédé. La composition photographique elle-même est une présentation symbolique des funérailles. Musicien à gaz fermé, il marche pieds nus et en décalage avec les autres membres. Paul était gaucher et ne pouvait pas tenir une cigarette dans sa main droite. Eh bien, la cigarette elle-même est le signe d'un clou dans le couvercle du cercueil. Mais en réalité, la photographie ne symbolisait qu'une mort. Les Beatles étaient en train de séparer le groupe. 12e album, la dernière collaboration.
La photographie s'intitule Le tourment d'Omaira. Une fille, Omaira Sanchaz, a été piégée dans un mur de béton suite à l'éruption du volcan Nevado del Ruiz (Colombie) en 1895. Pendant 3 jours, les sauveteurs ont tenté de sauver l'enfant. La photo a été prise plusieurs heures avant sa mort.
La photo de John Lennon et Yoko Ono est devenue célèbre pour avoir été prise quelques heures avant le meurtre du musicien. La photo est devenue la couverture du magazine Rolling Stone. L'image appartient à la célèbre photographe américaine Annie Leibovitz, qui travaille avec Rolling Stone depuis 1970.
Mike Wells, Royaume-Uni. avril 1980. District de Karamoja, Ouganda. Garçon affamé et missionnaire.
Le photographe Kevin Carter a reçu le prix Pulitzer pour cette image. La photo s'intitule "Famine au Soudan". Après la publication de la photo dans le New York Times le 26 mars 1993, elle est devenue un symbole de la tragédie de l'Afrique. Probablement tout le monde a une question qu'est-il arrivé à la fille ensuite? Pourquoi ne l'ont-ils pas aidée ? SON sort n'est pas connu. Kevin Carter n'a pas aidé la jeune fille mourante. En 1994, l'auteur de la photo s'est suicidé.
Rhin II par Andreas Gursky. La photo a été prise en 1999. La photographie montre le Rhin entre les barrages sous un ciel nuageux. Un fait intéressant est que la photo a été prise avec Photoshop. Gursky supprimé
une centrale électrique, des installations portuaires et un passant promenant le chien. Lors de la vente aux enchères Christie's à New York, la photo a été vendue 4 338 500 $, il s'agit de la photographie la plus chère de l'histoire.
Albert Einstein la langue tirée. La raison de cet acte du scientifique était son attitude envers les journalistes et les photographes agaçants. La photo a été prise lors de la célébration du 72e anniversaire du scientifique en 1951. La photographie est une sorte de symbole et de marque de fabrique d'Albert Einstein, capable de plaisanter et de se réjouir.
La Suisse. La photo montre les effets de la pluie verglaçante. Si vous ne tenez pas compte de la quantité de destruction que cette pluie a apportée, c'est un phénomène d'une beauté extraordinaire.
Photo légendaire "Déjeuner sur un gratte-ciel". Sur le chantier de construction d'un gratte-ciel, onze ouvriers déjeunent à 200 mètres d'altitude. Aucun d'entre eux n'exprime la moindre inquiétude. Dans les premières publications, le nom du photographe n'était pas indiqué. Mais certains experts affirment que Lewis Hine est l'auteur de l'ouvrage. Son portfolio comprend de nombreuses images de la construction du Rockefeller Center.
Cette photo étonnante a été prise en 1948 sans utiliser Photoshop ou la technologie. Il est de coutume de l'appeler Dali et les chats. Le photographe Phillip Halsman est ami avec Dali depuis 30 ans.
La photographie est la photographie la plus reproduite de l'histoire. Le créateur du chef-d'œuvre est Alberto Corda. La photo avec Che Guevaru est devenue une sorte de marque. L'image du révolutionnaire cubain se retrouve sur toutes sortes d'objets : vêtements, vaisselle, badges, etc.
25 novembre 1963. Funérailles du président John F. Kennedy et anniversaire de son fils. Sur la photo, John F. Kennedy Jr. salue le cercueil de son père.
Dolly le mouton est le premier mammifère cloné avec succès au monde. Dolly est née le 5 juillet 1996 à la suite d'une expérience menée par Ian Wilmouth et Keith Campbell. Sa vie a duré 6,5 ans. En 2003, Dolly a été euthanasiée et son effigie est exposée au Royal Museum of Scotland.
Garçon avec une grenade à la main. Le travail de la photographe Diana Arbus. Sur la photo, le fils du joueur de tennis Sydney Wood, Colin Wood. Dans sa main droite, le garçon tient une grenade jouet. Il semble que l'enfant ait terriblement peur, mais en fait, la photo n'a pas fonctionné pendant longtemps et le garçon a crié de façon hystérique "Enlevez-le!" Un collectionneur inconnu a payé 408 000 $ en 2005 pour la photo.
Un vieil homme et un chien se sont rencontrés après une tornade aux États-Unis en mars 2012.
Un soldat de l'Armée populaire de libération du Soudan lors d'une répétition pour le défilé du jour de l'indépendance. Photo forte.
Voici une liste de 25 photographes incroyablement talentueux dans ce merveilleux genre de portrait. Obtenez l'inspiration et l'amour supplémentaire de l'art de cet article.
Adrien blachut
Des portraits super sensibles et presque tangibles qui touchent à l'art classique. Les photographies d'Adrina Blachut montrent le sens des arts visuels et se distinguent par leur subtile expression artistique. Cet auteur a un excellent portfolio pour commencer notre collection.
Aleksandra
La variété et la polyvalence du travail d'Aleksandra continuent de nous captiver à chaque portrait qu'elle prend. Il y a une lumière sensationnelle et une ambiance particulière dans ses œuvres. Ils peuvent servir d'inspiration et de source de nouvelles idées pour un grand nombre de téléspectateurs. On ne peut rester indifférent aux travaux de ce photographe.
Alex Stoddard
Alex a commencé à réaliser ses autoportraits alors qu'il n'avait pas encore seize ans. Il l'a fait dans les bois derrière sa maison de Géorgie. Le travail du photographe se concentre sur une personne en tant qu'objet et sur le processus de sa fusion avec l'environnement naturel. De plus, il s'efforce de créer des portraits fantaisistes et surréalistes. Sa photographie de portrait est remplie de mysticisme et de drame. Alex Stoddard a des photographies brillantes avec des idées complètement folles. Cet auteur, très jeune, a réussi à atteindre un niveau professionnel en photographie.
Alexandra Sophie
Pour Alexandra Sophie, il ne suffit pas de capturer des instants charmants, ses ambitions ont grandi et sont devenues encore plus fortes et plus grandes. Maniant habilement son modeste appareil photo, elle crée des images qui nous transportent étrangement dans un autre monde. Ils sont beaux, surréalistes et addictifs.
Anastasia Volkova
Anastasia Volkova est l'une des meilleures photographes portraitistes de Russie. Les photos artistiques de cet auteur sont capricieuses et capricieuses, d'ailleurs, chaque photo d'elle est pleine de surprises. Qu'il s'agisse de lumière, d'un modèle ou d'une ambiance, tout cela existe, comme un rêve vivant dans chacune de ses toiles. Les autoportraits d'Anastasia se distinguent par une lumière incidente et une beauté extraordinaire. Ses photographies prennent vie, bien que les objets soient au repos. Anastasia Volkova est une excellente photographe portraitiste russe.
Andrea Hübner
Andrea Huebner est une photographe de portrait étonnante et merveilleuse d'Allemagne. Elle croit que c'est cette direction dans la photographie qui enchante son âme et la fait faire de plus en plus. Dans la photographie de portrait, elle trouve une source inépuisable d'inspiration et d'énergie.
Anka Zhuravleva
Ayant essayé de nombreux métiers différents d'artiste dans un salon de tatouage à la participation à un groupe de rock, Anka Zhuravleva est apparue dans les arts visuels, où elle avait déjà réussi à atteindre des tailles moyennes. Ses peintures sont une interprétation classique de couleurs et de lumière absolument époustouflantes.
Brian Oldham
Inspiré par des œuvres d'art renommées et des contes de fées, Brian Oldham a commencé à photographier à l'âge de 16 ans. Alors qu'il expérimentait les autoportraits et le surréalisme, son amour pour la photographie s'épanouit. Il s'est entraîné tout seul. Brian conserve toujours sa passion pour tout ce qui est beau et quelque chose d'inhabituel est toujours présent dans son travail. Il crée des images surréalistes et conceptuelles qui emmènent les spectateurs dans de nouveaux mondes.
David Talley
David Tull est un photographe autodidacte de 19 ans né et vivant à Los Angeles, en Californie. Son travail consiste en une fusion de concept et de composition surréalistes avec des émotions romantiques, de la souffrance et de l'aventure, s'efforçant de créer de nouvelles impressions d'émotions douloureuses et de beaux objets. Il aime se connecter avec les téléspectateurs, leur montrant que ces émotions sont universelles et que le téléspectateur n'est pas seul, même dans les moments les plus difficiles.
Dmitri Âgeev
On se retrouve face à face avec des portraits et des objets qui semblent étonnamment réels. Ils se tiennent juste devant nous avec une énorme quantité d'émotions et avec leur propre humeur. Le photographe russe Dmitry Ageev gâte le public avec ses portraits exceptionnels, où chaque regard parle de l'art de l'art.
Ekaterina Grigorieva
Le surréalisme et l'ambiance dramatique distinguent les photographies monochromes d'Ekaterina Grigorieva. La composition semble être un facteur clé dans ces images. Ils diffèrent par l'ambiance correcte dans le cadre. Excellent travail qui est captivant.
Hannes Caspar
Portraits sentimentaux, modèles brillants, émotions dans chaque cadre sont caractéristiques des œuvres de Hannes Kaspar. Des compositions uniques à l'intérieur, où l'auteur joue avec la lumière disponible, remplissant de magnifiques peintures dramatiques. Il s'agit d'un art classique dans lequel le toucher des visages des gens se produit à travers des portraits naturels. La vie et l'amour lui-même s'expriment en eux. Vous pouvez sentir ces belles âmes ici et maintenant. C'est une touche personnelle à l'art de la photographie de portrait.
Jan Scholz
Jan Scholz a un portefeuille exceptionnel sur lequel vous pouvez travailler toute votre vie. Ses œuvres portent l'inspiration accumulée tout au long de sa vie. Ils surprennent par les sujets et l'éclairage qu'il a choisi pour la prise de vue. Il est peu probable que dans ses photographies vous trouviez quelque chose qui ne soit pas en harmonie avec le sujet de la photo. Pour son travail, Yang utilise des caméras volumineuses avec des films de différentes tailles.
Kyle Thompson
Kyle Thompson est né le 11 janvier 1992 à Chicago. Il a commencé à photographier à l'âge de dix-neuf ans, lorsqu'il s'est intéressé aux maisons abandonnées à proximité. Son travail se compose principalement d'autoportraits surréalistes et insolites, l'action se déroule souvent dans des forêts profondes et des maisons abandonnées. Kyle n'a pas encore reçu d'éducation spéciale dans le domaine de la photographie.
Madeleine Berny
Ce sont des portraits qui font ressortir l'ambiance et le caractère des sujets à travers un certain éclairage artistique sublime et un équilibre des couleurs. Magdalena Bernie est l'une des meilleures photographes portraitistes contemporaines. Elle crée des images avec des visuels époustouflants. Les enfants ont tendance à se sentir dans leur zone de confort devant son appareil photo, ce qui rend l'image encore plus attrayante pour nos yeux et notre cœur.
Matthieu soudet
Et voici un autre jeune photographe. Il s'appelle Mathieu Soudet et est un talentueux photographe parisien. Il crée des images audacieuses avec un sens fort et empathique de l'art et de la mode. Ses peintures évoquent une humeur particulière dans le public, qui a tendance à se développer.
Michael magin
Michael Magin est originaire d'Allemagne. Il a pris de superbes photographies au fil des ans et son portfolio démontre la recherche constante de nouveaux visages de l'auteur. En général, ses photographies sont de brillants portraits artistiques.
Oleg oprisco
Les portraits émotionnels d'Oprisco sont des peintures qui présentent de manière vivante une classe de maître dans tous les aspects de la photographie. Il utilise le film pour capturer l'essence de ses portraits et apporter de l'émotion à travers l'art. Le photographe transmet le surréalisme et la beauté en tout. Le plaisir visuel particulier de l'art de cet auteur restera longtemps dans nos cœurs.
Patrick Shaw
Les portraits de cet auteur sont remplis d'obscurité et de lumière qui s'équilibrent pour évoquer un sentiment de surprise soudaine et détourner l'attention du visage du sujet. Les photographies de Patrick Shaw contiennent un élément artistique dans chaque aspect.
Rosie Hardy
Sentiment d'espace aérien et d'éléments de la nature, dirigé par une belle fille. Rosie Hardy continue de créer des images, superposant des facteurs fictifs à la beauté pour créer un sens dramatique et évoquer une ambiance qui est la surprise parfaite chaque fois que nous voyons ses autoportraits.
Sarah Ann Loreth
Sarah Ann Loreth ne se contente pas de photographier, elle crée des scènes profondément ancrées dans son âme. Sarah est une excellente photographe d'art basée dans le New Hampshire. Elle se spécialise dans la photographie de portrait et crée des portraits conceptuels distinctifs. Dans son travail, elle essaie de transmettre le silence, le calme, les émotions en combinaison avec l'environnement naturel. Elle explore le gouffre entre les ténèbres et la lumière, sans avoir peur du côté obscur, que beaucoup peuvent trouver inconfortable.
Aujourd'hui, nous allons traiter de l'analyse de photographies prises par des maîtres reconnus de la photographie. 10 grands photographes. 10 photographies célèbres.
Philip Halsman et son Dali Atomicus, 1948
Un artiste brillant doit avoir un portrait brillant. Peut-être Halsman a-t-il été guidé par cela. Peut-être s'est-il inspiré à l'époque de l'œuvre inachevée de Dali Leda Atomica, que l'on voit sur la photo, peut-être a-t-il voulu transférer le surréalisme dans la photographie... Dans tous les cas, il avait besoin d'un studio, de sources supplémentaires de lumière artificielle , plusieurs assistants qui jetaient de l'eau dans des seaux, calmaient les chats entre les prises et maintenaient les chaises en l'air, 6 heures de travail, 28 prises et, bien sûr, Salvador Dali lui-même.
Dali Atomicus, Philip Halsman, 1948
Conseils: N'ayez pas peur de faire un grand nombre de prises - l'une d'entre elles sera certainement un succès.
Irving Penn et sa fille au lit, 1949
Malgré l'apparente simplicité de cette photo, elle est envoûtante. N'est-ce pas? Oui, peut-être, tout le travail de ce brillant photographe peut être décrit par ses propres mots : « Si je regarde un objet pendant un certain temps, alors la vue me fascine. C'est la malédiction du photographe." Et il a su transmettre comme nul autre cette fascination pour le sujet du tournage. La lumière naturelle de la fenêtre, le modèle, la position contemplative de l'auteur - et, dans ce cas, le chef-d'œuvre est prêt.
Fille au lit par Irving Penn, 1949
Conseils:: Pour prendre une belle photo de quelqu'un ou de quelque chose, il faut tomber amoureux du sujet.
Richard Avedon et sa "Judy", 1948
Presque toutes les photos de Richard Avedon montrent des moments lumineux mais fugaces auxquels nous ne prêtons généralement pas beaucoup d'attention. Mais parfois, de tels moments peuvent ouvrir l'âme d'une personne.
Judy de Richard Avedon, 1963
Conseils: Si vous voulez être un bon photographe, essayez-vous dans différents genres - cela vous aidera à trouver votre créneau dans la photographie.
Ansel Adams et ses Titones et la rivière Serpent, 1942
En parlant de grands photographes et de leurs œuvres, on ne peut ignorer le créateur du système d'exposition par zone et le célèbre auteur de livres sur la photographie, Ansel Adams. Jetons un coup d'œil à l'une de ses œuvres : Titones et la rivière Serpent.
En plus de la composition intéressante, vous pouvez voir à quel point Adams utilise habilement son système pour choisir l'exposition idéale pour une prise de vue. Si vous regardez de près, vous pouvez voir chacune des 10 zones du noir absolu au blanc.
Titones et la rivière Serpent, Ansel Easton Adams, 1942
Conseils: Même avec un appareil photo numérique, n'ignorez pas les directives traditionnelles. Vous ne pouvez pas toujours compter sur l'exposition automatique.
Henri Cartier-Bresson
Naturellement, ce billet ne pourrait tout simplement pas être complet sans Henry Cartier-Bresson. Photoreporter légendaire, fondateur de Magnum Photos, a déclaré : « Je n'aime pas organiser et gérer des événements. C'est horrible. Nous ne pouvons pas imiter la vraie vie. J'adore la vérité et ne tire que sur la vérité." On peut penser à l'infini à la photographie de Bresson, mais c'est encore plus gratifiant de lire ses livres Le moment décisif et Réalité imaginaire dans les éditions anglaises.
Conseils: Après avoir attendu le bon moment, ne le manquez pas !
Alfred Eisenstadt et son "Jour de la Victoire à Times Square"
Alfred Eisenstadt est devenu célèbre pour la photo d'un marin embrassant sa petite amie. Une photo prise à un tournant a fait de lui une vraie star. Et peu importe que la photo soit floue. Le photographe a réussi à transmettre l'atmosphère à merveille.
V-J Day à Times Square, Alfred Eisenstaedt, 1945
Conseils: Emportez toujours votre appareil photo avec vous.
Ernst Haas
Ernst Haas est un pionnier de la photographie numérique. Ses citations célèbres :
- La photographie est une expression de vos idées et de vos sentiments. Si le high n'a pas sa place dans votre âme, vous ne le remarquerez jamais dans le monde extérieur.
- La beauté parle d'elle-même. Lorsque le processus atteint son apogée, je prends une photo.
- Je ne prends pas de photos de nouveaux objets intéressants. J'essaie de trouver quelque chose de nouveau dans des choses familières.
- Lorsque la photographie est apparue, un nouveau langage est né. Maintenant, nous pouvons parler de la réalité dans le langage de la réalité.
- Votre type de caméra ne veut rien dire. N'importe quelle caméra peut capturer ce que vous voyez. Mais tu dois voir.
- Il n'y a que vous et votre appareil photo. Toutes les règles et restrictions sont dans votre tête.
- Dis-moi ce que tu vois et je te dirai qui tu es.
Ernst Haas. Île de Kyushu, Japon, 1981
Conseils: la beauté est partout. Trouvez-le et ressentez-le.
Yusuf Karsh et son portrait de Winston Churchill
Yusuf Karsh est un photographe canadien de renom connu pour ses portraits de personnalités politiques de premier plan. L'histoire de cette photo est inhabituelle. Après un discours à la chambre basse du parlement, le Premier ministre britannique est entré dans la salle de réunion et a vu le matériel photographique. Il n'a autorisé qu'une seule photo et a allumé un cigare. On ne sait pas exactement pourquoi le photographe s'est approché de Churchill et a sorti le cigare de sa bouche, mais c'est exactement ce que Karsh a fait. Il retourna à son appareil photo et prit une photo.
La photo démontre toutes les compétences de Yusuf Karsh. Il a réussi à créer une impression de profondeur et d'espace à l'aide de la lumière, d'une posture et d'un geste parfaits. Le résultat est un portrait dramatique et captivant qui montre de manière vivante la force intérieure du Premier ministre britannique.
Portrait de Winston Churchill, Yusuf Karsh, 1941
Conseils: n'ayez pas peur de provoquer vos modèles à se montrer. Vous pouvez voir ce qui est caché à tout le monde.
Guyon Miles
Guyon est devenu un photographe populaire en raison du mélange unique d'« algèbre et d'harmonie » dans ses photographies et de l'effet du moment arrêté. C'est peut-être Mili qui a rendu les dessins légers populaires. Guyon a exercé dans divers domaines, expérimentant constamment. Cependant, une chose est restée la même. Sa capacité à capturer la grâce et le drame du moment.
"Pablo Picasso maîtrisant la peinture légère". Guyon Miles, 1949
Conseils: rappelez-vous que la photographie n'est pas seulement un dessin attrayant. Expérimentez avec la mise au point, l'exposition et la vitesse d'obturation.
Guillaume Smith
Nous avons décidé de mentionner ce photographe de presse à la fin de l'article pour une raison précise. Ses mots devraient devenir le slogan de quiconque veut devenir un bon photographe : « La photographie n'a pas de fin. Dès que j'atteins le plus haut point de maîtrise, un pic encore plus élevé apparaît au loin. Et je suis de nouveau en route."
Dr. Tseriani avec l'enfant blessé par William Smith, 1948
Conseils: ne jamais cesser d'atteindre des objectifs. Ne filmez pas avec votre appareil photo, mais avec votre âme.
Analysez toujours le travail de photographes célèbres du monde avec autant de détails que possible. Imprégnez-vous de leurs expériences et notez les expressions qu'ils utilisent. Un jour, vous remarquerez comment cette connaissance est absorbée dans vos propres photographies et devient la qualité de votre travail.
En général, les évaluations ne sont pas reconnaissantes et très subjectives. En résumant le meilleur des meilleurs dans les listes de notation, nous utilisons toujours une sorte de diapason interne. Nous avons également décidé de faire notre propre liste de classement des 10 plus grands photographes soviétiques, selon le site.
Immédiatement, nous notons que la liste comprendra plusieurs photographes qui ont travaillé bien avant la formation de l'Union des soviétiques, cependant, leur influence sur le développement de la photographie, à la fois soviétique et mondiale, est si grande qu'il était tout simplement impossible de dire à leur sujet . Et pourtant, compte tenu de la subjectivité de cette liste, nous avons essayé d'y refléter les représentants les plus brillants de chaque genre photographique.
La première place de notre classement appartient sans aucun doute à. C'est la plus grande figure de la culture et de l'art. Son influence sur le développement de l'art soviétique ne peut être surestimée. Il s'est concentré sur tous les beaux-arts du jeune pays des Soviétiques - il était sculpteur, artiste, graphiste et photographe. Considéré comme l'un des fondateurs du constructivisme. Rodchenko est une figure universelle et multiforme. Il est devenu une impulsion efficace pour le développement de la photographie et du design. Ses méthodes de construction constructive de la photographie sont utilisées comme des canons.
La deuxième position est occupée par un photographe russe du début du 20e siècle - Georgy Goiningen-Güne. Malgré le fait que Georgy ait passé toute sa vie professionnelle et son travail en France, en Angleterre et aux États-Unis, il est néanmoins d'origine russe. Et dans ce cas, il sert d'exemple de la façon dont les immigrants de Russie ont obtenu la reconnaissance et le succès à l'étranger. George est l'un des plus grands photographes de mode des années 1920 et 1930. En 1925, il devient le principal photographe du Vogue français. En 1935 - American Harper's Bazaar. En 1943, deux de ses livres sont publiés, après quoi toute son attention photographique se concentre sur les célébrités hollywoodiennes.
La contribution de Sergei Prokudin-Gorsky au développement de l'art photographique est grande. Prokudin-Gorsky était chimiste et photographe, et une leçon a aidé à s'améliorer - la seconde. Il est entré dans l'histoire comme le premier expérimentateur qui a proposé la possibilité de créer la photographie couleur en Russie. La méthode utilisée par Prokudin-Gorsky pour acquérir des photographies en couleur n'était pas nouvelle. Il a été proposé en 1855 par James Maxwell, il comprenait la superposition de trois négatifs, où chacun est passé à travers un filtre d'une certaine couleur - rouge, vert et bleu. Ces trois négatifs superposés les uns aux autres, en projection donnent une image en couleur. Aujourd'hui, grâce à Prokudin-Gorsky, nous avons l'opportunité de voir la Russie au début du 20ème siècle en couleur.
Poursuivant notre top dix grands - le photographe de guerre soviétique, auteur de deux des plus grandes photographies emblématiques de la Grande Guerre patriotique - "Le premier jour de la guerre" et "Bannière sur le Reichstag" - Yevgeny Khaldei. En tant que photographe de guerre, Khaldei a traversé toute la Grande Guerre patriotique et ses œuvres les plus importantes ont été réalisées entre 1941 et 1946. Les photographies de Chaldea sont remplies d'un sentiment d'importance historique. Ce n'est un secret pour personne que de nombreuses œuvres du photographe, dont l'œuvre "Banner over the Reichstag", ont été mises en scène. Khaldei croyait que la photographie devait transmettre l'esprit de l'époque et des événements aussi complètement que possible, il n'était donc pas nécessaire de se précipiter. L'auteur a abordé la création de chaque œuvre de manière responsable et approfondie.
Notre liste se poursuit par les classiques du journalisme photographique - Boris Ignatovich. Ignatovich était un ami proche et compagnon d'armes d'Alexander Rodchenko, avec qui, à la fin des années 1920, il a organisé l'association photographique "October" Group. C'était une époque d'efforts et de recherche de nouvelles formes. En règle générale, les créatifs étaient engagés de manière fructueuse dans plusieurs directions à la fois. Ignatovich était donc photographe, photojournaliste, documentariste, journaliste et illustrateur.
Vient ensuite le plus grand portraitiste photographique soviétique -. Nappelbaum est entré dans l'histoire de la photographie en tant que photographe portraitiste de studio sans égal. Nappelbaum - un maître des solutions compositionnelles, a abordé de manière surprenante et originale la composition lumineuse, dans laquelle toute l'attention du spectateur est accumulée sur le sujet. Comme dans le cas de l'atelier où sont passées toutes les célébrités étrangères du XXe siècle, les plus grands représentants du pays des Soviets, jusqu'à Vladimir Ilitch Lénine, sont passés par l'objectif de Nappelbaum. Nappelbaum a connu un succès et une popularité immenses en tant que bon photographe. Il est à noter que c'est lui qui a été invité à photographier le lieu de la mort du grand poète russe - Sergei Yesenin.
Le premier photographe de paysage russe, Vasily Sokornov, continue notre top dix des grands photographes soviétiques. L'un des premiers paysagistes à avoir capturé la beauté de la nature russe, et en premier lieu de la Crimée, avec un appareil photo, était un artiste de formation et un photographe de vocation - Vasily Sokornov. Les œuvres de Sokornov étaient très populaires du vivant du photographe. Outre les œuvres qui ont photographié la nature de Virginie toute sa vie, les œuvres de Sokornov, pour la plupart, sont consacrées à la Crimée. Ils ont été publiés dans des magazines et ont été dispersés dans toute la Russie avec des cartes postales. Aujourd'hui, il est considéré comme le principal chroniqueur de la nature de Crimée des premières décennies du XXe siècle.
Le fondateur de la photographie publicitaire russe, soviétique et sociale - Maxim Dmitriev, occupe la huitième position dans notre classement. La vie et l'œuvre de Dmitriev sont l'histoire d'une ascension incroyable et d'une chute tout aussi incroyable. Originaire de la province de Tambov, élève d'une école paroissiale, au début des années 1900, Dmitriev devenait un photographe de premier plan à Moscou. Le fondateur du studio photo, à travers lequel passent les principaux personnages de l'époque - Ivan Bounine, Fedr Chaliapine, Maxim Gorky. Mais nous aimons et nous nous souvenons de Dmitriev pour ses photographies chroniques de la région de la Volga. Ils concentrent la vie et le mode de vie originaux en Russie, habilement remarqués par le brillant photographe. La chute de Dmitriev était l'arrivée au pouvoir des bolcheviks et la dépossession généralisée des koulaks. Au début des années 30, le studio photo de l'artiste a été sélectionné, ainsi que plus de sept mille magnifiques photographies d'histoire locale.
Dans notre évaluation, nous n'avons pas pu nous empêcher d'écrire sur le seul représentant soviétique dans une agence photographique -. La présence même de Pinkhasov au sein de l'agence parle d'elle-même. Photographe documentaire emblématique, Pinkhasov maîtrise parfaitement le genre de la photographie de rue, l'appareil photo, la composition, la lumière et la couleur.
Pour compléter notre top dix, si je puis dire, se trouve le glamour photographe soviétique Valery Plotnikov. Plotnikov est l'auteur de portraits d'icônes soviétiques du XXe siècle, comme Vladimir Vysotsky, Anastasia Vertinskaya, Sergei Paradzhanov. Pas un seul magazine soviétique n'est sorti sans le travail de l'auteur de Plotnikov.
