Les opéras les plus populaires au monde
Au cours des cinq dernières saisons 2005/06 - 2009/10, plus de 100 000 représentations d'opéra ont eu lieu, 2 156 opéras différents ont été mis en scène, plus de 300 (tous les sept) ont été créés.
Les chefs de file, La Flûte enchantée et La Traviata, ont été joués presque le même nombre de fois.
Dans les cent premiers des opéras les plus populaires, il n'y a que deux œuvres créées par des compositeurs du 20e siècle, "Lady Macbeth" de D.D. Shostakovich et "Turn of the Screw" de B. Britten.
Les 200 opéras les plus populaires comprennent deux œuvres de compositeurs vivants - "Le journal d'Anne Frank" de G. Fried et "Dead Man Walking" de J. Heggie.
Les opéras les plus populaires (joués) au cours des 5 dernières années.
| P/p Non. | Opéra | Compositeur | nombre de représentations |
| 1 | flûte magique | Wolfgang Amadeus Mozart | 451 |
| 2 | La Traviata | Giuseppe Verdi | 447 |
| 3 | Carmen | Georges Bizet | 424 |
| 4 | Bohême | Giacomo Puccini | 420 |
| 5 | Le mariage de Figaro | Wolfgang Amadeus Mozart | 399 |
| 6 | Aspiration | Giacomo Puccini | 379 |
| 7 | don Juan | Wolfgang Amadeus Mozart | 360 |
| 8 | Madame Papillon | Giacomo Puccini | 349 |
| 9 | Barbier de Séville | Giacchino Rossini | 327 |
| 10 | Rigoletto | Giuseppe Verdi | 314 |
| 11 | Toutes les femmes font ça. | Wolfgang Amadeus Mozart | 282 |
| 12 | Boisson d'amour | Gaetano Donizetti | 218 |
| 13 | Aïda | Giuseppe Verdi | 215 |
| 14 | Hansel et Gretel | Engelbert Humperdinck | 212 |
| 15 | Turandot | Giacomo Puccini | 206 |
| 16 | Chauve souris | Johann Strauss | 200 |
| 17 | Nabucco | Giuseppe Verdi | 183 |
| 18 | Eugène Onéguine | Peter Ilitch Tchaïkovski | 175 |
| 19 | Lucia di Lammermoor | Gaetano Donizetti | 170 |
| 20 | Clown | Ruggiero Leoncavallo | 159 |
| 21 | Enlèvement du sérail | Wolfgang Amadeus Mozart | 157 |
| 22 | Joyeuse veuve | Franz Lehar | 149 |
| 23 | Troubadour | Giuseppe Verdi | 147 |
| 24 | Falstaff | Giuseppe Verdi | 144 |
| 25 | Hollandais volant | Richard Wagner | 137 |
*Des statistiques précises sont pertinentes pour l'Europe et l'Amérique du Nord, pour d'autres pays, les chiffres peuvent être approximatifs.
Montserrat Caballe (nom complet : Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) est une chanteuse d'opéra catalane, soprano. Elle est célèbre pour sa technique du bel canto et son interprétation des rôles dans les opéras classiques italiens de Rossini, Belle et Donizetti Montserrat Caballe est née à Barcelone le 12 avril 1933. Elle a étudié pendant 12 ans au Conservatoire Supérieur de Musique du Lycée de Barcelone et a obtenu une médaille d'or en 1954. En 1957, elle a fait ses débuts à l'opéra dans le rôle de Mimi dans La Bohème. De 1960 à 1961, elle chante à l'Opéra de Brême, où elle élargit considérablement son répertoire. En 1962, elle retourne à Barcelone et fait ses débuts dans "Arabella" de Richard Strauss. En 1964, elle épouse Bernab Marty. L'ascension sur la scène internationale est en 1965. à New York au Carnegie Hall, lorsqu'elle est forcée de remplacer la malade Marilyn Horn et de jouer le rôle de Lucrezia Borgia de Donizetti. J'ai eu un rôle pendant moins d'un mois. Sa performance est devenue une sensation dans le monde de l'opéra, le public a applaudi pendant 25 minutes. Le lendemain, le New York Times publiait le titre Callas + Tebaldi = Caballe. La même année, Caballe fait ses débuts sur scène à Glyndebourne dans Le Chevalier de la Rose et peu de temps après au Metropolitan Opera dans le rôle de Margaret dans Faust. Depuis lors, sa renommée ne s'est jamais démentie - les meilleures scènes d'opéra du monde s'ouvrent à elle - New York, Londres, Milan, Berlin, Moscou, Rome, Paris. En septembre 1974, elle subit une intervention chirurgicale majeure pour un cancer de l'estomac. Elle s'est rétablie et est revenue sur scène au début de 1975. Sa 99e représentation et la dernière au Metropolitan Opera qu'elle a passée le 22 janvier 1988 dans le rôle de Mimi dans La Bohème de Puccini, son partenaire était Luciano Pavarotti (Rodolfo). En 1988, avec le chanteur du groupe "Queen" Freddie Mercury, elle a enregistré l'album "Barcelona", dont la chanson principale du même nom est devenue un super-hit du début des années 90 et a pris la première place des charts pop européens. . Ce single est devenu l'hymne des Jeux olympiques d'été de 1992. Après la mort de Freddie Mercury, sa voix résonne sur l'enregistrement, et Montserrat Caballe refuse de chanter cette chanson en duo avec d'autres chanteurs. Jusqu'à récemment, elle menait une vie active et il n'y avait aucun signe de fatigue, tant sur le plan créatif que social. Caballe se consacre au travail caritatif, elle est ambassadrice de bonne volonté pour l'UNESCO et a créé un fonds pour aider les enfants.
Kiri Janette Te Kanawa est une chanteuse d'opéra néo-zélandaise, soprano lyrique. L'un des principaux chanteurs d'opéra de notre temps avec une belle et chaleureuse voix et un très large répertoire de rôles d'opéra dans différentes langues. Kiri Te Kanawa (née Claire Mary Teresa Rostron) le 6 mars 1944 à Gisborne, Nouvelle-Zélande, d'une mère irlandaise et d'un père maori, mais on sait peu de choses sur ses parents. Elle a été adoptée comme un bébé par la famille Te Kanawa, et ses parents adoptifs étaient également maoris et irlandais. Elle a reçu son éducation générale et musicale à Auckland et était déjà une chanteuse populaire dans les clubs néo-zélandais à l'adolescence et à l'adolescence. Dans le même temps, elle a remporté tous les prix de musique importants en Australie et en Nouvelle-Zélande en 1963, elle a terminé deuxième dans la "Mobil (Lexus) Song Quest", la première place a été remportée par une autre célèbre chanteuse d'opéra néo-zélandaise Malvina Major. En 1965, Kiri Te Kanava elle-même avec l'air « Vissi d'arte » de l'opéra de Puccini « Tosca » est devenue la lauréate du même concours. En 1966, elle a remporté le concours australien « Sun-Aria » et en tant que lauréate, elle a reçu une bourse la même année, sans audition, elle entre au Centre for Opera Singing de Londres, les professeurs constatent à la fois son talent et le manque initial de technique vocale. Sadler Wells, suivi immédiatement par des rôles dans Dido et Aeneas de Purcell et le rôle principal dans Anne Boleyn de Donizetti.En 1969, lors d'une audition pour le rôle de la comtesse dans Les Noces de Figaro, le chef d'orchestre Colin Davis a déclaré : « Je n'en croyais pas mes oreilles, j'ai fait mille auditions et c'était une voix d'une beauté fantastique. " ov" et la fille aux fleurs dans "Parsifal" en 1970. Te Kanawa a continué à se préparer soigneusement pour le rôle de la comtesse, dont la première était prévue à Covet Garden en décembre 1971, mais avant cela, il y avait eu une représentation au Santa Fe Opera Festival (Nouveau-Mexique, États-Unis), où elle a essayé le rôle, avec elle au même festival, une chanteuse des États-Unis, Frederica von Stade, a joué, plus tard la presse a noté leur performance : "... il y avait deux nouveaux venus qui ont ébloui le public... chacun s'est immédiatement rendu compte que ces étaient deux trouvailles et l'histoire a confirmé leur performance." Les deux chanteurs sont devenus amis pendant des années. Le 1er décembre 1971, Kiri Te Kanawa a répété sa performance à Santa Fe à Covent Garden et a créé une sensation internationale. Ce jour-là, elle a reçu le statut de star incontestée de l'opéra et est devenue l'une des sopranos les plus célèbres au monde, se produisant dans les plus grands opéras du monde - Covent Garden, Metropolitan Opera (début 1974), Opéra de Paris (1975), Sydney Opera House (1978), Vienna State Opera (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavarian et bien d'autres. Ses héroïnes comprennent un vaste répertoire pour soprano, parmi lesquelles - trois rôles principaux de Richard Strauss - Arabella d'Arabella, Marshalsha, la princesse Maria Teresa von Werdenberg du Chevalier des roses et la comtesse de Capriccio; Fjordiligi de Mozart de "All Women Do", Donna Elvira de "Don Giovanni", Pamina de "La Flûte enchantée", et bien sûr, la comtesse Almaviva de "Les Noces de Figaro" ; Violetta de Verdi de Triaviatta, Amelia Boccanegra de Simon Boccanegra, Desdemona d'Ottelo; de Puccini - Tosca, Mimi et Manon Lescaut ; Carmen Bizet, Tatiana Tchaïkovski, Rosalind Johann Strauss et bien d'autres. Sur la scène de concert, sa beauté et sa clarté vocales se sont combinées avec les plus grands orchestres symphoniques du monde de Londres, Chicago, Los Angeles sous la baguette de chefs tels que Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Dutoit, Georg Solti et d'autres. Elle est devenue une participante régulière aux festivals d'opéra internationaux de Glidebourne, Salzbourg, Vérone. Au cours de sa longue carrière créative, Kiri Te Kanawa a sorti environ quatre-vingts disques de répertoire d'opéra et de musique de concert - airs de concert de Mozart, Quatre dernières chansons de Strauss, Requiem allemand de Brahms, Messiah Handel et autres, ainsi que des albums de musique populaire et des chants du peuple maori comme un hommage à votre peuple. Certains de ses disques ont remporté un Grammy Award. Le dernier album "Kiri Sings Karl" est sorti en 2006. Il y a eu deux événements importants dans sa carrière, qu'il est presque impossible pour un chanteur d'opéra de répéter. En 1981, elle est la soliste du mariage du prince Charles et de la princesse Diana à la cathédrale Saint-Paul de Londres. La retransmission télévisée en direct de l'événement a attiré plus de 600 millions de téléspectateurs. Le deuxième record - en 1990, elle a donné un concert ouvert à Auckland, 140 000 spectateurs sont venus à sa performance en solo. Désormais, ses activités hors scène sont associées à la fondation qu'elle a créée pour le soutien et l'aide financière aux jeunes chanteurs et musiciens. Kiri Te Kanawa a reçu de nombreux prix et récompenses pour ses services dans le développement de l'art, dont les plus élevés sont la Dame Commander of the Order of the British Empire (1982), Companion to the Order of Australia (1990) et le Ordre de la Nouvelle-Zélande (1995). Elle a également reçu des diplômes honorifiques de Cambridge, Oxford, Chicago, Nottingham et d'autres universités. Ces dernières années, les représentations de Kiri Te Kanawa sur les scènes d'opéra et les salles de concert sont devenues rares, mais elle n'a pas encore annoncé sa retraite, même si on pensait que sa dernière représentation aurait lieu en avril 2010, mais elle continue de se produire.
Angela Gheorghiu (roumaine Angela Gheorghiu) est une chanteuse d'opéra roumaine, soprano. L'un des chanteurs d'opéra les plus célèbres de notre époque. Angela Gheorghiu (Burlacu) est née le 7 septembre 1965 dans la petite ville d'Adjud, en Roumanie. Dès sa plus tendre enfance il était évident qu'elle deviendrait chanteuse, son destin était la musique. Elle a étudié à l'École de musique de Bucarest et est diplômée de l'Université nationale de musique de Bucarest. Ses débuts professionnels à l'opéra ont eu lieu en 1990 dans le rôle de Mimi dans La Bohème de Puccini à Cluj, la même année, elle a remporté le Concours international de chant Hans Gabor Belvedere à Vienne. Le nom de famille Georgiou est resté avec elle de son premier mari. Les débuts internationaux d'Angela Georgiu ont eu lieu en 1992 au Royal Opera House, Covent Garden à La Bohème. La même année, elle fait ses débuts au Metropolitan Opera de New York et au Vienna State Opera. En 1994, au Royal Opera House de Covent Garden, elle a chanté pour la première fois le rôle de Violetta dans La Traviata, à ce moment-là a eu lieu la "naissance d'une étoile", Angela Georgiu a commencé à connaître un succès constant dans les maisons d'opéra et salles de concert dans le monde : à New York, Londres, Paris, Salzbourg, Berlin, Tokyo, Rome, Séoul, Venise, Athènes, Monte Carlo, Chicago, Philadelphie, Sao Paulo, Los Angeles, Lisbonne, Valence, Palerme, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zurich, Vienne, Salzbourg, Madrid, Barcelone, Prague, Montréal, Moscou, Taipei, San Juan, Ljubljana. En 1994, elle rencontre le ténor Roberto Alagna, qu'elle épouse en 1996. La cérémonie de mariage a eu lieu au Metropolitan Opera de New York. Pendant longtemps, le couple Alanya-Georgiu était l'union familiale créative la plus marquante sur la scène de l'opéra, maintenant ils sont divorcés. Son premier contrat exclusif avec une maison de disques a été signé en 1995 avec Decca, après quoi elle a sorti plusieurs albums par an, maintenant elle compte environ 50 albums, à la fois des opéras mis en scène et des concerts en solo. Tous ses CD ont reçu de bonnes critiques de la critique et ont reçu de nombreux prix internationaux, notamment des prix du magazine Gramophone, le prix German Echo, le Diapason d'Or français et le Choc du Monde de la Musique, et bien d'autres. À deux reprises en 2001 et 2010, elle a été nommée « Meilleure chanteuse de l'année » par les « Classical BRIT Awards » britanniques. L'éventail des rôles d'Angela Gheorghiu est très large, notamment ses opéras préférés de Verdi et Puccini. Le répertoire italien, peut-être en raison de la relative similitude des langues roumaine et italienne, elle le fait bien, certains critiques notent que les opéras français, allemands, russes et anglais sont joués plus faiblement. Les rôles les plus importants d'Angela Gheorghiu : Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Chilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Don Lucrezia Borgia boit Adina Gounod "Faust" - Margarita Gounod "Roméo et Juliette" - Juliette Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Swallow" - Magda Puccini "Bohemia" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonor Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu continue de se produire activement et est au sommet de l'opéra Olympus. Les engagements futurs incluent divers concerts en Europe, en Amérique et en Asie, Tosca et Faust au Royal Opera House, Covent Garden.
Natalie Dessay (née Nathalie Dessaix) est une chanteuse d'opéra française, soprano colorature. L'une des principales chanteuses de notre époque, au début de sa carrière elle était connue pour sa voix très haute et transparente, maintenant elle chante dans un registre grave. Aimé par le public pour son excellente performance dramatique et son sens de l'humour vif. Natalie Dessay est née le 19 avril 1965 à Lyon, a grandi à Bordeaux. Alors qu'elle était encore à l'école, elle a supprimé la lettre "h" de son nom, en l'honneur de l'actrice Natalie Wood, et a ensuite simplifié l'orthographe du fimilia. Dans sa jeunesse, Dessay rêvait de devenir ballerine ou comédienne et a pris des cours de théâtre, mais une fois, jouant avec des camarades dans une pièce méconnue du XVIIIe siècle, elle a dû chanter, elle a chanté l'air de Pamina de La Flûte enchantée, tout le monde était étonné, on lui a conseillé de porter son attention sur la musique. Natalie entre au Conservatoire d'Etat de Bordeaux, effectue cinq années d'études en un an seulement et obtient son diplôme avec mention en 1985. Après le conservatoire, elle travaille avec l'Orchestre National de Toulouse Capitole. En 1989, elle remporte la deuxième place du concours Voix Nouvelles organisé par France-Télécom, ce qui lui permet d'étudier un an à l'École d'art lyrique de l'Opéra de Paris et de jouer le rôle d'Eliza dans Le Berger du Tsar de Mozart. Au printemps 1992, elle a chanté une courte partie d'Olympia des "Contes d'Hoffmann" d'Offenbach à l'Opéra Bastille, son partenaire était Jose van Dam, la production a déçu les critiques et le public, mais la jeune chanteuse a reçu une ovation debout et a été remarquée . Ce rôle deviendra pour elle une référence, jusqu'en 2001 elle incarnera l'Olympia dans huit productions différentes, dont lors de ses débuts à la Scala. En 1993, Natalie Dessay a remporté le Concours international Mozart de l'Opéra de Vienne et est restée pour étudier et se produire à l'Opéra de Vienne. Ici, elle a chanté le rôle de Blonda de "L'enlèvement du sérail" de Mozart, qui est devenu un autre rôle le plus célèbre et le plus souvent joué. En décembre 1993, Natalie se voit proposer de remplacer Cheryl Studer dans le rôle bien connu d'Olympia à l'Opéra de Vienne. Sa performance a reçu la reconnaissance du public de Vienne et les éloges de Placido Domingo, la même année, elle a interprété ce rôle à l'Opéra de Lyon. La carrière internationale de Natalie Dessay a commencé avec des représentations à l'Opéra de Vienne. Dans les années 1990, sa reconnaissance ne cesse de croître et son répertoire de rôles ne cesse de s'élargir, les offres sont nombreuses, elle se produit dans tous les plus grands opéras du monde - Metropolitan Opera, La Scala, Bavarian Opera, Covent Garden, Vienna Opera et d'autres. Un trait distinctif de l'actrice Dessay est qu'elle pense qu'une chanteuse d'opéra doit être composée à 70 % de théâtre et à 30 % de musique et s'efforcer non seulement de chanter ses rôles, mais aussi de les jouer de façon dramatique, de sorte que chacun de ses personnages est une nouvelle découverte, jamais comme les autres. Au cours de la saison 2001/2002, Dessay a commencé à éprouver des difficultés vocales et a dû annuler ses performances et ses récitals. Elle quitte la scène et en juillet 2002 subit une intervention chirurgicale pour enlever des polypes sur ses cordes vocales, en février 2003, elle revient avec un concert solo à Paris et poursuit activement sa carrière. Lors de la saison 2004/2005, Natalie Dessay a dû subir une deuxième opération. Une nouvelle apparition publique a eu lieu en mai 2005 à Montréal. Le retour de Natalie Dessay s'accompagne d'une réorientation de son répertoire lyrique. Elle renonce aux rôles "légers", sans profondeur (comme Gilda dans "Rigoletto") ou de rôles qu'elle ne veut plus jouer (Queen of the Night ou Olympia) au profit de personnages plus "tragiques". Cette position a d'abord entraîné de graves désaccords avec certains directeurs et collègues. Aujourd'hui, Natalie Dessay est au sommet de sa carrière et est la soprano phare de notre époque. Vit et se produit principalement aux États-Unis, mais tourne constamment en Europe. Les fans russes ont pu la voir à Saint-Pétersbourg en 2010 et à Moscou en 2011. Début 2011, elle chante (pour la première fois) le rôle de Cléopâtre dans Julia Caesar de Haendel à l'Opéra Garnier, revient au Metropolitan Opera avec son traditionnel " Lucia di Lammermoor ", puis revient à nouveau en Europe avec une version concert de " Pelléas et Melisande " à Paris et à Londres et un concert à Moscou. Dans l'immédiat, la chanteuse compte de nombreux projets : La Traviata à Vienne en 2011 et au Metropolitan Opera en 2012, Cléopâtre en Julia Caesar au Metropolitan Opera en 2013, Manon à l'Opéra de Paris et La Scala en 2012, Marie ("La Fille de le Régiment") à Paris en 2013, et Elvira au Metropolitan en 2014. Natalie Dessay est mariée au baryton-basse Laurent Nauri et ils ont deux enfants. Sur la scène de l'opéra, on peut rarement les voir ensemble, contrairement au couple vedette Alanya-Georgiu, le fait est qu'il y a beaucoup moins de répertoire pour le baryton-soprano que pour le ténor-soprano. Pour le bien de son mari, Dessay a adopté sa religion - le judaïsme.
Irina Konstantinovna Arkhipova - chanteuse d'opéra soviétique et russe, mezzo-soprano, soliste du Théâtre Bolchoï (1956-1988), Artiste du peuple de l'URSS (1966), Chevalier de l'Ordre de Lénine (1971, 1976, 1985), Prix Lénine lauréat (1978), Héros du travail socialiste (1984), lauréat du Prix d'État de Russie (1996). Irina Konstantinovna Arkhipova est née le 2 janvier 1925 à Moscou. Déjà à l'âge de huit ans, elle est entrée à l'école centrale de musique du conservatoire de Moscou, mais en raison d'une maladie soudaine, elle n'a pas pu y étudier. Plus tard, Irina est entrée à l'école Gnessin. Pendant la Grande Guerre patriotique, elle a été évacuée avec sa famille vers Tachkent, où elle est entrée à l'Institut d'architecture de Moscou, qui y a également été évacué. Après l'obtention du diplôme, travail sur la conception et la construction d'un certain nombre d'installations dans la capitale, y compris un nouveau complexe de bâtiments à l'Université d'État de Moscou sur Vorobyovy Gory, cours de chant parallèles avec N.M. Malysheva, puis a étudié au Conservatoire de Moscou dans la classe de chant de L.F. Savransky. En 1953, elle sort diplômée du conservatoire. En 1954-1956, elle était soliste du Théâtre d'opéra et de ballet de Sverdlovsk. En 1956-1988, elle était soliste du Théâtre Bolchoï. L'interprétation du rôle de Carmen dans l'opéra du même nom de Georges Bizet a reçu une reconnaissance mondiale. Elle se caractérisait par une profonde divulgation intérieure de l'image et la réflexion de l'interprétation. Elle avait le don de la transformation scénique. Depuis 1955, il est en tournée à l'étranger (Autriche, Pologne, Allemagne de l'Est, Finlande, Italie, Hongrie, Roumanie, Tchécoslovaquie, Bulgarie, USA, Japon, France, Canada). En 1967 et 1971, elle chante au Teatro alla Scala (le rôle de Martha et celui de Marina Mnishek). Depuis 1975, il enseigne au Conservatoire de Moscou, depuis 1984 - professeur. Dans les années 1980, elle a donné une série de concerts "Anthologie de la romance russe". En 1966, elle est invitée au jury du Concours Tchaïkovski et depuis 1967, elle est présidente permanente du jury du Concours Glinka. Depuis cette date, elle a été membre du jury de nombreux concours prestigieux dans le monde, dont la "voix Verdi" et le nom de Mario del Monaco en Italie, le concours Reine Elizabeth en Belgique, le concours Maria Callas en Grèce, le concours Francisco Concours de Vinyas en Espagne, concours de chant à Paris, concours de chant à Munich. Depuis 1974 (à l'exception de 1994), elle était présidente permanente du jury du Concours Tchaïkovski dans la section "chant solo". En 1997, à l'invitation du président azerbaïdjanais Heydar Aliyev et de la ministre de la Culture d'Azerbaïdjan Pallada Bul-Bul Ogly, Irina Arkhipova a présidé le jury du Concours Bul-Bul, organisé à l'occasion du 100e anniversaire de sa naissance. Depuis 1986, IK Arkhipova est le président de la All-Union Musical Society, transformée fin 1990 en Union internationale des figures musicales. Depuis 1983 - Président de la Fondation Irina Arkhipova. Docteur honoris causa de l'Académie nationale de musique du nom de la République musicale de Moldavie (1998), président de la Société d'amitié Russie-Ouzbékistan. Elle était députée du Soviet suprême de l'URSS de la 6e convocation. Député du peuple de l'URSS (1989-1991). Auteur des livres : "Mes Muses" (1992), "Music of Life" (1997), "A Brand Named" I "" (2005). Le mari de la chanteuse est l'artiste du peuple de l'URSS Vladislav Piavko. Le fils est Andrey. Arrière-petite-fille - Irina. Le 19 janvier 2010, Irina Konstantinovna Arkhipova a été hospitalisée pour une pathologie cardiaque à l'hôpital clinique de Botkin City. Le chanteur est décédé le 11 février 2010. Elle a été enterrée le 13 février 2010 au cimetière de Novodievitchi à Moscou.
Maria Nikolaevna Kuznetsova est une chanteuse d'opéra (soprano) et danseuse russe, l'une des chanteuses les plus célèbres de la Russie pré-révolutionnaire. Soliste principal du Théâtre Mariinsky, participant des Saisons russes de Sergueï Diaghilev. Elle a travaillé avec N.A. Rimsky-Korsakov, Richard Strauss, Jules Massenet, a chanté en tandem avec Fiodor Chaliapine et Leonid Sobinov. Après avoir quitté la Russie après 1917, elle a continué à se produire avec succès à l'étranger. Maria Nikolaevna Kuznetsova est née en 1880 à Odessa. Maria a grandi dans une atmosphère créative et intellectuelle, son père Nikolai Kuznetsov était un artiste et sa mère venait de la famille Mechnikov, les oncles de Maria étaient le biologiste lauréat du prix Nobel Ilya Mechnikov et le sociologue Lev Mechnikov. Piotr Ilitch Tchaïkovski a visité la maison des Kuznetsov, qui a attiré l'attention sur le talent de la future chanteuse et lui a composé des chansons pour enfants, car depuis son enfance, Maria rêvait de devenir actrice. Ses parents l'ont envoyée dans un gymnase en Suisse, de retour en Russie, elle a étudié le ballet à Saint-Pétersbourg, mais a abandonné la danse et a commencé à étudier le chant avec le professeur italien Marty, puis avec le baryton et son partenaire de scène I.V. Tartakov. Tout le monde a noté sa soprano lyrique propre et magnifique, le talent remarquable de l'actrice et de la beauté féminine. Igor Fedorovich Stravinsky l'a décrite comme "... une soprano dramatique qui pouvait être vue et écoutée avec le même appétit". En 1904, Maria Kuznetsova fait ses débuts sur la scène du Conservatoire de Saint-Pétersbourg dans le rôle de Tatiana dans Eugène Onéguine de PI Tchaïkovski, sur la scène du Théâtre Mariinsky en 1905 dans le rôle de Margarita dans Faust de Ch. Gounod. Soliste du Théâtre Mariinsky, avec une courte pause, Kuznetsova est restée jusqu'à la révolution de 1917. En 1905, deux disques de gramophone avec un enregistrement de ses performances sont sortis à Saint-Pétersbourg, et au total, au cours de sa carrière créative, elle a enregistré 36 disques. Une fois, en 1905, peu de temps après les débuts de Kuznetsova au Mariinsky, lors de sa représentation au théâtre, une querelle éclata entre étudiants et officiers, la situation dans le pays était révolutionnaire et la panique éclata dans le théâtre. Maria Kuznetsova a interrompu l'air d'Elsa de "Lohengrin" de R. Wagner et a chanté calmement l'hymne russe "God Save the Tsar". Le premier mari de Maria Kuznetsova était Albert Albertovich Benois, de la célèbre dynastie des architectes, artistes, historiens russes Benois. Au sommet de sa carrière, Maria était connue sous le double nom de famille Kuznetsov-Benoit. Dans le deuxième mariage, Maria Kuznetsova était mariée au fabricant Bogdanov, dans le troisième, au banquier et industriel Alfred Massenet, le neveu du célèbre compositeur Jules Massenet. Tout au long de sa carrière, Kuznetsova-Benoit a participé à de nombreuses premières d'opéras européens, dont le rôle de Fevronia dans La Légende de la ville invisible de Kitezh et la jeune fille Fevronia de N. Rimsky-Korsakov et Cléopâtre de l'opéra du même nom de J Massenet, que le compositeur a écrit spécialement pour elle. Et aussi sur la scène russe elle a présenté pour la première fois les rôles de Vogdolina dans "L'Or du Rhin" de R. Wagner, Cio-Cio-san dans "Madame Butterfly" de G. Puccini et bien d'autres. A fait des tournées avec la Mariinsky Opera Company dans des villes de Russie, de France, de Grande-Bretagne, d'Allemagne, d'Italie, des États-Unis et d'autres pays. Parmi ses meilleurs rôles : Antonida ("Une vie pour le tsar" de M. Glinka), Lyudmila ("Ruslan et Lyudmila" de M. Glinka), Olga ("Rusalka" de A. Dargomyzhsky), Masha ("Dubrovsky" de E. Napravnik), Oksana ("Cherevichki" de P. Tchaikovsky), Tatiana ("Eugene Onegin" de P. Tchaikovsky), Kupava ("The Snow Maiden" de N. Rimsky-Korsakov), Juliet ("Roméo et Juliette" de C. Gounod), Carmen ("Carmen" Bizet), Manon Lescaut (Manon de J. Massenet), Violetta (La Traviata de G. Verdi), Elsa (Lohengrin de R. Wagner)... En 1914, Kuznetsova provisoirement a quitté le Théâtre Mariinsky et avec le ballet russe "Sergei Diaghilev a joué à Paris et à Londres en tant que ballerine, et a également partiellement parrainé leur performance. Elle a dansé dans le ballet "La Légende de Joseph" de Richard Strauss, le ballet a été préparé par les stars de son temps - compositeur et chef d'orchestre Richard Strauss, réalisateur Sergei Diaghilev, chorégraphe Mikhail Fokin, costumes et décors Lev Bakst, danseur principal Leonid Myasin . C'était un rôle important et une bonne compagnie, mais dès le début, la production s'est heurtée à quelques difficultés: il n'y avait pas beaucoup de temps pour les répétitions, Strauss était de mauvaise humeur, car les ballerines invitées Ida Rubinstein et Lydia Sokolova ont refusé de participer, et Strauss n'aimait pas non plus travailler avec des musiciens français et se disputait constamment avec l'orchestre, et Diaghilev s'inquiétait toujours du départ du danseur Vaslav Nijinsky de la troupe. Malgré les problèmes dans les coulisses, le ballet a fait ses débuts avec succès à Londres et à Paris. En plus de s'essayer au ballet, Kuznetsova a fait plusieurs représentations d'opéra, notamment dans la production de Borodine du prince Igor à Londres. Après la révolution de 1918, Maria Kuznetsova a quitté la Russie, comme il sied à une actrice, elle l'a fait de façon spectaculaire - dans les vêtements d'un garçon de cabine, elle s'est cachée sur le pont inférieur d'un navire naviguant vers la Suède. Elle devient chanteuse d'opéra à l'Opéra de Stockholm, puis à Copenhague, puis au Royal Opera House, Covent Garden, Londres. Pendant tout ce temps, elle vient constamment à Paris et, en 1921, s'installe finalement à Paris, qui devient sa deuxième maison de création. Dans les années 1920, Kuznetsova a organisé des concerts privés où elle a chanté des chansons, des romances et des opéras russes, français, espagnols et tziganes. Lors de ces concerts, elle a souvent dansé des danses folkloriques espagnoles et du flamenco. Certains de ses concerts étaient charitables pour aider l'émigration russe dans le besoin. Elle devint la vedette de l'opéra parisien, et c'était un grand honneur d'être reçue dans son salon. La "fleur de la société", ministres et industriels se pressaient devant elle. En plus de concerts privés, elle a souvent travaillé comme soliste dans de nombreux opéras en Europe, dont Covent Garden et l'Opéra de Paris et l'Opéra Comic. En 1927, Maria Kuznetsova avec le prince Alexei Tsereteli et le baryton Mikhail Karakash a organisé une compagnie privée « Opéra russe » à Paris, où ils ont invité de nombreux chanteurs d'opéra russes qui avaient quitté la Russie. L'opéra russe a mis en scène Sadko, Le conte du tsar Saltan, La légende de la ville invisible de Kitezh et la jeune fille Fevronia, la Foire de Sorochinskaya et d'autres opéras et ballets de compositeurs russes et joué à Londres, Paris, Barcelone, Madrid, Milan et dans la lointaine Buenos Aires. L'opéra russe a duré jusqu'en 1933, après quoi Maria Kuznetsova a commencé à donner moins de représentations. Maria Kuznetsova est décédée le 25 avril 1966 à Paris, en France.
Annette Dasch est une chanteuse d'opéra allemande, soprano. L'un des principaux chanteurs d'opéra allemands contemporains. Annette Dash est née le 24 mars 1976 à Berlin. Les parents, le père, le juge et la mère d'Annette ont étudié la médecine, aimé la musique et inculqué cet amour à leurs quatre enfants. A la maison, traditionnellement, tous les membres de la famille jouaient de la musique et chantaient ensemble, en grandissant, tous les enfants sont devenus des musiciens professionnels : la fille aînée - pianiste de concert, les frères cadets - un - chanteur, baryton-basse, membre du groupe classique quintette pop "Adoro", le deuxième - un professeur de musique ... Depuis l'enfance, Annette a joué dans l'ensemble vocal de l'école et rêvait de devenir chanteuse de rock. Elle était également une scoute active et aime toujours la randonnée et le tourisme. En 1996, Annette a déménagé à Munich pour étudier le chant à l'École supérieure de musique et de théâtre de Munich. En 1998/99, elle a également suivi des cours de musique et d'art dramatique à l'Université de musique et de théâtre de Graz (Autriche). Le succès international est venu en 2000 lorsqu'elle a remporté trois grands concours internationaux de chant - le Concours Maria Callas à Barcelone, le Concours de Chanson Schumann à Zwickau et le Concours de Genève. Depuis lors, elle s'est produite dans les meilleurs opéras d'Allemagne et du monde - aux Opéras d'État de Bavière, de Berlin, de Dresde, à l'Opéra de Paris et aux Champs Elysées, La Scala, Covent Garden, l'Opéra de Tokyo, le Metropolitan Opera et beaucoup d'autres. En 2006, 2007, 2008, elle se produit au Festival de Salzbourg, en 2010, 2011 au Festival Wagner de Bayorot. L'éventail des rôles d'Annette Dash est assez large, y compris les rôles d'Armida ("Armida", Haydn) Gretel ("Hansel et Gretel", Humperdinck), Girls-Goose ("Royal Children", Humperdinck), Fjordiligi ("Everybody fait ça" , Mozart), Elvira (Don Giovanni, Mozart), Electra (Idomeneo, Mozart), Countess (Les Noces de Figaro, Mozart), Pamina (La Flûte enchantée, Mozart), Antonia (Les Contes d'Hoffmann, Offenbach), Liu (Turandot, Puccini), Rosalinda (La Chauve-Souris, Strauss), Freya (L'Or du Rhin, Wagner), Elsa (Lohengrin, Wagner)… Annette Dash n'est pas seulement chanteuse d'opéra, elle chante aussi des oratorios et donne des concerts. Son répertoire comprend des chansons de Beethoven, Britten, Haydn, Gluck, Haendel, Schumann, Mahler, Mendelssohn et d'autres. La chanteuse a tenu ses derniers concerts dans toutes les grandes villes européennes (par exemple, à Berlin, Barcelone, Vienne, Paris, Londres, Parme, Florence, Amsterdam, Bruxelles), joué aux festivals Schubertiada à Schwarzenberg, festivals de musique ancienne à Innsbruck et Nantes, et d'autres festivals prestigieux. Depuis 2008, Annette Dash dirige sa très populaire émission musicale de divertissement télévisé "Dash-Salon", dont le nom en allemand correspond au mot "blanchisserie" (Waschsalon). Pour la saison 2011/2012, Annette Dash démarre par une tournée européenne en solo, ses engagements lyriques à venir incluent le rôle d'Elvira de Don Giovanni au printemps 2012 au Metropolitan Opera, puis le rôle de Madame Pompadour à Vienne, une tournée avec l'Opéra de Vienne au Japon avec un rôle dans The Merry Widow », également une autre représentation au Festival de Bayorot.
Renata Tebaldi est une chanteuse d'opéra italienne, soprano lyrique. L'un des chanteurs les plus appréciés et les plus populaires de l'après-guerre. Elle a interprété tous ses rôles exclusivement en italien. Souvent, les amateurs d'opéra sont comparés à leur rival et opposé - Maria Callas. Renata Ersila Clotilde Tebaldi est née le 1er février 1922 à Pesaro, en Italie, dans la famille du violoncelliste Theobaldo Tebaldi et Giusepina Barbieri. Peu de temps après la naissance de leur fille, les parents ont divorcé et Renata et sa mère ont déménagé dans sa ville natale de Langirano, dans la province de Parme. Giusepina Barbieri, la mère de Renata, était une chanteuse douée avec une belle voix et rêvait d'une carrière de chanteuse, cependant, ses rêves ne se sont pas réalisés et elle est finalement devenue infirmière. À l'âge de trois ans, Renata est tombée gravement malade de la polio, il a fallu cinq ans pour guérir, vu le niveau des capacités médicales, c'était presque un miracle. À l'âge de huit ans, sa mère encourage Renata à étudier la musique, puis elle chante dans la chorale de l'église et à treize ans, elle entre au Conservatoire de Parme en piano. Renata travaillait avec une diligence sans bornes, jouait de la musique cinq heures par jour et, comme toute sa famille, rêvait d'une carrière de pianiste. Cependant, au fil du temps, elle s'est rendu compte qu'elle penchait davantage vers la voix. Elle chantait tout ce qu'elle entendait, la principale source d'inspiration était la radio. Elle a commencé à prendre des cours de chant, pendant trois ans Renata Tebaldi a étudié avec le maestro Ettore Campogalliani. Une fois, pendant les vacances de Noël, elle séjournait à Pesaro avec son oncle Valentino, le frère de son père. Il était propriétaire d'un petit café où la célèbre diva de l'opéra Carmen Melis achetait des pâtisseries, qui à cette époque quittait la scène et était professeur au Conservatoire Gioachino Rossini de Pesaro. Valentino a parlé à Melis de sa nièce et la diva a accepté d'auditionner pour le jeune chanteur. Le lendemain et pour le reste des vacances, Tebaldi étudia avec Melis, et quand elle retourna à Parme, l'amélioration était si spectaculaire que personne ne croyait que c'était la même voix. Après cela, Renata Tebaldi a décidé de déménager à Pesaro, où elle a commencé à vivre dans la famille de son père et est entrée au conservatoire. Carmen Melis est devenue l'enseignante principale de Tebaldi, elle lui a enseigné à la fois au conservatoire et en privé. Melis a organisé une bourse pour elle et lui a donné son premier concert public. Sur la scène de l'opéra, Renata Tebaldi fait ses débuts en 1944, dans le rôle d'Elena dans l'opéra "Mephistopheles" d'Arrigo Boito, dans la ville de Rovigo, suivi de plusieurs représentations à Parme et Trieste. A Parme, Tebaldi a interprété le rôle de Mimi dans La Bohème de Giacomo Puccini, puis elle l'a interprété des dizaines de fois pendant plusieurs décennies. La Seconde Guerre mondiale continuait et la vie de l'opéra était en déclin, de nombreux théâtres étaient fermés et il y avait peu de représentations. La percée majeure est survenue en 1946 lorsqu'elle a auditionné pour Arturo Toscanini, qui recrutait des interprètes pour son concert. Tebaldi a fait une impression favorable sur le maestro et il l'a appelée « voix angélique ». La même année, elle fait ses débuts à la Scala lors d'un concert qui marque l'ouverture du théâtre après-guerre. Toscanini a assuré à Tebaldi une place permanente dans l'un des plus beaux opéras du monde. À La Scala, elle obtient les rôles d'opéra de Margarita et Elena dans Méphistophélès et Elsa dans Lohengrin en 1946. L'année suivante, elle apparaît dans La Bohème et dans le rôle d'Eve dans les Maîtres Chanteurs de Nuremberg de Wagner. Bientôt, Toscanini l'invite dans le rôle d'Aida et Tebaldi fait ses débuts dans ce rôle à La Scala en 1950, avec Mario Del Monaco, l'union créative de Renata Tebaldi et Mario del Monaco sur scène et dans les studios d'enregistrement sera longue et fructueux. La même année, la carrière internationale de Tebaldi débute, avec la troupe La Scala qu'elle joue au Festival d'Édimbourg, puis à Londres, à Covent Garden à l'opéra "Othello" et le Requiem de Verdi, aux USA à l'Opéra de San Francisco dans le rôle d'Aida. Ensuite, il y avait tous les plus grands théâtres du monde. Tebaldi n'a pas eu le temps de devenir le chanteur principal de La Scala, lorsqu'une nouvelle star est apparue sur la scène du théâtre - Maria Callas, qui a pris sa place. Lorsque La Scala a préféré Callas, Tebaldi a été invitée par de nombreux autres théâtres, notamment le Teatro San Carlo de Naples, où elle était très aimée et appréciée au-dessus de Callas. Au milieu des années 1950, Tebaldi a quitté La Scala pour devenir une prima donna du Metropolitan Opera, qui a fait ses débuts en 1955 sous le nom de Desdemona. Lorsqu'elle revient à La Scala en tournée en 1958, le public lui fait une ovation debout de quarante minutes. La rivalité entre Tebaldi et Callas était plus alimentée par le public et la presse que par les chanteurs eux-mêmes, bien qu'ils aient parfaitement compris la fécondité de cette hype pour leur carrière. Le 16 septembre 1968, la longue rivalité entre Tebaldi et Callas a pris fin, lorsque Maria a félicité Renata dans les coulisses pour sa bonne performance dans l'opéra Adriana Lecouvreur de Francesco Chilea, les deux sopranos se sont embrassés et ne se sont jamais revus, mais ont prononcé des mots gentils sur l'un l'autre. Le 4 mars 1960, Tebaldi apparaît dans une représentation inoubliable de l'opéra de Verdi La Force du Destin. Cette représentation est restée dans l'histoire de l'opéra car au milieu du deuxième acte, son partenaire, le célèbre baryton Leonard Warren, est tombé au sol et est décédé sur scène d'un accident vasculaire cérébral devant le public. Au début des années 1960, la voix de Tebaldi commence à montrer des signes de fatigue et perd de sa plasticité ; elle n'apparaît plus sur scène pendant plus d'un an, pour se reposer en 1964. A partir de ce moment débute une sorte de seconde carrière de Renata Tebaldi, davantage axée sur le répertoire dramatique. Pendant près de vingt ans, Tebaldi se produit régulièrement au Metropolitan Opera, participant à plus de 270 productions, dans des opéras tels que La Bohème, Madame Butterfly, Tosca, Manon Lescaut, Othello, Simon Boccanegra, Falstaff" et bien d'autres, et complète son œuvre le 8 janvier 1973 dans le même rôle avec lequel elle a fait ses débuts. En 1976, elle donne son concert d'adieu à la Scala. Au moment de quitter la scène, le patrimoine artistique de Tebaldi était de 1262 représentations - 1048 opéras complets dans 48 rôles et 214 concerts, ainsi que 134 enregistrements audio et vidéo avec sa participation. Renata Tebaldi est décédée le 1er février 2004 à son domicile de Saint-Marin.
Inva Mula est une chanteuse d'opéra albanaise, soprano. Elle occupe une place importante dans le monde de l'opéra, cependant, en dehors de la scène de l'opéra, elle est surtout connue pour son interprétation d'un air dans le film "Le cinquième élément". Inva Mula est née le 27 juin 1963 à Tirana, en Albanie, son père Avni Mula est un célèbre chanteur et compositeur albanais, le nom de sa fille - Inva est la lecture inversée du nom de son père. Elle a étudié le chant et le piano dans sa ville natale, d'abord dans une école de musique, puis dans un conservatoire sous la direction de sa mère, Nina Mula. En 1987, Inva a remporté le concours "Chanteur d'Albanie" à Tirana, en 1988 - au Concours international George Enescu de Bucarest. Les débuts à l'opéra ont lieu en 1990 au Théâtre d'opéra et de ballet de Tirana avec le rôle de Leila dans Les Chercheurs de perles de Georges Bizet. Bientôt, Inva Mula quitte l'Albanie et décroche un poste de chanteuse dans la chorale de l'Opéra National de Paris (Opéra Bastille et Opéra Garnier). En 1992, Inva Mula remporte le premier prix du concours Butterfly à Barcelone. Le principal succès, après lequel elle est devenue célèbre, a été le prix du premier concours Placido Domingo "Operalia" à Paris en 1993. Le concert de gala final de ce concours a eu lieu à l'Opéra Garnier, un disque et ténor Placido Domingo est sorti avec les lauréats du concours, notamment avec Inva Mula qui a répété ce programme à l'Opéra Bastille, ainsi qu'à Bruxelles, Munich et Oslo . Cette tournée a attiré l'attention sur elle et la chanteuse a commencé à être invitée à se produire dans divers opéras du monde. L'éventail des rôles d'Inva Mula est assez large, elle chante Gilda de Verdi dans Rigoletto, Nanette dans Falstaff et Violetta dans La Traviata. Ses autres rôles sont Michaela dans Carmen, Antonia dans Les Contes d'Hoffmann, Musetta et Mimi dans La Bohème, Rosina dans Le Barbier de Séville, Nedda dans Pagliacci, Magda et Lisette dans Swallow et bien d'autres. La carrière d'Inva Mula se poursuit avec succès, elle se produit régulièrement dans des opéras européens et mondiaux, notamment La Scala de Milan, l'Opéra d'État de Vienne, l'Arena di Verona, le Lyric Opera de Chicago, le Metropolitan Opera, l'Opéra de Los Angeles, ainsi que des théâtres à Tokyo, Barcelone, Toronto, Bilbao et autres. Inva Mula a choisi Paris comme maison et est maintenant considérée plus comme une chanteuse française qu'albanaise. Elle apparaît régulièrement dans les théâtres français à Toulouse, Marseille, Lyon et, bien sûr, à Paris. En 2009/10 Inva Mula a ouvert la saison de l'Opéra de Paris avec l'Opéra Bastille, à l'affiche de l'opéra rarement joué Mireille de Charles Gounod. Inva Mula a sorti plusieurs albums, enregistrements télévisés et vidéo de ses performances sur DVD, dont les opéras La Bohème, Falstaff et Rigoletto. L'enregistrement de l'opéra "The Swallow" avec le chef Antonio Pappano et le London Symphony Orchestra en 1997 a remporté le Gramaphone Award du "Meilleur enregistrement de l'année". Jusqu'au milieu des années 1990, Inva Mula était mariée au chanteur et compositeur albanais Pirro Tchako et au début de sa carrière, elle utilisait soit le nom de famille de son mari, soit le double nom de famille Mula-Tchako, après le divorce elle commença à n'utiliser que son prénom. - Inva Mula. Inva Mula, hors de la scène, s'est fait un nom en interprétant le rôle de Diva Plavalaguna (un grand extraterrestre à la peau bleue et à huit tentacules) dans le film fantastique de Jean-Luc Besson Le cinquième élément, avec Bruce Williss et Mila Jovovich. Le chanteur a chanté l'air "Oh, fair Heaven! .. Sweet sound" (Oh, giusto cielo! .. Il dolce suono) de l'opéra "Lucia di Lammermoor" de Gaetano Donizetti et la chanson "Dance of the Diva", dans qui, très probablement, la voix a subi un traitement électronique pour atteindre une hauteur de son incroyable pour les humains, bien que les cinéastes prétendent le contraire. Le réalisateur Luc Besson voulait que le film présente la voix de sa chanteuse bien-aimée Maria Callas, mais la qualité des enregistrements disponibles n'était pas assez bonne pour être utilisée sur la bande originale du film et Inva Mula a été embauchée pour la bande originale.
Maria Callas (née Maria Callas ; nom dans l'acte de naissance - Sophia Cecelia Kalos, anglaise Sophia Cecelia Kalos, baptisée Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - grec Μαρ ? Α Καλογεροπο ? Λου ; 2 (4) décembre 1923, New York - septembre 16, 1977, Paris) - Chanteuse d'opéra américaine (soprano). Maria Callas fait partie des réformateurs d'opéra comme Richard Wagner et Arturo Toscanini. La culture de la seconde moitié du 20e siècle est inextricablement liée à son nom. Au début des années 1950, à la veille du phénomène du postmodernisme, lorsque l'opéra du XIXe siècle est devenu un anachronisme esthétique, Maria Callas a ramené l'art lyrique au sommet de la scène Olympe. Ayant fait revivre l'ère du bel canto, Maria Callas ne se cantonne pas à la colorature virtuose dans les opéras de Bellini, Rossini et Donizetti, mais fait de sa voix le principal moyen d'expression. Elle est devenue une chanteuse polyvalente avec un répertoire allant des séries d'opéras classiques telles que la Vestale de Spontini, aux derniers opéras de Verdi, aux opéras véristo de Puccini et aux drames musicaux de Wagner. L'essor de la carrière de Callas au milieu du 20e siècle s'accompagne de l'apparition du LP dans l'enregistrement et de l'amitié avec la figure éminente de la maison de disques EMI Walter Legge. L'arrivée sur la scène des opéras d'une nouvelle génération de chefs d'orchestre tels que Herbert von Karajan et Leonard Bernstein et de cinéastes tels que Luchino Visconti et Franco Zeffirelli a fait de chaque représentation avec Maria Callas un événement. Elle a fait de l'opéra un véritable théâtre dramatique, forçant même "des trilles et des gammes pour exprimer la joie, l'anxiété ou le désir". Maria Callas est née à New York dans une famille d'immigrants grecs. En 1936, la mère de Mary, Gospel, retourne à Athènes pour poursuivre l'éducation musicale de sa fille. La mère a voulu incarner ses talents ratés dans sa fille et a commencé à l'emmener à la bibliothèque de New York sur la Cinquième Avenue. Maria a commencé à écouter de la musique classique à l'âge de trois ans, à cinq ans, elle a commencé à prendre des cours de piano et à huit ans, elle a commencé à prendre des cours de chant. À l'âge de 14 ans, Maria a commencé ses études au Conservatoire d'Athènes sous la direction de l'ancienne chanteuse espagnole Elvira de Hidalgo. En juillet 1941, à Athènes occupée par les Allemands, Maria Callas fait ses débuts à l'Opéra d'Athènes dans le rôle de Tosca. En 1945, Maria Callas retourne à New York. S'ensuit une série d'échecs : elle n'est pas présentée à Toscanini, elle refuse de chanter le rôle de Cio-Cio-San au Metropolitan Opera à cause de son poids, espère un renouveau du Lyric Opera de Chicago, où elle espère chanter, effondré. En 1947, Callas fait ses débuts sur la scène des Arènes de Vérone dans La Joconde de Ponchielli sous la direction de Tullio Serafin. La rencontre avec Séraphin fut, selon les mots de Callas elle-même : « Le vrai début d'une carrière et le plus grand succès de ma vie. Tullio Seraphin introduit Callas dans le monde du grand opéra. Elle chante les premières parties de "Aida" de Verdi et "Norma" de Bellini fin 1948. Au début de 1949, en une semaine, les rôles vocaux incompatibles de Brunhilde dans Valkyrie de Wagner et Elvira dans Les Puritains de Bellini ont créé le phénomène créatif de la chanteuse Maria Callas. Elle a chanté des parties lyriques, dramatiques et colorature, ce qui était un miracle de la chanson - "quatre voix dans une gorge". En 1949, Callas part en tournée en Amérique du Sud. En 1950, elle chante pour la première fois à La Scala et devient la « Reine des prima donnas italiennes ». En 1953, EMI publie pour la première fois des enregistrements complets d'opéras avec Maria Callas. La même année, elle perd du poids de 30 kilogrammes. Le Callas transformé captive le public sur les scènes d'opéra en Europe et en Amérique dans les opéras Lucia di Lammermoor de Donizetti, Norma de Bellini, Medea de Cherubini, Troubadour et Macbeth de Verdi et Tosca de Puccini. En septembre 1957, Maria Callas rencontre pour la première fois Aristote Onassis lors d'un bal en l'honneur de l'anniversaire de la journaliste Elsa Maxwell à Venise. Au printemps 1959, à Venise, ils se retrouvent à un bal. Après cela, Onassis est allé à Londres pour un concert de Callas. Après ce concert, il l'a invitée avec son mari sur son yacht. Fin novembre 1959, la femme d'Onassis, Tina, a demandé le divorce et Callas et Onassis sont alors apparus ouvertement dans la société ensemble. Le couple s'est battu presque constamment, et en 1968, Maria Callas a appris par les journaux qu'Aristote Onassis avait épousé la veuve du président des États-Unis, Jacqueline Kennedy. 1959 marque un tournant dans sa brillante carrière. Cela a été facilité par une perte de voix, une série de scandales, un divorce, une rupture avec le Metropolitan Opera, un départ forcé de La Scala, un amour malheureux pour Aristote Onassis, et la perte d'un enfant. Une tentative de retour sur scène en 1964 se solde par un nouvel échec. A Vérone, Maria Callas a rencontré l'industriel local Giovanni Batista Meneghini. Il avait deux fois son âge et avait une passion pour l'opéra. Bientôt, Giovanni avoua son amour à Maria, vendit complètement son entreprise et se consacra à Callas. En 1949, Maria Callas et Giovanni Meneghini se marient. Il est devenu tout pour Maria : à la fois un époux fidèle, un père aimant, un manager dévoué et un producteur généreux. En 1969, le réalisateur italien Pier Paolo Pasolini a invité Maria Callas à jouer le rôle de Médée dans le film du même nom. Bien que le film n'ait pas été un succès commercial, il est d'un grand intérêt cinématographique, comme toutes les autres œuvres de Pasolini. Le rôle de Médée était pour Maria Callas le seul rôle en dehors de l'opéra. Les dernières années de sa vie, Maria Callas vécut à Paris, pratiquement sans quitter l'appartement, où elle mourut en 1977. Elle a été incinérée et enterrée au cimetière du Père Lachaise. Plus tard, ses cendres ont été dispersées sur la mer Égée. Les phoniatres italiens (médecins spécialisés dans les maladies des cordes vocales) Franco Fussi et Nico Paolillo ont établi la cause la plus probable du décès de la diva d'opéra Maria Callas, écrit l'italien La Stampa (traduction de l'article en anglais publié par Parterre Box). Selon leurs recherches, Callas est décédé d'une dermatomyosite, une maladie rare du tissu conjonctif et des muscles lisses. Fussi et Paolillo sont arrivés à cette conclusion après avoir étudié les enregistrements de Callas réalisés au cours de différentes années et analysé la détérioration progressive de sa voix. L'analyse spectrographique des enregistrements en studio et des performances en direct a montré qu'à la fin des années 1960, lorsque sa détérioration vocale est devenue apparente, la gamme de voix de Callas était en fait passée de soprano à mezzo-soprano, ce qui expliquait le changement dans le son des notes aiguës de sa performance. .De plus, une étude minutieuse Les enregistrements vidéo de ses derniers concerts ont révélé que les muscles de la chanteuse étaient considérablement affaiblis: sa poitrine ne se soulevait pratiquement pas lors de la respiration et lors de l'inspiration, la chanteuse levait les épaules et tendait ses muscles deltoïdes, c'est-à-dire en fait , elle a fait l'erreur la plus courante avec le soutien du muscle vocal. La cause de la mort de Maria Callas n'est pas connue avec certitude, mais on pense que la chanteuse est décédée d'un arrêt cardiaque. Selon Fussi et Paolillo, les résultats de leurs travaux indiquent directement que l'infarctus du myocarde résultant était une complication résultant d'une dermatomyosite. Il est à noter que ce diagnostic (dermatomyosite) de Callas a été posé peu de temps avant sa mort par son médecin, Mario Jacovazzo (cela n'est devenu connu qu'en 2002). Rôles d'opéra de Maria Callas Santuzza - L'honneur rural de Mascagni (1938, Athènes) Tosca - Tosca de Puccini (1941, Opéra d'Athènes) Gioconda - La Gioconda de Ponchielli (1947, Arena di Verona) Turandot - Turandot de Puccini ( 1948, Carlo Felice) (Gênes) Aida - Aida de Verdi (1948, Metropolitan Opera, New York) Norm - Norma Bellini (1948, 1956, Metropolitan Opera ; 1952, Covent Garden Londres ; 1954, Lyric Opera, Chicago) Brunhilde - Valkyrie de Wagner (1949-1950 , Metropolitan Opera) Elvira - Les Puritains de Bellini (1949-1950, Metropolitan Opera) Elena - Vêpres siciliennes "Verdi (1951, La Scala", Milan) Kundri - "Parsifal" de Wagner ("La Scala") Violetta - "La Scala" de Verdi ("La Scala") Medea - "Medea" Cherubini (1953, "La Scala") Julia - "Vestal" Spontini (1954, La Scala) Gilda - "Rigoletto" Verdi (1955, "La Scala") Madame Butterfly (Cio-Chio-san) - "Madame Butterfly" Puccini ("La Scala") Lady Macbeth - "Macbeth" Verdi Fedor - "Fedora" Giordano Anna Boleyn - "Anna Boleyn "Donizetti Lucia -" Lucia di Lammermoor "Donizetti Amina -" Somnambula "Bellini Carmen -" Carmen "Bizet
Joyce DiDonato est une célèbre chanteuse d'opéra américaine, mezzo-soprano. Il est considéré comme l'une des principales mezzo-sopranos de notre temps et le meilleur interprète des œuvres de Gioacchino Rossini. Joyce DiDonato (née Joyce Flaherty) est née le 13 février 1969 à Pryre Village, Kansas, États-Unis dans une famille d'origine irlandaise, sixième de sept enfants. Son père était le chef de la chorale de l'église locale, Joyce y chantait et rêvait de devenir une star de Broadway. En 1988, elle entre à la Wichita State University, où elle étudie le chant. Après Joyce University, DiDonato a décidé de poursuivre ses études musicales et en 1992, elle est entrée à l'Académie des arts vocaux de Philadelphie. Après l'académie, pendant plusieurs années, elle a participé aux programmes de formation "Jeune artiste" dans diverses compagnies d'opéra: en 1995 - à "Santa Fe Opera", où elle a reçu une pratique musicale et a fait ses débuts à l'opéra sur la grande scène, mais ainsi loin dans des rôles mineurs dans les opéras "Les Noces de Figaro" de W. A. Mozart, "Salomé" de R. Strauss, "Comtesse Maritza" de I. Kalman; de 1996 à 1998 - au Houston Grand Opera et a été reconnu comme le meilleur « artiste émergent » ; à l'été 1997 - à l'Opéra de San Francisco dans le cadre du programme de formation Merola Opera. Au cours de ses études et de sa pratique initiale, Joyce DiDonato a participé à plusieurs concours de chant de renom. En 1996, elle a terminé deuxième au concours Eleanor McCollum à Houston et a remporté l'audition du district pour le Metropolitan Opera Competition. En 1997, elle a remporté le prix William Sullivan. En 1998, elle a remporté la deuxième place au concours Placido Domingo's Operalia à Hambourg et la première place au concours George London. Au cours des années suivantes, elle a reçu de nombreux autres prix et récompenses. Joyce DiDonato a commencé sa carrière professionnelle en 1998 avec des représentations dans plusieurs compagnies d'opéra régionales aux États-Unis, principalement au Houston Grand Opera. Et elle s'est fait connaître d'un large public grâce à l'apparition à la télévision de la première mondiale de l'opéra "Little Woman" de Mark Adamo. Lors de la saison 2000-2001. DiDonato a fait ses débuts européens, commençant tout de suite avec La Scala dans le rôle d'Angelina dans Cendrillon de Rossini. La saison suivante, elle élargit sa connaissance du public européen, apparaissant à l'Opéra des Pays-Bas dans le rôle de Sesta Julius Caesar de Haendel, à l'Opéra de Paris dans le rôle de Rosina dans Le Barbier de Séville de Rossini et à l'Opéra national de Bavière dans le rôle de Cherubino dans Les Noces de Figaro de Mazart. et dans les programmes de concerts "Glory" de Vivaldi avec Ricardo Muti et La Scala Orchestra et "A Midsummer Night's Dream" de F. Mendelssohn à Paris. Au cours de la même saison aux États-Unis, elle fait ses débuts au Washington State Opera dans le rôle de Dorabella dans "This Is What All Women Do" de Mozart. A cette époque, Joyce DiDonato était déjà devenue une véritable star de l'opéra de renommée mondiale, aimée du public et saluée par la presse. La poursuite de sa carrière n'a fait qu'élargir sa géographie de tournée et lui a ouvert les portes de nouveaux opéras et festivals - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Théâtre royal de Madrid, Nouveau Théâtre national de Tokyo, Opéra national de Vienne et autres Joyce DiDonato a amassé une riche collection de divers prix et prix musicaux. Comme le soulignent les critiques, il s'agit peut-être de l'une des carrières les plus réussies et les plus fluides du monde de l'opéra moderne. Et même l'accident survenu sur la scène de Covent Garden le 7 juillet 2009 lors de la représentation de "Le Barbier de Séville", lorsque Joyce DiDonato a glissé sur scène et s'est cassé la jambe, n'a pas interrompu cette représentation, qu'elle a terminée avec des béquilles. , ni des performances programmées par la suite, qu'elle a dirigées hors du fauteuil roulant, pour le plus grand plaisir du public. Cet événement « légendaire » est capturé sur DVD. Joyce DiDonato a commencé la dernière saison 2010-2011 avec le Festival de Salzbourg et a fait ses débuts dans le rôle d'Adalgiz dans Norma Belinni avec Edita Gruberova dans le rôle de Norma, puis avec un programme de concerts au Festival d'Édimbourg. À l'automne à Berlin, elle a interprété le rôle de Rosina dans "Le Barbier de Séville" et à Madrid - dans le rôle d'Octavian dans "Der Rosenkavalier". L'année s'est terminée avec d'autres récompenses, la première de l'Académie allemande des enregistrements "Echo Klassik", qui a nommé Joyce DiDonato "Meilleure chanteuse 2010". Les deux prix suivants à la fois du magazine anglais sur la musique classique "Gramophone", qui l'a nommée "Meilleure artiste de l'année" et a choisi son CD avec les airs de Rossini comme le meilleur "Récital de l'année". Poursuivant la saison aux États-Unis, elle se produit à Houston, puis un récital au Carnegie Hall. Le Metropolitan Opera l'a accueillie dans deux rôles - la page Isolier dans "Count Ori" de Rossini et la compositrice dans "Ariadne auf Naxos" de R. Strauss. Fin de la saison en Europe avec des tournées à Baden-Baden, Paris, Londres et Valence. Le site Web de la chanteuse contient un calendrier chargé de ses futures performances, dans cette liste uniquement pour la première moitié de 2012, il y a une quarantaine de performances en Europe et en Amérique. Joyce DiDonato est maintenant mariée au chef d'orchestre italien Leonardo Vordoni, avec qui elles vivent à Kansas City, Missouri, États-Unis. Joyce continue d'utiliser le nom de famille de son premier mari, qu'elle a épousé dès la sortie de l'université.
Yulia Novikova est une chanteuse d'opéra russe, soprano. Julia Novikova est née à Saint-Pétersbourg en 1983. Elle a commencé à étudier la musique à l'âge de 4 ans. Elle est diplômée avec mention d'une école de musique (piano et flûte). Pendant neuf ans, elle a été membre et soliste du Chœur d'enfants de la télévision et de la radio de Saint-Pétersbourg sous la direction de S.F. Gribkov. En 2006, elle a obtenu son diplôme avec distinction de la St. SUR LE. Rimsky-Korsakov, classe de chant (professeur O.D. Kondina). Pendant ses études au Conservatoire, elle chante les rôles de Suzanne (Les Noces de Figaro), Serpina (La Pucelle), Martha (La Fiancée du Tsar) et Violetta (La Traviata) au studio d'opéra. Yulia Novikova a fait ses débuts professionnels en 2006 au Théâtre Mariinsky dans le rôle de Flora dans Le Tour d'écrou de B. Britten (sous la direction de V. Gergiev et P. Smelkov). Julia a obtenu son premier contrat à durée indéterminée au théâtre de Dortmund alors qu'elle était encore étudiante au conservatoire. En 2006-2008. Julia a interprété au Théâtre de Dortmund les rôles d'Olympia (Les Contes d'Hoffmann), Rosina (Le Barbier de Séville), Reine de Shemakhan (Le Coq d'or) et Gilda (Rigoletto), ainsi que le rôle de la Reine de la nuit (La Flûte enchantée) à l'opéra de Francfort. Lors de la saison 2008-2009. Julia est revenue avec le rôle de la Reine de la nuit à l'Opéra de Francfort, et a également joué ce rôle à Bonn. Aussi cette saison ont été joués Oscar ("Bal de la mascarade"), Medoro ("Furious Orlando" de Vivaldi), Blondchen ("Enlèvement du sérail") à l'Opéra de Bonn, Gilda - à Lübeck, Olympia - au Komische Oper (Berlin ). Saison 2009-2010 a commencé par une performance réussie en tant que Gilda dans la première production de Rigoletto au Berliner Komische Oper. Viennent ensuite la Reine de la nuit aux Opéras d'État de Hambourg et de Vienne, au Staatsoper de Berlin, Gilda et Adina ("Love Potion") à l'Opéra de Bonn, Zerbinetta ("Ariadne auf Naxos") à l'Opéra de Strasbourg, Olympie aux opéras Komische, et Rosina à Stuttgart... Les 4 et 5 septembre 2010, Julia a interprété le rôle de Gilda dans l'émission télévisée en direct Rigoletto de Mantoue dans 138 pays (producteur A. Andermann, chef d'orchestre Z. Meta, réalisateur M. Belokchio, Rigoletto P. Domingo, etc.) . Lors de la saison 2010-2011. Julia se produira avec le paria d'Amina (Somnambula) à Bonn, Norina (Don Pasquale) à Washington, Gilda au Comische Berlin, Olympia aux opéras de Francfort et Oscar, Queen of the Night, Zerbinetta et Adina à l'Opéra national de Vienne. Yulia Novikova apparaît également dans des concerts. Julia a joué avec l'Orchestre philharmonique de Duisburg (direction J. Darlington), avec l'orchestre de la Deutsche Radio Philharmonie (direction Ch. Poppen), ainsi qu'à Bordeaux, Nancy, Paris (Théâtre des Champs Elysées), Carnegie Hall (New York). Il y a eu des récitals au Grachten Festival à Amsterdam et au Muziekdriedaagse Festival à La Haye, ainsi qu'un concert de gala à l'Opéra de Budapest. Dans un avenir proche, un concert avec l'Orchestre de chambre de Berne et un concert du Nouvel An à Vienne sont prévus. Yulia Novikova - lauréate et lauréate de plusieurs concours musicaux internationaux : - Operalia (Budapest, 2009) - premier prix et prix du public ; - Débuts musicaux (Landau, 2008) - lauréat, lauréat du Prix Emmerich Smola ; - New Voices (Gutersloh, 2007) - Prix du public ; - Concours International de Genève (2007) - Prix du Public ; - Compétition internationale. Wilhelm Stenhammar (Norrköpping, 2006) - troisième prix et prix de la meilleure interprétation de musique suédoise contemporaine. Informations du site officiel de la chanteuse Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/
Le Théâtre national académique d'opéra et de ballet d'Odessa est l'un des plus anciens opéras d'Ukraine. L'ouverture du premier bâtiment du théâtre a eu lieu en 1810. Le bâtiment moderne a été construit en 1887 par les architectes F. Fellner et G. Helmer (Bureau Fellner & Helmer) dans le style baroque viennois. La restauration complète du bâtiment du théâtre a été achevée en 2007. Espace scénique - 500 m² mètres, le nombre de sièges - 1636. P. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, S.V. Rachmaninov dirigé au théâtre, les grands Enrico Caruso, Fedor Chaliapin, Solomeya Krushelnitskaya, Antonina Nezhdanova, Leonid Sobinov ont chanté, Anna a dansé Pavlova et Isadora Duncan. Parmi les solistes exceptionnels du théâtre se trouve A. Azrikan. Les productions à succès de la troupe de théâtre comprenaient: "Carmen", "Traviata", "Troubadour", "Rigoletto", "Zaporozhets au-delà du Danube", "Cio-Cio-San", "Natalka-Poltavka", "Giselle" , " Belle au bois dormant". Alexandre Pouchkine a mentionné le théâtre d'Odessa dans le roman "Eugène Onéguine". Pour le 120e anniversaire du théâtre, la Banque nationale d'Ukraine a émis des pièces commémoratives. Le théâtre d'opéra et de ballet peut être considéré comme l'aîné des institutions culturelles de la ville. Odessa a reçu le droit de construire un théâtre en 1804, et en 1809 il était déjà construit. L'auteur de ce projet est le célèbre architecte français Thomas de Thomon, qui à cette époque a construit un certain nombre de bâtiments à Saint-Pétersbourg. L'inauguration eut lieu le 10 février 1810. La première représentation était l'opéra en un acte de Fröhlich « La nouvelle famille » et le vaudeville « La veuve réconfortée » de la troupe russe P.V. Fortunatov. En 1873, l'ancien théâtre brûla complètement. Heureusement, aucune des personnes n'a été blessée. Les architectes viennois F. Fellner et G. Helmer ont proposé de créer un projet de nouveau théâtre urbain, selon les conceptions duquel des théâtres ont été construits dans de nombreuses villes européennes (Vienne, Budapest, Dresde, Zagreb, etc.). Il a fallu près de 11 ans entre le moment de l'incendie et la pose de la première pierre des fondations du nouveau théâtre. Le théâtre a été inauguré le 1er octobre 1887. En mars 1925, à la suite d'un nouvel incendie, la scène brûle complètement et la salle est endommagée. En peu de temps, le théâtre a été reconstruit et un an plus tard, les représentations ont repris. La scène a reçu un nouvel équipement technique, deux rideaux en béton armé ont été installés, coupant, si nécessaire, la scène de la salle d'audience et des locaux administratifs. Comme en témoigne l'inscription sur la plaque commémorative, sur le balcon du théâtre le 10 avril 1944, ils ont levé le drapeau de la libération de la ville des envahisseurs nazis (d'ailleurs, les Allemands avaient prévu de faire sauter le théâtre pendant la retraite). L'Opéra d'Odessa est célèbre, tout d'abord, pour son architecture, et en termes de disposition et de données techniques, il n'est pas inférieur aux meilleurs théâtres d'Europe. Dans le plan, le bâtiment se compose d'un auditorium en fer à cheval entouré de galeries, d'un foyer et d'une scène rectangulaire avec des pièces annexes. Le long de l'axe longitudinal du bâtiment, il y a un portail à deux niveaux de l'entrée principale avec un grenier élevé, le long de celui transversal, il y a des galeries à trois arcades des entrées latérales. La disposition est radiale - les passages vers la sortie sont aménagés à partir du centre le long de rayons dans différentes directions. Les escaliers menant directement à la sortie du théâtre ont également des gradins. Le bâtiment est recouvert d'un système de fermes métalliques, zingage. Le revêtement de la salle d'audience ressemble à la surface d'une partie d'ellipsoïde découpée par des plans le long des axes de symétrie horizontal et vertical ; il est couronné d'une lanterne ronde avec un dôme, complétée par une flèche basse. Le bâtiment du théâtre est fait dans le style du baroque viennois. Extérieurement, se compose structurellement de 3 étages. Le 1er (sous-sol) et le 2e, décorés uniquement de colonnes d'ordre toscan dans les loggias, forment un ensemble unique, d'aspect encombrant et fondamental, conférant à l'édifice un caractère statique. Le troisième étage, plus léger, plus délicat, aux détails raffinés, avec des loggias cintrées, des colonnes et des pilastres d'ordre ionique, masque la lourdeur des étages inférieurs et crée l'illusion de légèreté. L'élégant portique et le toit en dôme ajoutent des effets supplémentaires. Le bâtiment semble « planer » au-dessus du sol. Au-dessus de la façade se trouve un groupe sculptural représentant la muse de la tragédie théâtrale Melpomène dans un char tiré par 4 panthères qu'elle a conquises. En dessous se trouvent également deux groupes sculpturaux mythologiques : à gauche, Orphée joue de la cithare pour le centaure, à droite, la muse de la danse de Terpsichore danse avec une fille. Sur le fronton du portique, plusieurs dates sont indiquées en chiffres romains : la première ligne - les dates du début et de la fin de la construction du théâtre (1884 - 1887), la deuxième ligne - la phrase "le théâtre brûlé" et l'année 1925, puis l'année 1967 et le mot « reconstruction ». Le long de l'entrée centrale se trouvent des groupes sculpturaux représentant la Comédie et la Tragédie : à gauche - un fragment de la tragédie d'Euripide "Hippolyte", à droite - un épisode de la comédie "Les Oiseaux" d'Aristophane. Des bustes d'écrivains et compositeurs russes sont installés le long du fronton dans les niches rondes de l'étage supérieur : A. Pouchkine, M. Glinka, A. Griboïedov, N. Gogol (sculpteurs - F. Netali et F. Friedl, stuc - L. Striccius sous la direction de F. Etel). La plus belle partie du bâtiment est l'intérieur, tout d'abord, la salle d'audience, créée dans le style de la fin du rococo français et décorée d'ornements en stuc doré. La composition qui orne le plafond est basée sur 4 tableaux-médaillons de Leffler d'après les intrigues de Shakespeare (Hamlet, Songe d'une nuit d'été, Conte d'hiver, Comme il vous plaira). Un grand lustre au centre du plafond frappe par la grâce des détails ajourés. Les gracieuses moulures en stuc des gradins, des vestibules latéraux et le long des escaliers menant aux loges, des lampes d'origine, des candélabres et des ornements d'incrustations de bronze attirent l'attention. Le rideau réalisé d'après le croquis d'A. Golovin surprend par son goût. Espace scénique - 500 m² mètres. L'acoustique unique de la salle vous permet de transmettre même un murmure de la scène à tous les coins de la salle. Dans le hall, les sièges pour les spectateurs sont situés dans les stalles, benoir, mezzanine, 1er et 2e niveaux et dans la galerie. Parmi les loges, se démarque la loge « royale » - au centre de la mezzanine, juste en face de la scène. Au 1er rang, il dispose de 12 places. Afin d'arrêter le tassement du bâtiment et la formation de fissures dans ses structures porteuses, en 1951-1956, des travaux ont été effectués pour renforcer les fondations du théâtre en le silicatant avec du verre liquide (environ 6 millions de litres de verre fondu ont été versé à travers des fosses dans la fondation). En 1965-1967 - une restauration complète du théâtre, tant à l'extérieur qu'à l'intérieur. Le gouvernement de l'URSS a dépensé 4 millions de roubles et 9 kg de feuilles d'or pur. Cependant, ces mesures n'ont pas aidé longtemps - le théâtre a été construit sur des roches sédimentaires, donc le processus de sa destruction s'est poursuivi. Au milieu des années 90, le bâtiment était dans un état désastreux et en 1996, le Cabinet des ministres ukrainien a alloué des fonds pour une nouvelle restauration majeure. L'achèvement des travaux était initialement prévu pour 1999, puis reporté à plusieurs reprises en raison du manque de fonds. La fondation a été renforcée par le coulage de pieux en béton armé. La restauration complète du bâtiment a été achevée en 2007. Le théâtre a grandement contribué au développement de la culture musicale dans le sud de l'Ukraine. Ici, P.I. Tchaikovsky, M.A. Rimsky-Korsakov, S.V. Rachmaninov, Eugene Isaye, Pablo Sarasate et d'autres ont interprété leurs œuvres, Enrico Caruso, Fyodor Chaliapin, Solomeya Krushelnitskaya, Antonina Nezhdanova, Leonid Sobinov, J. Anselmi, Titta R. Geraldoni, a dansé Anna Pavlova, Isadora Duncan, EV Geltser. Les chefs d'orchestre des performances et des concerts symphoniques étaient A.G. Rubinstein, E.F.Napravnik, A.S. Arensky, A.K. Glazunov et d'autres. En 1926, le théâtre a reçu le titre « académique », en 2007 - le statut de « national ». Le théâtre accueille des concerts symphoniques, en particulier des concerts d'orgue, car le théâtre dispose des meilleures données acoustiques de la ville et d'un orgue intégré. Une école de ballet pour enfants fonctionne au théâtre depuis plusieurs décennies - une institution créative unique dans la ville et une "forge de personnel" pour la troupe de ballet du théâtre. Le théâtre a une grande troupe d'opéra, parmi lesquelles on peut noter : l'artiste populaire d'Ukraine Anatoly Boyko (basse), l'artiste populaire d'Ukraine Valentina Vasilyeva (mezzo-soprano), l'artiste populaire d'Ukraine Anatoly Kapustin (ténor), l'artiste populaire d'Ukraine Lyudmila Shirina (soprano). La troupe de ballet du théâtre se compose de 50 personnes. Artistes honorés de l'Ukraine Andrey Musorin et Elena Kamenskikh - les participants de la tournée d'adieu de Rudolf Noureev se distinguent parmi eux. Le chef d'orchestre du Théâtre national académique d'opéra et de ballet d'Odessa est le professeur Yarema Antonovich Skibinsky, artiste du peuple ukrainien. Les danseurs de ballet ont fait des tournées au Canada, au Japon, au Vietnam, au Sri Lanka, en Chine, en Hongrie, en Bulgarie, en Finlande, en Corée du Sud, en Italie, en Espagne, au Portugal - avec Maya Plisetskaya, en Indonésie, en Suisse, en Suède et dans d'autres pays. Parmi les productions les plus célèbres et les plus réussies du théâtre moderne figurent les représentations suivantes : « Carmen », « Traviata », « Troubadour », « Rigoletto », « Zaporozhets au-delà du Danube », « Cio-Cio-San », « Natalka-Poltavka ", " Giselle, Casse-Noisette, La Belle au bois dormant. Lors de ces représentations, la salle est généralement pleine. Alexandre Sergueïevitch Pouchkine "Eugène Onéguine" (section "Extraits du voyage d'Onéguine"). Mais le bleu du soir s'assombrit, Il est temps pour nous d'aller à l'opéra au plus vite : Il y a un délicieux Rossini, le chouchou de l'Europe - Orphée... ... Mais n'y a-t-il que des charmes ? Et la recherche lorgnette ? Et les dates backstage ? Une prima donna ? et le ballet ?
La Scala (Italian Teatro alla Scala ou La Scala) est un opéra de renommée mondiale à Milan (Italie). Toutes les grandes stars de l'opéra au cours des deux siècles et demi passés ont considéré comme un honneur de se produire à La Scala. Le Teatro alla Scala abrite la troupe d'opéra, le chœur, le ballet et l'orchestre symphonique du même nom. Il est également associé à la Teatro alla Scala Academy, qui propose des formations professionnelles en musique, danse et régie. Dans le foyer du théâtre se trouve un musée qui présente des peintures, des sculptures, des costumes et d'autres documents liés à l'histoire de l'opéra et du théâtre. Le bâtiment du théâtre a été construit sur ordre de l'impératrice d'Autriche Maria Teresa selon le projet de l'architecte Giuseppe Piermarini en 1776-1778. sur le site de l'église de Santa Maria della Scala, d'où vient le nom du théâtre lui-même. L'église, à son tour, a reçu son nom en 1381 de la patronne - une représentante de la famille des souverains de Vérone du nom de Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Le théâtre a été inauguré le 3 août 1778 avec une production de l'opéra "L'Europe reconnue" d'Antonio Salieri. À la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, des opéras des compositeurs italiens P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Mayra sont apparus dans le répertoire du théâtre. Créations des opéras de G. Rossini "Touchstone" (1812), "Aurelian in Palmyra" (1813), "Un Turc en Italie" (1814), "The Thief Magpie" (1817) et d'autres (dans l'un d'eux a fait ses débuts en Italie de Caroline Unger), ainsi que des opéras de J. Meyerbeer "Margarette d'Anjou" (1820), "L'Exil de Grenade" (1822) et quelques oeuvres de Saverio Mercadante. Depuis les années 1830, des œuvres de G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini figurent au répertoire du théâtre, et pour la première fois, "Pirate" (1827) et "Norma" (1831) de Bellini, "Lucretius Borgia" (1833) Donizetti, Oberto (1839), Nabucco (1842), Othello (1887) et Falstaff (1893) de Verdi, Madame Butterfly (1904) et Turandot de Puccini. Pendant la Seconde Guerre mondiale, le théâtre a été détruit. Après la restauration de son aspect d'origine par l'ingénieur L. Secchi, le théâtre a été rouvert en 1946. Le bâtiment du théâtre a été restauré plus d'une fois. La dernière restauration a duré trois ans, et plus de 61 millions d'euros y ont été dépensés. Le premier morceau de musique joué sur la scène renouvelée le 7 décembre 2004 était l'opéra "L'Europe reconnue" d'Antonio Salieri. Le nombre de places est de 2030, ce qui est bien moins qu'avant la dernière restauration, le nombre de places a été réduit dans un souci de sécurité incendie et d'augmentation du confort. Traditionnellement, la nouvelle saison à La Scala commence en hiver - le 7 décembre (ce qui est inhabituel par rapport à d'autres théâtres dans le monde) le jour de la Saint Ambroise, le saint patron de Milan, et se termine en novembre. Et chaque représentation doit se terminer avant minuit, si l'opéra est très long, alors il commence tôt.
L'Opéra de Sydney est l'un des bâtiments les plus célèbres et facilement reconnaissables au monde, qui est le symbole de la plus grande ville d'Australie, Sydney, et l'une des principales attractions de l'Australie - Les coquilles en forme de voile qui forment le toit font de ce bâtiment pas comme les autres au monde. L'Opéra est reconnu comme l'un des bâtiments les plus remarquables de l'architecture moderne et depuis 1973, avec le Harbour Bridge, est la marque de commerce de Sydney. L'Opéra de Sydney a été inauguré le 20 octobre 1973 par la reine Elizabeth II d'Angleterre. L'Opéra de Sydney est situé dans le port de Sydney, à Bennelong Point. Cet endroit a été nommé d'après un ami aborigène australien du premier gouverneur de la colonie. Il est difficile d'imaginer Sydney sans l'Opéra, mais jusqu'en 1958, il y avait un dépôt de tramway ordinaire à sa place (avant le bâtiment de l'opéra, il y avait un fort, puis un dépôt de tramway). L'architecte de l'Opéra est le danois Jorn Utzon. Malgré le succès du concept de coques sphériques, qui résolvait tous les problèmes de construction, bien adapté à la production en série, à la fabrication précise et à la facilité d'installation, la construction a pris du retard, principalement en raison de la décoration intérieure des locaux. Il était prévu que la construction de l'Opéra durera 4 ans et coûtera 7 millions de dollars australiens. Au lieu de cela, l'opéra a pris 14 ans à construire et a coûté 102 millions de dollars ! L'Opéra de Sydney est un bâtiment expressionniste au design radical et innovant. Le bâtiment couvre une superficie de 2,2 hectares. Sa hauteur est de 185 mètres et sa largeur maximale est de 120 mètres. Le bâtiment pèse 161 000 tonnes et repose sur 580 pieux, qui sont descendus dans l'eau à une profondeur de près de 25 mètres du niveau de la mer. Son alimentation électrique équivaut à la consommation électrique d'une ville de 25 000 habitants. L'électricité est distribuée sur 645 kilomètres de câble. Le toit de l'opéra se compose de 2 194 sections préfabriquées, sa hauteur est de 67 mètres et son poids de plus de 27 tonnes, toute la structure est maintenue par des câbles en acier de 350 kilomètres de long. Le toit du théâtre est formé d'une série de "coquilles" d'une sphère de béton inexistante de 492 pieds de diamètre, communément appelée "coquilles" ou "voiles", bien que cela soit incorrect d'après une définition architecturale d'une telle structure . Ces coques sont construites à partir de panneaux de béton préfabriqués en forme de triangle soutenus par 32 nervures préfabriquées du même matériau. Toutes les nervures font partie d'un grand cercle, ce qui a permis aux contours des toits d'avoir la même forme et à l'ensemble du bâtiment un aspect complet et harmonieux. L'ensemble du toit est recouvert de 1 056 006 tuiles azulejos de couleurs blanc et crème mat. Bien que de loin, la structure semble être entièrement constituée de carreaux blancs, les carreaux créent différents schémas de couleurs dans différentes conditions d'éclairage. Grâce à la méthode mécanique de pose des tuiles, toute la surface de la toiture est parfaitement lisse, ce qui était impossible avec un revêtement manuel. Tous les carreaux ont été produits par l'usine suédoise Höganäs AB avec une technologie d'autonettoyage, mais malgré cela, des travaux sont régulièrement effectués pour nettoyer et remplacer certains carreaux. Les deux plus grandes voûtes en coquille forment le plafond de la salle de concert et de l'opéra. Dans d'autres salles, les plafonds forment des ensembles de voûtes plus petites. La structure du toit en gradins était très belle, mais créait des problèmes de hauteur à l'intérieur du bâtiment, car la hauteur résultante n'offrait pas une acoustique appropriée dans les halls. Pour résoudre ce problème, des plafonds séparés ont été conçus pour refléter le son. Dans le plus petit évier, loin de l'entrée principale et de l'escalier principal, se trouve le restaurant Bennelong. L'intérieur du bâtiment est décoré de granit rose apporté de la région de Tarana (Nouvelle-Galles du Sud), de bois et de contreplaqué. Pour ce projet, Utzon a reçu le prix Pritzker, la plus haute distinction en architecture, en 2003. La cérémonie de remise des prix était accompagnée des mots : « Il ne fait aucun doute que l'Opéra de Sydney est son chef-d'œuvre. C'est l'un des grands bâtiments emblématiques du 20e siècle, une image d'une beauté extraordinaire qui est devenue connue dans le monde entier - un symbole non seulement de la ville, mais de tout le pays et du continent. . . " L'Opéra de Sydney abrite quatre compagnies clés de l'art australien - l'Opéra australien, le Ballet australien, la Compagnie de théâtre de Sydney et l'Orchestre symphonique de Sydney, auxquels s'ajoutent de nombreuses autres compagnies et théâtres basés à l'Opéra de Sydney. Ce théâtre est l'un des centres les plus animés des arts de la scène, accueillant environ 1 500 représentations par an avec une fréquentation totale de plus de 1,2 million. C'est également l'une des attractions les plus populaires d'Australie, avec plus de sept millions de touristes qui la visitent chaque année. L'Opéra dispose de trois salles de spectacle principales : - La salle de concert, 2679 places, est le siège de l'orchestre symphonique de Sydney. Elle contient le plus grand orgue mécanique fonctionnel au monde, avec plus de 10 000 tuyaux. - L'Opéra de 1507 places est le siège de l'Opéra de Sydney et de l'Australian Ballet. - Théâtre dramatique, 544 places, utilisé par la Sydney Theatre Company et d'autres groupes de danse et de théâtre. En plus de ces trois salles, l'Opéra de Sydney contient plusieurs salles et studios plus petits.
Le Grand Teatro La Fenice ("Phoenix") (Gran Teatro La Fenice) - un opéra de Venise, détruit à plusieurs reprises par un incendie et reconstruit. Le théâtre est le lieu du Festival international de musique contemporaine. Le Teatro La Fenice a été construit en 1790-1792. Le nom "Phoenix" reflète le fait que le théâtre est "renaissant de ses cendres" à deux reprises. En 1774, le principal opéra vénitien de l'époque, San Benedetto, a été réduit en cendres. La société de gestion l'a restauré, mais a perdu le litige avec son propriétaire devant les tribunaux et a à nouveau perdu le théâtre. En conséquence, la compagnie a décidé de construire son propre nouvel opéra. La construction a commencé en juin 1790 et s'est achevée en mai 1792. Le théâtre a été nommé "La Fenice", témoignant de la renaissance. Il a été inauguré le 16 mai 1792 avec l'opéra Agrigente Games de Paisiello. Le 13 décembre 1836, le théâtre est détruit par un incendie, mais rapidement restauré dans son modèle d'origine, sous la direction des architectes Tommaso et Giambattista Medun. Un an plus tard, en 1837, le théâtre rouvre ses portes. Au XIXe siècle, La Fenice devient le théâtre de créations de nombreux opéras d'éminents auteurs italiens, en particulier Gioacchino Rossini (Tancred, 1813, Semiramis, 1823), Vincenzo Bellini (Capulet et Montague, 1830, Beatrice di Tendi, 1833 ) et Giuseppe Verdi (Ernani, 1843, Attila, 1846, Rigoletto, 1851, La Traviata, 1853, Simon Boccanegra, 1857). La première de La Traviata a été à l'origine huée par le public de Phoenix. En 1930, la Biennale de Venise initie le premier festival international de musique contemporaine. En 1937, le théâtre a été reconstruit selon le projet d'Eugenio Miozzo. Les premières remarquables du 20e siècle ont été les productions de l'opéra The Rake's Progress de I. Stravinsky (1951) et The Turn of the Screw de B. Britten. Le 29 janvier 1996, le bâtiment du théâtre est à nouveau détruit par un incendie, l'incendie criminel est commis par l'électricien Enrico Carella, qui tente d'éviter des amendes contractuelles pour retard de travail. Avec le soutien de l'État, le théâtre a été restauré et inauguré le 14 décembre 2003. Le chœur et l'orchestre de La Scala sous la direction de Muti ont joué à l'ouverture. Les meilleurs orchestres du monde ont pris part au programme de célébrations à l'occasion de la renaissance de Fenice, dont l'orchestre de l'Orchestre philharmonique de Saint-Pétersbourg sous la direction de Youri Temirkanov, qui a interprété des œuvres de Tchaïkovski et Stravinsky.
Teatro Massimo (en italien Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) est un opéra de Palerme, en Italie. Le théâtre porte le nom du roi Victor Emmanuel II. Traduit de l'italien, Massimo signifie le plus grand, le plus grand - le complexe architectural du théâtre est le plus grand parmi les bâtiments des opéras d'Italie et l'un des plus grands d'Europe. À Palerme, la deuxième plus grande ville du sud de l'Italie, on a longtemps évoqué la nécessité d'un opéra dans la ville. En 1864, un concours international a été annoncé par le maire de Palerme, Antonio Rudini, pour un projet de construction d'un grand opéra censé embellir l'apparence de la ville et rehausser l'image de la ville à la lumière de la récente unité nationale de l'Italie. En 1968, à la suite d'un concours, le célèbre architecte de Sicile, Giovanni Battista Filippo Basile, a été sélectionné. Pour le nouveau théâtre, un lieu a été déterminé, où se trouvaient l'église et le monastère de San Giuliano, ils ont été démolis, malgré les protestations des religieuses franciscaines. Selon la légende, "La dernière abbesse du monastère" erre encore dans les salles du théâtre, et ceux qui ne croient pas en elle trébuchent toujours sur une marche ("pas de nonne") à l'entrée du théâtre. La construction a commencé par une cérémonie solennelle de pose de la première pierre le 12 janvier 1875, mais elle a progressé lentement, avec un manque constant de financement et des scandales, en 1882 elle a été gelée pendant huit ans et n'a repris qu'en 1890. En 1891, l'architecte Giovanni Basile décède avant l'ouverture de son projet et son fils Ernesto Basile poursuit les travaux. Le 16 mai 1897, 22 ans après le début des travaux, le théâtre ouvre ses portes aux amateurs d'opéra, le premier opéra mis en scène sur sa scène est "Falstaff" de Giuseppe Verdi sous la direction de Leopoldo Munone. Giovani Basile s'est inspiré de l'architecture sicilienne ancienne et le théâtre a donc été construit dans un style austère néoclassique avec des éléments d'anciens temples grecs. L'escalier monumental menant au théâtre est décoré de lions de bronze portant sur leur dos des statues de femmes - les allégoriques "Opéra" et "Tragédie". Le bâtiment est couronné d'un grand dôme semi-circulaire. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortejani, Luigi di Giovanni ont travaillé à la décoration intérieure du théâtre, qui est soutenue dans le style de la fin de la Renaissance. Un hall spacieux mène à l'auditorium, la salle elle-même a la forme d'un fer à cheval, auparavant elle était à 7 niveaux et conçue pour plus de 3 000 spectateurs, maintenant avec cinq niveaux de loges et une galerie pouvant accueillir 1 381 places. Les premières saisons ont été très réussies. Grâce au grand homme d'affaires et sénateur Ignazio Florio, qui parraina le théâtre et chercha à faire de Palerme la capitale de l'opéra, la ville attira de nombreux invités, dont les têtes couronnées, qui visitaient régulièrement le théâtre. Des chefs d'orchestre et des chanteurs de premier plan se sont produits au théâtre, à commencer par Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi et bien d'autres. En 1974, le théâtre Massimo a été fermé pour une restauration complète, mais en raison de scandales de corruption et d'instabilité politique, la restauration a été retardée de 23 ans. Le 12 mai 1997, quatre jours avant le centenaire, le théâtre a rouvert avec une représentation de la Deuxième Symphonie de G. Mahler, mais la restauration n'était pas encore complètement terminée et la première production d'opéra a eu lieu en 1998 - Aida de Verdi et l'opéra régulier la saison a commencé en 1999 année.
Le Metropolitan Opera est un théâtre musical du Lincoln Center de New York, New York, États-Unis. Le plus grand opéra du monde. Il est souvent appelé « Met » sous une forme abrégée. Le théâtre fait partie des scènes d'opéra les plus célèbres au monde. Le directeur artistique du théâtre est James Levine. PDG - Peter Gelb. Créé avec des fonds de la Metropolitan Opera House Company. Subventionnés par des entreprises riches, des particuliers. Le Metropolitan Opera a ouvert ses portes avec une représentation de Faust de Charles Gounod le 22 octobre 1883, avec la soprano suédoise Christina Nilsson en tant que protagoniste féminin. Le théâtre est ouvert sept mois par an : de septembre à avril. Environ 27 opéras sont mis en scène par saison. Les représentations ont lieu quotidiennement, il y a environ 220 représentations au total. Le théâtre part en tournée de mai à juin. De plus, en juillet, le théâtre donne des représentations gratuites dans les parcs de New York, attirant un grand nombre de spectateurs. Il y a régulièrement des émissions de radio et de télévision. L'orchestre et le chœur du théâtre travaillent en permanence, et les solistes et chefs d'orchestre sont invités sous contrat pour une saison ou pour certaines représentations. Les opéras sont traditionnellement joués dans la langue originale. Le répertoire est basé sur des classiques du monde, y compris ceux des compositeurs russes. Le premier Metropolitan Opera, conçu par J. Cleveland Cady, était situé à Broadway, entre 39 et 40 rues. En 1966, le théâtre a déménagé dans le nouveau Lincoln Center de Manhattan et compte une scène principale et trois scènes auxiliaires. L'auditorium principal peut accueillir 3 800 places et, malgré sa taille, est réputé pour son excellente acoustique.
Le Théâtre Bolchoï de Bordeaux (Grand Théâtre de Bordeaux, France) a été inauguré le 17 avril 1780 avec la création d'Afalia de Racine. Le bâtiment du théâtre a été construit sur la place de la Comédie. C'est dans ce théâtre que le jeune Marius Petipa met en scène quelques-uns de ses premiers ballets. Le théâtre a été conçu par l'architecte Victor Louis (1731-1800), qui a remporté le célèbre Grand Prix de Rome. Louis a également conçu les galeries entourant les jardins du Palais Royal et le théâtre de la Comédie-Française à Paris. La construction du bâtiment du Théâtre Bolchoï de Bordeaux avec une salle de 1000 places a eu lieu de 1773 à 1780. Le Grand Théâtre de Bordeaux a été conçu comme un temple des arts et de la lumière, avec une façade néoclassique dotée d'un portique de 12 colonnes colossales de style corinthien supportant un entablement contenant 12 statues représentant neuf muses et trois déesses (Junon, Vénus et Minerve). La hauteur du bâtiment est de 88 mètres. En 1871, le théâtre fut brièvement le siège du parlement français. L'intérieur du théâtre a été restauré en 1991, l'auditorium a été largement remanié, les couleurs d'origine de son intérieur sont le bleu, le blanc et l'or. Les façades du bâtiment ont été restaurées et équipées d'éclairage. Aujourd'hui, le théâtre abrite l'Opéra National de Bordeaux ainsi que le Ballet National de Bordeaux. Il accueille aussi souvent des concerts symphoniques interprétés par l'Orchestre National de Bordeaux et d'Aquitaine. Le Gran Teatro de Bordeaux est considéré comme l'un des plus beaux théâtres français.
L'Opéra Garnier (Opéra de Paris, Grand Opéra) (Opéra Garnier, Opéra de Paris, Opéra Garnier, Grand Opéra) est un opéra de Paris, l'un des opéras les plus célèbres du monde. Depuis 1989 (après l'ouverture du nouvel opéra "Opéra Bastille" à Paris) il porte le nom de l'architecte "Palais Garnier" ou "Opéra Garnier", néanmoins, les anciens noms sont toujours d'usage. Le bâtiment a été construit en 1875 dans le style néo-baroque (Second Empire), est un monument historique et un chef-d'œuvre d'architecture. Le nombre de places est de 1900. Aujourd'hui, les deux institutions (Opéra Garnier et Opéra Bastille) sont réunies au sein de l'entreprise publique-commerciale « Opéra d'État de Paris ». Le Palais Garnier a été conçu dans le cadre de la grande restructuration de Paris sous le « Second Empire », initiée par l'empereur Napoléon III, et a été dirigé par le baron Georges Haussmann (Haussmann). La raison immédiate de la construction du nouveau théâtre était la tentative d'assassinat de l'empereur, qui a eu lieu le 14 janvier 1858. Napoléon III allait visiter l'opéra de la rue Le Peletier, les révolutionnaires italiens dirigés par Felice Orsini ont lancé trois bombes dans la voiture impériale et le cortège accompagnant l'empereur à l'approche du théâtre. Huit personnes ont été tuées et environ 150 ont été blessées; par accident, Napoléon III lui-même et sa famille n'ont pas été blessés, depuis lors, l'empereur a refusé de visiter l'ancien théâtre et a ordonné d'en construire un nouveau. Fin 1860, un concours d'architecture est annoncé pour le projet de "l'Académie impériale de musique et de danse", en 1861 l'architecte inconnu de 35 ans Charles Garnier (1825-1898) est déclaré vainqueur. Le projet lui-même n'a pas suscité beaucoup de controverse et a été adopté par la majorité, cependant, des désaccords sont survenus entre Garnier et Haussmann sur les environs du palais - Garnier a proposé de faire un parc, et Haussmann était un carré et des immeubles de grande hauteur. La première pierre de la fondation a été posée en 1861 et la construction a commencé en 1862. La construction de l'opéra a duré près de 15 ans et s'est accompagnée de nombreux problèmes. L'un des premiers et principaux problèmes était le sol marécageux et le lac souterrain, qui ont mis près d'un an à s'égoutter. En 1867, l'ouverture préliminaire du théâtre eut lieu, pour l'Exposition universelle de Paris, l'empereur fit terminer au moins la façade principale et en toute hâte, bien avant l'achèvement de tous les travaux, la construction de la façade fut achevée . La légende raconte qu'après le démontage de l'échafaudage, l'épouse de l'empereur, l'impératrice Eugénie, commenta : « Qu'est-ce que c'est, quel est ce style ? Ce n'est pas un style ! ... il n'est ni grec, ni romain, ni Louis XV, pas même Louis XVI », auquel Charles Garnier répond : « Ces styles appartiennent au passé… C'est le style de Napoléon III, madame. la construction a continué, pendant la guerre franco-prussienne, quand il y avait des entrepôts militaires dans le bâtiment inachevé, la chute subséquente du Second Empire français et la Commune de Paris. Pendant ce temps, la construction de temps en temps s'est arrêtée ou a continué et il y avait des rumeurs que la construction d'un opéra pourrait Un nouvel encouragement à la poursuite de la construction fut un incendie au Théâtre Le Plettier.Le Théâtre Le Plettier était le lieu principal de l'Opéra et du Ballet de Paris depuis 1821, le 29 octobre 1873 il y avait incendie, l'incendie a fait rage pendant 27 heures et a complètement détruit le bâtiment. le nouvel opéra, c'était une question de prestige. Le nouveau gouvernement a de nouveau appelé Charles Garnier pour poursuivre les travaux et a affecté de grandes forces et des fonds pour cela. À la fin de construction de 1874 a été achevée. Le palais Garnier est inauguré le 5 janvier 1875. Le vernissage a réuni plus de 2000 invités du monde entier, le concert festif comprenait plusieurs scènes d'œuvres diverses : "Le Muet de Portici" de Daniel Aubert, "Le Juif" de Fromantal Halevy, "Wilhelm Tell" de Giacomo Rossini , "Huguenots" de Giacomo Meyerbeer et le ballet "Brook" Leo Delibes. A l'ouverture il y a eu un incident - les organisateurs de l'événement ont forcé Charles Garnier à acheter un billet, cet incident a tourné en ridicule par la presse : "le gouvernement oblige l'architecte à payer de l'argent pour voir l'ouverture de sa création", soulignant ainsi l'attitude des nouvelles autorités envers les personnes respectées qui travaillaient avec le vieil empereur. L'ensemble de la construction du palais s'est soldé par un coût total de 36 millions de francs en or, au lieu des 20 prévus. Restaient des lieux inachevés, par exemple, la Rotonde des Miroirs et le fumoir. Ce dernier n'a jamais été terminé. L'Opéra Garnier est un immeuble d'un luxe exceptionnel tant à l'extérieur qu'à l'intérieur. Le hall d'escalier principal est l'un des lieux les plus célèbres de l'Opéra Garnier. Bordé de marbre de différentes couleurs, il accueille une double volée d'escaliers menant aux étages du foyer du théâtre et de la salle du théâtre. L'escalier principal est aussi un théâtre, la scène où défilait un public sélect à l'époque des crinolines. Diverses allégories musicales sont représentées sur quatre parties du plafond peint. Le foyer - lieu de promenade des spectateurs pendant l'entracte - est spacieux et richement décoré. La voûte du premier foyer est recouverte d'une belle mosaïque à fond doré. Une belle vue sur tout l'espace de l'escalier principal s'ouvre à partir d'ici. Le grand foyer a été conçu par Garnier sur le modèle des galeries d'apparat des châteaux anciens. Le jeu des miroirs et des fenêtres rend visuellement la galerie encore plus spacieuse. Le magnifique plafond peint par Paul Baudry met en scène des histoires musicales, et la lyre est le principal élément décoratif. Elle est partout dans ce royaume décoratif - des voûtes aux grilles de chauffage et aux poignées de porte. Au centre du foyer, près d'une de ces fenêtres donnant sur l'avenue de l'Opéra jusqu'au Louvre même, se trouve une copie du buste de Charles Garnier par le sculpteur Carpo. Au bout de la galerie avec un bar se trouve le Mirror Salon - une rotonde propre et lumineuse avec une ronde de bacchantes et de faunes au plafond peinte par Clairin, avec des images sur les murs de diverses boissons (thé, café, orangeade, champagne ...), ainsi que des scènes de pêche et de chasse. Achevé après l'ouverture de l'Opéra, le salon conserve l'esprit 1900. L'auditorium rouge et or à l'italienne est réalisé en forme de fer à cheval. Elle est éclairée par un immense lustre en cristal, pesant six tonnes, et le plafond a été peint en 1964 par Marc Chagall. Les fauteuils sont finis en velours. Un magnifique rideau en tissu peint imite une draperie rouge avec de la dentelle et des pompons dorés. L'Opéra Garnier est devenu un exemple architectural inspirant dans la construction de nombreux autres théâtres. Les architectes ont utilisé des éléments de ce style en tout ou en partie. En Pologne, plusieurs bâtiments sont basés sur la conception de Garnier - le théâtre de Cracovie (1893) et la Philharmonie de Varsovie (1901, détruit par les bombardements de 1939 et restauré dans un style différent), en Ukraine - l'Opéra de Lviv (1901 ) et l'Opéra de Kiev (1901), au Brésil - le Théâtre Amazone à Manaus (1896) et le City Opera à Rio de Janeiro (1909), aux États-Unis - le Jefferson Building (1897) et la Bibliothèque du Congrès à Washington , au Vietnam - l'Opéra de Hanoi (1911) et l'Opéra de Ho Chi Minh-Ville (1897), construits pendant la colonisation du Vietnam (le Vietnam était une colonie française), tous sont des copies miniatures de l'Opéra Garnier.
L'Opéra Bastille (opéra de la Bastille) est un opéra moderne situé à Paris, en France. Construit en 1989. Avec l'Opéra Garnier, ils forment l'entreprise publique et commerciale « Opéra d'État de Paris ». C'est le plus grand opéra d'Europe avec un total de 2 703 places dans la grande salle.Le projet de construire un nouvel opéra à Paris, en plus de ceux existants, a été avancé en 1968 par un groupe d'initiative dirigé par le le compositeur Pierre Boulez, le chorégraphe Maurice Béjart et le metteur en scène Jean Vilar. En 1982, le président François Mitterrand décide de construire à Paris un nouvel opéra, « moderne et populaire », faisant découvrir aux masses la musique classique, à laquelle l'Opéra Garnier ne peut plus faire face. En 1983, un concours international a été organisé, pour lequel 756 projets de plus de 1700 architectes ont été soumis. Le gagnant du concours était un architecte uruguayen peu connu et vivant au Canada, Carlos Ott. Pour la construction du nouvel opéra, un emplacement a été choisi à proximité de la place de la Bastille, qui abritait la gare ferroviaire inopérante qui desservait la ville de 1859 à 1969, qui abritait au moment de la démolition plusieurs expositions. Le démantèlement de la gare Bastille a commencé en 1984. L'inauguration du théâtre a eu lieu le 13 juillet 1989 - à l'occasion du bicentenaire de la prise de la Bastille en présence de nombreux chefs d'États. Le Théâtre Bastille a ouvert avec The Night Before Morning de Bob Wilson et un concert de gala mettant en vedette Teresa Berganza, Placido Domingo, Barbara Hendrix et d'autres stars de l'opéra. Cependant, le théâtre n'a commencé à fonctionner régulièrement que le 17 mars 1990 avec la production de l'opéra d'Hector Berlioz "Les Troyens". Le bâtiment du théâtre est principalement composé de verre gris-bleu et est particulièrement beau la nuit, lorsqu'il brille de l'intérieur. La Grande Salle a une forme rectangulaire, plutôt qu'une forme de fer à cheval pour les opéras, et le public est assis devant la scène. Le nouveau théâtre dispose d'un système complexe de plates-formes mobiles avec contrôle automatisé - neuf scènes peuvent être préparées en même temps, si nécessaire, elles peuvent se changer rapidement et passer d'un spectacle à l'autre pendant la journée, en alternant les représentations. Il y a quatre salles à l'intérieur du théâtre : une grande salle de 2 703 places, un amphithéâtre de 450 places, une salle de studio de 237 places et la salle Gounod pour les répétitions d'orchestre. Critique et manque de : Même avant le début de la construction, ce projet a causé beaucoup de critiques et de scandales. Certains ont trouvé le bâtiment trop grand et encombrant, ne s'intégrant pas à l'architecture environnante, et l'ont appelé un "hippopotame". Les premières années de fonctionnement du théâtre se sont accompagnées de fréquentes défaillances dans le contrôle automatisé des mécanismes scéniques, plus tard elles ont été déboguées. La salle elle-même est trop grande et les sièges sont situés loin de la scène, les escaliers sont trop longs, le son est "froid". En raison de la détérioration très rapide de la façade du bâtiment, depuis 1996, le revêtement extérieur a commencé à s'en détacher, ce qui était dangereux pour les passants, et pendant longtemps le théâtre a été contraint d'être recouvert d'un grillage de protection. . L'État a intenté une action en justice contre les entrepreneurs, les accusant de travail de mauvaise qualité. L'État n'a remporté ce processus qu'en 2007, et a commencé à rénover le revêtement en décomposition du bâtiment.
Le Théâtre musical de chambre d'État « Opéra de Saint-Pétersbourg » est un opéra de Saint-Pétersbourg, en Russie. Le théâtre est situé dans un petit mais très confortable manoir du baron von Derviz. Le Théâtre Musical de Chambre a été fondé en 1987 à Leningrad par le principal directeur musical de Russie, qui s'est fait connaître en tant qu'innovateur de l'art de l'opéra, ouvrier d'art honoré de Russie, lauréat du prix national de théâtre « Masque d'or », « Golden Spotlight », Artiste du peuple de Russie YURI ALEXANDROV. Le laboratoire créatif "St. Petersburg Opera", tel que conçu à l'origine par le réalisateur, s'est finalement réorganisé en un théâtre d'État professionnel, bien connu non seulement dans notre pays, mais aussi bien au-delà des frontières de l'espace lyrique russe. Malgré sa jeunesse, le théâtre possède déjà une riche biographie créative. Depuis vingt-trois saisons, le Théâtre de Chambre s'est développé comme un organisme unique de création avec une programmation unique et originale. La troupe du théâtre comprend des solistes talentueux, des musiciens, dont beaucoup sont des artistes honorés de Russie, des lauréats et des lauréats de diplômes de concours internationaux panrusse. Le répertoire de l'Opéra de Saint-Pétersbourg présente toute la palette des genres de l'art lyrique - de l'opéra comique, amateur d'opéra aux drames musicaux, en passant par les opéras d'auteurs contemporains : Le Jeu de Robin et Marion d'Adam de la Alya, le Faucon de Bortniansky, Belaya rose "Zimmerman", "I Believe" Piguzov, "Pied Dog Running by the Edge of the Sea", "Le cinquième voyage de Christophe Colomb" Smelkov, "Bell", "Rita" Donizetti, "Eugene Onegin" de Tchaïkovski, "Boris Godounov" de Moussorgski (1996 nominé pour le Prix national de théâtre "Masque d'or"), "Joueurs - 1942" de Chostakovitch (en 1997, il a reçu le prix de théâtre le plus élevé du Saint-Prix "Masque d'or"), "Rigoletto" de Verdi (en 1998, nominé pour le National Theatre Award "Golden Mask"), "Song of the Love and Death of the Cornet Christoph Rilke" de Mattus (en 1999, récompensé par le National Theatre Prize "Gold mask "dans la nomination" Best Opera Performance ")," La Dame de Pique "de Tchaïkovski (en 2000, nominé pour le National Theatre Award" Golden Mask ")," Beautiful Elena "Offenbach", Antiformalist Paradise "de Chostakovitch", Adrienne Lecouvreur "de Chilea, "Don Pasquale", "Pierre le Grand - Tsar de toute la Russie, ou un charpentier de Livonie" Donizetti, "Gianni Schicchi" Puccini et autres. Le théâtre de l'opéra de Saint-Pétersbourg a mis en scène des opéras qui sont mis en scène à Saint-Pétersbourg uniquement sur la scène du théâtre de chambre - Rita, Bell, Donizetti, le faucon de Bortnyansky, le mariage secret de Chimarosa, The Players - 1942, Antiformalist Paradise "Shostakovich", Adrienne Lecouvreur "Chilia", Pierre le Grand - Tsar de toute la Russie, ou le charpentier de Livonie "Donizetti. Presque tous ces opéras ont été mis en scène pour la première fois en Russie. Le théâtre a tourné en Finlande, Suisse, Allemagne, USA, Moscou, de nombreuses villes de Russie En 1997, le théâtre a organisé et tenu le festival de musique Gaetano Donizetti, au cours duquel le « Requiem » du compositeur italien a été joué pour la première fois en Russie. le bâtiment rénové a eu lieu le jour de l'anniversaire de Saint-Pétersbourg - le 27 mai 2003. Et la première première, qui a commencé un nouveau cycle dans l'histoire de la "St. ala une sensation musicale européenne - le mélodrame humoristique de Gaetano Donizetti "Pierre le Grand - Le tsar de toute la Russie, ou un charpentier de Livonie". Un petit manoir confortable sur la rue Galernaya, qui appartenait au baron S.P. von Dervis a une riche histoire musicale et théâtrale. A la fin du 19ème siècle, il y avait des représentations de "House of Interludes", qui ont été mis en scène par Vsevolod Meyerhold, qui travaillait à l'époque sous le pseudonyme de "Docteur Dapertutto". Ils ont été suivis par le poète et musicien M. Kuzmin, les artistes N. Sapunov et S. Sudeikin, les artistes N. Petrov, B. Kazarova-Volkova. K. Stanislavski, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, E. Vakhtangov, A. Chekhov et de nombreux autres artistes. Depuis 1915, la maison est devenue la "salle de concert et de théâtre", où des concerts ont eu lieu avec la participation de F. Chaliapin, L. Sobinov, A. Duncan. Des concerts et des représentations ont eu lieu dans la grande salle blanche avec une scène spécialement équipée. Ici, par miracle (après les événements du club organisés à l'époque soviétique), l'intérieur a été préservé : murs en stuc baroques avec des sculptures symbolisant des formes d'art, un génie planant avec une lyre à la main sur le portail de scène richement décoré, le von Derviz armoiries sur les vitres des portes d'entrée. D'autres intérieurs du manoir ont également été conservés : le luxueux salon mauresque, recouvert d'ornements dorés, décoré d'un pittoresque panneau de salon en érable, réalisé sous la forme d'une grotte fantaisiste du jardin d'hiver. Le premier propriétaire du manoir était le célèbre homme d'État de la première moitié du XVIIIe siècle, le ministre du cabinet d'Anna Ioannovna A. P. Volynsky, exécuté en 1740 pour avoir participé à un complot contre le duc de Biron. Ensuite, la maison appartenait à sa fille, qui épousa le comte I.I. Vorontsov. La maison appartenait autrefois aux marchands Schneider, Balabin, puis au prince Répine. En 1870, l'architecte F.L. Miller est en train de redessiner la façade et d'ajouter un autre bâtiment. En 1883, la maison est achetée par le baron S.P. von Dervies. Architecte P.P. Schreiber reconstruit des maisons du côté de la Promenade des Anglais et de la rue Galernaya, les unissant par une façade commune. Sergei Pavlovich von Derviz (1863 - 1918) est un descendant de l'ancienne famille Wiese, originaire d'Allemagne. Au milieu du XVIIIe siècle, John-Adolph Wiese, qui a servi en Suède, est entré au service russe en tant que juge-conseil et a été élevé à la dignité du Saint Empire romain, avec l'ajout de « von der ». Son Sergei avait le rang de véritable conseiller privé et le rang de chambellan de la plus haute juridiction. Il possédait des mines et des domaines dans les provinces de Kiev, Riazan et Orienburg. Lui, comme sa mère, est devenu célèbre pour son travail caritatif. L'attention principale a été accordée aux intérieurs de la maison, qui, selon la mode de l'époque, ont été réalisés dans des styles différents. En 1902, la maison du côté du remblai est construite sur deux étages, perdant ainsi l'aspect d'un hôtel particulier. En 1909, S.P. von Dervies vendit la maison en la divisant en trois parties. Le premier a été acheté par l'épouse du lieutenant-général A.A. Ignatieva, à gauche (y compris le manoir sur Galernaya) - N.N. Shebeko. L'hôtel particulier a subi une reconstruction selon le projet de l'architecte A.P. Maksimov et sous cette forme a survécu à ce jour. En 1911 - 1913, la Maison des Interludes de V. Meyerhold était située ici - un théâtre-restaurant bohème innovant avec un répertoire particulier. Depuis 1913 - la salle de théâtre de N. Shebeko. Après la révolution - le comité de district du RKPb, le Syndicat des métallurgistes, la Maison estonienne de l'éducation. De 1946 à 1991 - le club Mayak. Le 27 mai 2003, le jour du 300e anniversaire de Saint-Pétersbourg, après une longue restauration, le manoir est redevenu une salle de théâtre. L'opéra et la musique symphonique sonnent ici, de nouvelles productions du Théâtre de l'Opéra de Saint-Pétersbourg, fondé et dirigé par Yuri Alexandrov, sont nées. Informations sur le site officiel du théâtre : http://www.spbopera.ru
Théâtre national académique d'opéra et de ballet de Donetsk. UN B. Solovyanenko est un opéra de Donetsk, en Ukraine. Il a été créé en 1932 dans la ville de Lougansk sur la base de l'opéra mobile de la rive droite ukrainienne. Dans les documents du Commissariat du peuple à l'éducation d'Ukraine, à partir du 15 mars 1932, il est proposé de transférer l'opéra mobile à la disposition du Donetsk Theatre Trust pour le service permanent de la population du Donbass. La première saison théâtrale a été ouverte avec l'opéra "Prince Igor" d'A. Borodine le 1er septembre 1932. Le directeur artistique et directeur du théâtre était l'artiste émérite de la République Nikolai Nikolaevich Bogolyubov, le directeur musical et chef d'orchestre du théâtre était l'artiste honoré de la République Alexander Gavrilovich Erofeev. chef d'orchestre Max Cooper, directeur Alexander Zdikhovsky, chorégraphe Mark Zeitlin, artistes - Oles Vlasyuk, Eduard Lyakhovich Dans le répertoire de théâtre de 1935: "La reine de pique", "Eugene Onegin" de P. Tchaïkovski , "Carmen" J. Bizet, "Faust" Sh Gounod, "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" de G. Verdi, "Madame Butterfly" de G. Puccini, "Pagliacci" de R. Leoncavallo, "Le Barbier de Séville" de G. Rossini, "Zaporozhets au-delà du Danube" de S. Gulak-Artemovsky, "Contes d'Hoffmann" de J. Offenbach ; ballets : "Raymonda", "Red Poppy" de R. Glier, "Ferengi" par B. Yanovsky. Le théâtre était composé de 40 danseurs de choeur, 45 danseurs de ballet, 45 artistes d'orchestre, 3 solistes. Au total, 225 personnes travaillaient dans le théâtre. En 1940, un groupe de maîtres talentueux de la scène lyrique s'était formé : les chefs E.M. Shekhtman, A.F. Kowalski ; directeur A.A. Zdikhovsky, artiste E.I. Lyakhovich, P.I. Zlochevski. Les premiers interprètes qui ont fait la renommée du théâtre étaient Yuri Sabinin, Nadezhda Lototskaya, Alexander Martynenko, Pavel Nikitenko, Tamara Sobetskaya, Tamara Podolskaya et d'autres.En 1936, la construction du théâtre a commencé à Donetsk. L'architecte en chef de la construction était Ludwig Ivanovich Kotovsky, l'ingénieur en chef était Solomon Davidovich Krol. Le 12 avril 1941, le Théâtre musical de Donetsk ouvre sa saison dans un nouveau bâtiment de théâtre, conçu par l'architecte Ludwig Ivanovich Kotovsky, avec la première de l'opéra de M.I. Glinka "Ivan Susanin" (directeurs: directeurs IM Lapitsky, YS Presman, chef d'orchestre AF Kovalsky, artiste EI Lyakhovich). Aujourd'hui, le bâtiment du théâtre est un monument architectural. Le premier directeur et directeur artistique du théâtre était un metteur en scène d'opéra exceptionnel, un adepte du système Stanislavsky dans le théâtre musical, Artiste émérite de la RSFSR Yosif Lapitsky Les premiers artistes sont arrivés au théâtre de Donetsk en provenance de Moscou, Leningrad, Kiev, Lugansk et Vinnitsa. L'orchestre était composé des meilleurs musiciens des théâtres d'opéra et de ballet de Lugansk et de Vinnitsa, de la Société philharmonique régionale de Staline. Dès les premiers jours d'organisation du collectif, un travail a été mené avec le public : visites de performances, conversations, concerts. De nouvelles productions d'opéras et de ballets ont été réalisées. L'affiche de répertoire pour 1941 comprenait : Faust, opéra de Charles Gounod, créé le 4 mai 1941, Pagliacci, opéra de R. Leoncavallo, créé le 22 mai, l'opéra de G. Rossini Le Barbier de Séville, créé en juin... La première du premier ballet "Laurencia" d'A. Kerin a eu lieu le 7 août 1941. Le rôle de Laurencia a été dansé par Nina Goncharova, plus tard Artiste émérite d'Ukraine. la création de nouveaux spectacles et des activités de concert menées dans les unités militaires et les hôpitaux. En avril 1944, le théâtre est revenu de l'évacuation. Et déjà en septembre 1944, le théâtre a accueilli la première de l'opéra d'A. Borodine "Prince Igor "." Danses polovtsiennes "dans le L'opéra a été mis en scène par le chorégraphe du Théâtre Bolchoï, Artiste émérite de la République Kasyan Goleizovsky. Le théâtre est en train de devenir le centre de la culture musicale de la région de Donetsk, une scène pour l'art ukrainien et étranger, classique et moderne, de l'opéra et du ballet, opérette classique, spectacles musicaux pour enfants.En 1946, un studio chorégraphique est organisé au théâtre, dirigé par Avila Klavdiya Vasina (soliste du ballet de l'Opéra national d'Ukraine). Grâce à ce studio, la troupe de Donetsk s'est reconstituée en jeunes artistes, ce qui a contribué à la mise en scène de spectacles de ballet. La troupe de ballet du théâtre sous la direction du chorégraphe en chef du théâtre A.P. Girman. En 1947, les premières représentations de ballet ont eu lieu - le ballet "La fontaine de Bakhchisaraï" de B. Asafiev, qui figurait au répertoire du théâtre pendant 38 ans, et "Liley" de K. Dankevich. En 1948, la première du ballet "Le Lac des cygnes" de P. Tchaïkovski a eu lieu. En septembre 1947, le Théâtre musical russe de Donetsk a été renommé Théâtre d'opéra et de ballet d'État russe de Staline. En 1961, il a été renommé Opéra d'État russe de Donetsk et théâtre de ballet. Dans l'ex-URSS, le théâtre de Donetsk était appelé « le laboratoire de l'opéra moderne ». performances au cours des années de son travail au théâtre. Pour la première fois en Ukraine, c'est sur la scène du Théâtre d'opéra et de ballet de Donetsk que les opéras suivants ont été mis en scène : Fiançailles dans un monastère, Semyon Kotko, S. Prokofiev, Don Juan, WA Mozart, Andre Chenier, U . Giordano, Yaroslav le Sage "Y. Meitus et autres. Le théâtre d'opéra et de ballet de Donetsk a été l'un des premiers en Ukraine à se tourner vers les œuvres de compositeurs ukrainiens modernes, mettant en scène les performances" Sorochinskaya Fair ", " Oksana " basé sur le poème de T. Shevchenko, « Slip », « Naymichka » V Homolyaki, « Marusya Boguslavka » A. Sveshnikov, « Chanson Lisova » N. Skorulskaya, « Nezrazhena love » L. Koloduba, « Katerina » N. Arkas, « Lileya » K . Dankevich, "Zaporozhets au-delà du Danube" S. Gulak-Artemovsky, "Natalka Poltavka" N. Lysenko. Sur la scène du théâtre de Donetsk ont été organisées des représentations de compositeurs des républiques nationales: "Shurale" F. Yarullin, "Keto et Kote" V. Dumbadze, "Spartak" A. Khatchatourian, "Mille et une nuits" F. Amirova et d'autres. La gloire et la fierté du théâtre à différentes années étaient des artistes de renom: Yu. Sabinin, E. Gorchakova, T. Podolskaya, A. Kolobov, A. Galenkin, Yu. Gulyaev, A. Korobeichenko, N. Momot, V. Zemlyansky, G. Kalikin, R. Kolesnik, M. Vedeneva, A. Boytsov, réalisateur - A. Zdikhovsky, artistes - V. Moskovchenko, B. Kupenko, V. Spevyakin; chef d'orchestre - T. Mikitka, et sur la scène du théâtre de Donetsk au cours des années différentes ont dansé et chanté des personnalités et des maîtres de scène tels que les artistes du peuple de l'Union soviétique Ivan Kozlovsky, Sergey Lemeshev, Maria Bieshu, Olga Lepeshinskaya, Marina Semenova, K. Shulzhenko, A. Solovyanenko et bien d'autres. autre. Le 2 novembre 1977, le théâtre a reçu le titre « académique ». En 1992, l'école des compétences chorégraphiques de Vadim Pisarev a été créée au théâtre. Par décret du Cabinet des ministres de l'Ukraine du 9 décembre 1999, le théâtre a été nommé d'après A. B. Solovyanenko. Depuis 1993, le théâtre accueille un festival international "Stars of the World Ballet", dont le fondateur et directeur artistique est Vadim Pisarev, Artiste du peuple d'Ukraine, lauréat des concours internationaux de ballet à Moscou, Helsinki, Paris, Jackson. Maintenant, Vadim Pisarev est le directeur artistique du théâtre et se concentre sur les traditions et les performances du ballet classique. Au fil des ans, environ 300 des danseurs les plus forts de 25 pays du monde ont participé au festival. En novembre 2009, a eu lieu le XVIe Festival international « Stars of the World Ballet ». En 2009, le théâtre a accueilli le VI Festival international de spectacles de ballet pour enfants "Grand Pa" - le plus jeune et le seul d'Ukraine. Créé par les efforts de la direction du théâtre, "Grand Pa" a déjà sa propre histoire et ses fans. Des élèves de différentes écoles chorégraphiques d'Ukraine, de pays de l'étranger proche et lointain participent au festival. Aujourd'hui, la troupe de ballet du théâtre emploie des maîtres déjà reconnus et des jeunes talentueux qui ont été reconnus lors de concours internationaux de ballet. Des professeurs-tuteurs talentueux et expérimentés travaillent avec le collectif d'artistes : le chorégraphe en chef du théâtre, l'artiste du peuple d'Ukraine E. Khasyanova, l'artiste du peuple d'Ukraine G. Kirillina, l'artiste émérite d'Ukraine E. Ogurtsova. Le public de nombreuses villes et républiques de l'ex-Union soviétique, ainsi qu'à l'étranger : Allemagne, Pologne, Tchécoslovaquie, Bulgarie, Yougoslavie, Suède, Autriche, Norvège, connaît l'art de l'opéra et du ballet du Théâtre d'opéra et de ballet de Donetsk. La troupe de ballet du théâtre est invitée à faire des tournées aux USA, en Angleterre, au Japon, en Chine, en Corée ; une troupe d'opéra, un orchestre symphonique et un chœur - en Italie, en Espagne, en Suisse. Le chœur du théâtre sous la direction du chef de chœur en chef du théâtre, l'artiste du peuple d'Ukraine Lyudmila Streltsova, en plus de participer aux tournées du théâtre, a tourné à plusieurs reprises avec un vaste programme de concerts, comprenant des œuvres de classiques choraux mondiaux, en Espagne , Suisse, Belgique, France, etc. Aujourd'hui, la chorale du théâtre est reconnue comme l'une des meilleures d'Ukraine. Le répertoire du théâtre comprend des représentations qui ne sont présentes dans aucun autre opéra en Ukraine : "Bogdan Khmelnitsky" de K. Dankevich, "Falstaff", "Love Drink" de G. Donizetti. En 2009, le théâtre a reçu le statut de "national ". Bâtiment du théâtre. Le théâtre a été construit selon le projet de l'architecte L. Kotovsky, qui s'est efforcé d'atteindre une monumentalité solennelle des formes, une expressivité convaincante et de nouvelles solutions de planification. Après avoir retravaillé les méthodes de composition de la Renaissance, construites sur une grandeur calme et harmonieuse proportions des volumes, le bâtiment du théâtre est couronné de bas-reliefs et de sculptures volumétriques qui soulignent et complètent l'architecture principale Le bâtiment du théâtre a été initialement conçu pour des représentations dramatiques.Après le décret portant création d'un théâtre musical, il a fallu faire un certain nombre d'ajustements dans le processus de construction dans les décisions de planification individuelles.L'architecture du théâtre est résolue dans le style classique.La façade principale avec une loggia fait face à la place du théâtre.La hauteur de la façade est de 100 La superficie du Rhône est d'environ 30 mètres. Le bâtiment est situé le long de l'axe de l'avenue Teatralniy, entre la rue Artyom et le boulevard Pouchkine. La place et l'escalier offrent une approche pratique du théâtre de trois côtés. L'auditorium, le foyer, les plafonds et les murs du théâtre sont somptueusement décorés de moulures et de dorures claires correspondantes. Des bustes sculpturaux de compositeurs, d'écrivains et des vases décoratifs sont installés dans des niches séparées du foyer. L'auditorium est conçu comme un parterre de 650 places et une mezzanine de 320 places, avec de petits balcons. Des bustes de compositeurs et poètes exceptionnels sont installés dans des niches au-dessus de la mezzanine et des balcons de l'auditorium. La forme de construction des rangées de sièges dans les stalles et sur la mezzanine est telle qu'elle offre une bonne visibilité. Au centre du plafond de la salle se trouve un grand lustre en cristal. Le théâtre a une scène mécanisée, la superficie de la scène principale est de 560 m². m. en 1989-1994. le théâtre était en cours de reconstruction et de refonte sélective.
Tous les fans de musique classique seront certainement intéressés à découvrir quels opéras sont reconnus comme les meilleurs au monde, même si, bien sûr, ce sujet peut être discuté pendant des heures. Les œuvres d'opéra occupent à juste titre une niche importante dans la branche des œuvres musicales et dramatiques, elles étaient vénérées par les cercles les plus aristocratiques de notre société et, il faut le noter, restent populaires à ce jour.
Comme vous le savez, les œuvres d'opéra sont différentes - romantique, comique, opéra-ballet, etc. - cependant, parmi elles toutes, il y a celles qui sont reconnues comme les meilleures des meilleures. Voyons de quoi il s'agit.
- La Traviata de Giuseppe Verdi
Notre top 10 des opéras les plus célèbres au monde est ouvert par La Traviata, écrit par le compositeur Giuseppe Verdi. Un fait intéressant est que la première production, qui a eu lieu à Venise en 1853, a subi un échec cuisant, cependant, après plusieurs modifications, elle a acquis une renommée et une renommée mondiales. L'opéra raconte l'histoire d'une belle courtisane atteinte d'une maladie incurable, dont la vie est pleine d'amour, d'intrigues, de tromperie, de remords tardifs et même d'abnégation.
- "Guerre et Paix", S. Prokofiev d'après le roman de Léon Tolstoï
Si vous avez lu un livre ou au moins regardé le film du même nom, alors, à coup sûr, vous savez à quoi cela sert. Des bals somptueux, des dames sophistiquées, la très jeune Natasha Rostova, des officiers français, des habitants ordinaires et les actions qui se déroulent sur fond de guerre de 1812. Le plan de l'opéra se compose de deux parties et comprend un spectacle divisé en deux soirées, cependant, il existe également une version abrégée spéciale pour une soirée.
- Carmen, Georges Bizet
Peut-être l'une des œuvres les plus reconnaissables dans le monde de la musique classique, des mélodies et même des airs entiers de "Carmen" sont connus du peuple, ils peuvent souvent être entendus dans des films ou même des dessins animés. La première production de "Carmen" a eu lieu à Paris en 1875, et, encore une fois, s'est soldée par un échec complet, elle a été critiquée en mille morceaux, ce sont peut-être les discussions houleuses de la création qui ont créé sa future popularité pour "Carmen". Après un peu de raffinement, elle est de nouveau apparue sur la scène parisienne, après quoi elle a poursuivi sa marche triomphale à travers l'Europe, l'Amérique et la Russie.
- Lucia di Lammermoor, G. Donizetti
L'opéra tragique du compositeur italien, qui est aujourd'hui l'un des meilleurs exemples du style bel canto. Si on parle de l'intrigue, cela rappellera fortement "Roméo et Juliette", car ici, comme là, il y a une histoire tragique d'amoureux, d'erreurs fatales, de clans en guerre, de sentiments passionnés, de folie et de mort amère dans le final.
- La Bohème de Giacomo Puccini
L'histoire sincère et tragique de la couturière Mimi et de son poète bien-aimé Rodolphe, qui se déroule sur fond de vie de la bohème parisienne d'alors. L'œuvre a été publiée pour la première fois en 1896, elle reste aujourd'hui l'une des plus populaires au monde et ses airs sont inclus dans le programme de concert obligatoire de tout artiste d'opéra qui se respecte.
- Le Barbier de Séville de Gioacchino Rossini
Un opéra comique et vibrant qui raconte l'histoire du barbier rusé et spirituel Figaro. Il se trouve que le comte Almavive est tombé amoureux de la belle Rosina, et Figaro l'aide de toutes ses forces à atteindre l'emplacement de la belle. L'œuvre est espiègle et fascinante, pleine de drôles de malentendus et de confusion. La première, comme de nombreuses autres œuvres célèbres, a échoué, cependant, au fil du temps, "Le Barbier de Séville" a commencé à jouir d'une popularité rapide parmi le public, qui continue à ce jour.
- La Flûte enchantée, W. A. Mozart
Est-il possible d'imaginer une liste d'opéras qui n'inclurait pas le nom du compositeur de génie Mozart ? Son opéra le plus célèbre et le plus joué est probablement La Flûte enchantée, qui a été créé pour la première fois à Vienne. Le compositeur lui-même était le chef d'orchestre ! Au centre de l'histoire se trouve le prince Tamino, qui traverse toutes les épreuves et difficultés afin d'obtenir l'amour et l'affection de la fille de la reine de la nuit.
- "Les Noces de Figaro", W. A. Mozart
Encore une œuvre de Mozart, qui raconte le tumulte des préparatifs du mariage du valet de Figaro et de la jolie demoiselle Suzanne. Et les tracas, comme il s'est avéré, suffisent! Tout cela est fait d'une manière humoristique et très édifiante. L'opéra a été créé pour la première fois à Vienne en 1786, mais n'a été pleinement reconnu qu'après une deuxième mise en scène à Prague la même année.
- "Eugène Onéguine", P. Tchaïkovski
L'œuvre la plus célèbre du compositeur russe, sans laquelle la liste des opéras les plus célèbres au monde ne serait pas complète. "Eugène Onéguine" combine parfaitement la mélodie des paroles de Pouchkine et l'harmonie de la musique de Tchaïkovski, soit dit en passant, c'est l'un de ces opéras célèbres qui connaît un grand succès auprès du public occidental.
- Norma de Vincenzo Bellini
On l'appelle ultra-classique, en particulier l'air magnifique et extrêmement complexe "Casta Diva". La première de l'opéra eut lieu en 1831 à Milan. À notre époque, seuls quelques-uns étaient capables de faire face aux parties les plus difficiles des sopranos, parmi lesquelles Galina Vishnevskaya et l'inégalable Montserrat Kaaballe.
Les amateurs de musique classique peuvent discuter pendant des heures pour savoir quels opéras sont les meilleurs. Chaque critique musical a sa propre liste, sans oublier les musiciens, chefs d'orchestre ou chanteurs. Le site Operabase, qui collecte des données sur les performances dans plus de 700 pays à travers le monde, a compilé les siennes, sur la base de statistiques. Les éditeurs ont découvert quels opéras sont le plus souvent joués dans le monde entier et les ont déclarés les meilleurs.
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"La Traviata"
L'opéra La Traviata de Giuseppe Verdi se retrouve le plus souvent sur les affiches des opéras du monde. Il a été créé pour la première fois à Venise le 6 mars 1853. L'histoire d'une belle courtisane, se déroulant sur fond de vie sociale parisienne, pleine d'amour, de tromperie, d'abnégation, de remords tardifs et se terminant par la mort tragique du personnage principal par consomption dans le final, était vouée au succès. Le meilleur air est le duo de Violetta et Alfredo "Semper Libera".
Dans l'opéra moderne, le duo de la diva russe Anna Netrebko et du chanteur d'opéra mexicain Rolando Villazon est reconnu comme l'un des meilleurs duos interprétant "Semper Libera"
"Carmen"
L'opéra "Carmen" est devenu un phénomène à part entière dans la culture mondiale. Des mélodies reconnaissables et des airs entiers qui en découlent résonnent dans d'innombrables films, séries télévisées et même dessins animés. L'opéra a été joué pour la première fois sur la scène parisienne le 3 mars 1875. Son livret est basé sur le célèbre roman du même nom de Prosper Mérimée. Le célèbre ballet Carmen Suite reprend la musique de Bizet orchestrée par Rodion Shchedrin. L'air le plus célèbre de cet opéra est "Habanera".
En russe, les mots "Habanera" (l'une des traductions les plus populaires) sonnent comme ceci: "L'amour, comme un oiseau, a des ailes - il ne peut en aucun cas être attrapé."
"Bohême"
L'opéra de Giacomo Puccini n'est pas seulement l'un des plus joués au monde, des airs de celui-ci sont nécessairement inclus dans le programme de concerts des meilleurs chanteurs d'opéra du monde. Ainsi, « Che gelida manina » fait partie de ces airs sans lesquels aucune interprétation du célèbre Luciano Pavarotti ne peut faire. Pour la première fois, la tragique histoire d'amour du poète Rodolphe et de la petite couturière Mimi, se déroulant sur fond de vie de bohème parisienne, est publiée à Turin en 1896.
"Flûte magique"
Aucune liste d'opéras célèbres ne serait complète sans les œuvres du génie Wolfgang Amadeus Mozart. L'un de ses opéras les plus joués est La Flûte enchantée. Il a été mis en scène pour la première fois à Vienne, l'orchestre était dirigé par le compositeur lui-même. Cet opéra est une rare exception parmi les histoires tragiques présentées par des compositeurs célèbres, La Flûte enchantée est véritablement la création du "soleil" Amadeus. Le personnage principal - le prince Tamino - passe toutes les épreuves du sorcier Sarastro et reçoit son amour en récompense - la fille de la reine de la nuit, Pamino. L'air le plus célèbre de cet opéra, Der Holle Rache, est interprété par la reine elle-même.
"Aspiration"
Les listes des opéras classiques les plus populaires incluent souvent différentes œuvres du même compositeur. Tosca a également été écrit par Giacomo Puccini. Le livret de l'opéra est basé sur une pièce créée spécialement pour la grande Sarah Bernhardt. L'action des pièces de théâtre et des opéras se déroule dans le contexte d'événements historiques réels qui ont eu lieu à Rome au cours de l'été 1800. L'insidieuse Scarpia, la jalouse et belle Tosca, son artiste bien-aimé Cavaradossi - ce sont les personnages de la tragédie qui se déroule devant le public. Le célèbre air "Vissi d'Arte" est particulièrement populaire interprété par la magnifique soprano Maria Callas.
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Le Barbier de Séville et Les Noces de Figaro
Le Barbier de Séville est un opéra-comique de Gioachino Rossini. Cette histoire du barbier rusé Figaro, qui a aidé le comte Almaviva à obtenir la main de la belle Rosine, est pleine de confusion, de ruse, d'incompréhension et de déguisement. L'opéra de Mozart Les Noces de Figaro nous raconte ce qui est arrivé aux héros de cette histoire quelques années plus tard. Ici, Almaviva n'est plus un jeune homme amoureux, mais un bon vivant qui s'ennuie, essayant de gagner l'amour de la jolie servante Susanna, la bien-aimée de Figaro, qui devient sa chambellan. L'opéra de Mozart est aussi comique, léger et avec une fin heureuse. L'air le plus célèbre est « Largo al factotum della citta ».
Albina Shagimuratova dans le rôle de la reine de la nuit dans La Flûte enchantée. Photo - Mike Hoban
De la Reine de la Nuit à Norma, Brunhilde et Turandot. Nous avons dressé une liste des parties les plus difficiles pour une soprano.
Une grande soprano a-t-elle des limites ? De nombreux rôles ont été écrits pour cette voix que nous admirons et apprécions : tout au long de l'histoire de l'opéra, ils ont ouvert au monde de nouveaux talents dans le monde de la musique et du théâtre. Ici, nous avons rassemblé certains de nos favoris, à commencer par ...
Reine de la nuit - "La Flûte enchantée" de Mozart
Mozart a écrit le rôle de la Reine de la nuit pour sa belle-sœur Joseph Hofer, célèbre pour sa technique de chant virtuose et son timbre élevé. Deux airs dramatiques de Queen of the Night sont remplis de colorature.
Hélène - "La Dame du Lac" de Rossini
Helene est l'un des nombreux rôles que Rossini a écrits pour sa première femme, Isabella Colbrand. Elle avait une gamme de voix extrêmement large, qui est exactement la gamme nécessaire pour jouer Helen. L'opéra se termine par l'un des meilleurs airs féminins de Rossini - "Tanti affetti".
Norma - La "Norma" de Bellini
L'exécution des pièces de Norma demande une grande endurance physique, une habileté technique et (ce qui est particulièrement vrai pour l'air "Casta diva") du lyrisme et de la beauté du timbre.
Cependant, les difficultés ne s'arrêtent pas là : l'interprète de la soirée Norma doit transmettre les émotions diverses et très fortes de l'héroïne, tiraillée entre dévotion à la religion et envie, passion et amour maternel.
Lucia - "Lucia di Lammermoor" de Donizetti
Lucia est une autre partie qui requiert une grande force physique de la part de la soprano. Au cours de trois actes, le chanteur doit conserver suffisamment de force pour chanter la fameuse scène de folie - une cadence époustouflante accompagnée d'un harmonica de verre.
Abigail - Nabucco de Verdi
Le jeu d'Abigail est vraiment difficile. Il nécessite une voix très forte et en même temps légère de l'interprète, capable de passer des registres inférieurs aux registres supérieurs en un clin d'œil. Même dans les airs les plus lyriques d'Abigail (« Anch'io dischiuso un giorno »), il y a une transition de deux octaves.
Brünnhilde - "Anneau des Nibelungen" de Wagner
Le rôle de Brünnhilde est souvent considéré comme le défi le plus sérieux pour toute soprano dramatique. La voix doit sonner aussi confiante dans les registres supérieurs - dans son cri de guerre au tout début de l'opéra - que dans les registres inférieurs, comme, par exemple, dans La Mort des dieux. L'héroïne doit être décisive, douce, vindicative et noble.
Mais surtout, elle doit être assez forte pour interpréter des rôles dans trois opéras, dont chacun dure environ cinq heures !
Olympia - "Les Contes d'Hoffmann" d'Offenbach
La poupée Olympia n'est sur scène que pendant environ une demi-heure, la plupart du temps en disant simplement oui. Cependant, son air "Les oiseaux dans la charmille" est un mélange de performance virtuose et de tension physique incroyable, où presque chaque bar est décoré de colorature raffinée.
De plus, ce rôle nécessite des compétences d'acteur considérables : la poupée s'arrête périodiquement et interrompt brusquement le chant.
Electra - "Electra" de Richard Strauss
L'opéra ne dure que 90 minutes, donc Electra est un rôle relativement court, mais incroyablement lourd. Cet opéra est l'un des opéras les plus dramatiques avec la participation de sopranos. D'un point de vue musical, elle est très complexe, de plus, la chanteuse a besoin de transmettre la tendresse de l'héroïne dans la scène de ses retrouvailles avec Orest. De plus, il faut garder suffisamment d'énergie pour danser dans la partie finale de l'opéra.
Turandot - "Turandot" Puccini
Comme Electra, le rôle de Turandot requiert une voix forte et aiguë et la capacité de jouer avec aisance des airs profondément dramatiques. Mais l'histoire de l'héroïne en elle-même est aussi un défi pour la chanteuse : elle a besoin de susciter la sympathie du spectateur pour son héroïne - une princesse impitoyable - et de convaincre qu'elle mérite le bonheur.
Lulu - "Lulu" Berg
Pour interpréter l'air de Lulu, qui change l'idée des limites des capacités humaines, il faut avoir une tessiture de trois octaves et pouvoir faire des transitions d'un lyrisme intense à une colorature vive, parfois dans le même air. Pendant les quatre heures que dure l'opéra, l'interprète ne disparaît pas de la scène.
Ariel - "La Tempête" de Thomas Ades
C'est peut-être la partie "la plus haute" jamais écrite pour une soprano. Les notes aiguës ne se limitent pas à la colorature, certaines des parties lentes de l'aria doivent également être jouées dans les registres supérieurs - c'est un défi important pour la soprano.
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14.03.14 13:06
Un grand spectacle passionnant ! Ensembles complexes et costumes complexes. Intrigue dramatique (livret ou source littéraire) et interprètes talentueux. Des performances solo qui prennent du cœur - certaines d'entre elles sont entendues même par des personnes éloignées de l'art. Tout cela est un grand genre né à la fin du XVIe siècle - l'opéra.
Les meilleurs opéras du monde
Amour brisé
Même un amateur nommera immédiatement les opéras les plus populaires. Cela vaut la peine d'essayer de "courir" à travers certains d'entre eux - les gouttelettes de diamant d'un énorme ruisseau orageux. Et il faut commencer par les Italiens - c'est dans ce pays ensoleillé que l'opéra est né autrefois.
« Riez, clown, de l'amour brisé ! C'est l'air du désespéré et jaloux Canio, qui s'occupait cruellement de sa femme et rivale. Le thème de l'amour malheureux est l'un des plus courants dans ce genre. Ainsi Ruggiero Leoncavallo parle d'elle dans l'opéra "Pagliacci". Son héroïne, une artiste du théâtre errant Nedda, voulait une vie sédentaire et la paix dans les bras du jeune paysan Silvio, seul son mari ne le lui permettait pas. La pièce de Canio a été écrite pour ténors, elle a été choisie pour le répertoire de Caruso et Pavarotti, del Monaco et Domingo.
La triste histoire de sa relation avec la courtisane Duplessis, décédée de la tuberculose, a été décrite dans son roman de Dumas Jr. Il a été séparé de sa bien-aimée par un père autoritaire. L'intrigue a été utilisée par Giuseppe Verdi. Le personnage principal de La Traviata, Violetta, languit également, et leur romance avec Alfredo est vouée à l'échec.
Vengeance et trahison
Un autre opéra de Verdi, Rigoletto, porte le nom du personnage central, le bouffon. Sa fille a été séduite par un duc râteau (celui qui chantait : "Le cœur d'une beauté est sujet à la trahison..."). Le vieil homme avait soif de vengeance, mais la victime était la jeune Gilda.
Giacomo Puccini est entré dans l'histoire de la musique avec des œuvres non moins célèbres. Comment retenir ses larmes en entendant l'air de Cavaradossi, interprété par lui avant son exécution ? La tosca est très demandée dans les répertoires théâtraux. Cette triste histoire se termine par le suicide du personnage principal - comme celui qui est raconté dans "Madame Butterfly". Devenue l'épouse d'un officier américain, puis trahie par son bien-aimé, l'ancienne geisha Chio-Chio-san n'a pas pu vivre. La tragédie de l'opéra de Puccini a été remarquablement bien rendue dans le rôle-titre de la grande Maria Callas.
Dans le monde des contes et légendes
Bien avant les Italiens passionnés, le génie Mozart a travaillé. Légère et romantique, La Flûte enchantée est toujours une friandise pour de nombreux chanteurs. Anna Netrebko brillait à l'image de Pamina. L'Autrichien a également écrit le rôle de la Reine de la nuit pour la soprano. Mais il est si bien interprété par l'un des solistes du Chœur Turetsky, qui a un très rare ténor-altino Mikhail Kuznetsov - écoutez et voyez !
Une mélodie fréquemment citée (en particulier dans les films) est la soi-disant "Flight of the Walkyries". Ceci n'est qu'une fraction de l'énorme travail de Richard Wagner "Ring of the Nibelungen". Basé sur la mythologie germanique et islandaise, il se compose de 4 opéras. Le compositeur travaille sur cette création épique depuis plus d'un quart de siècle et la durée totale de son exécution est de 15 heures. Des héros et des sorciers, des dieux et des nains maléfiques sont impliqués dans l'intrigue, et sa base est la recherche de l'or maudit.
Grands compatriotes
L'idée originale d'Alexandre Borodine est consacrée à des événements historiques (il n'a pas réussi à le terminer, ses camarades compositeurs ont terminé l'opéra) "Prince Igor". Différentes variations des "Danses Polovtsiennes" peuvent souvent être entendues lors des compétitions de patinage artistique, ils sont très friands de cette musique. Et la chorale de filles "Envolez-vous sur les ailes du vent" a été incluse dans la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'hiver de 2014.
L'une des pages tragiques de notre passé est décrite dans "Boris Godounov" de Modeste Moussorgski. Dans le rôle-titre, Fiodor Chaliapine était très bon, et l'épisodique, mais une image aussi mémorable du Saint Fou a été créée, chacun à son rythme, par Sergei Lemeshev et Ivan Kozlovsky.
Les œuvres d'Alexandre Pouchkine ont formé la base de deux œuvres immortelles de Piotr Tchaïkovski. Le pic de la saison 2013 à l'Opéra de Vienne a été marqué par la production d'Eugène Onéguine avec les inimitables Netrebko et Dmitry Hvorostovsky dans les rôles de Tatiana et Onéguine. Les billets pour le spectacle ont été commandés un an à l'avance !
Et qui n'a pas entendu le célèbre air d'Herman dans La Dame de Pique ! Pendant de nombreuses années consécutives, elle a ouvert des batailles télévisées dans le club d'élite « Quoi ? Où? Lorsque?".
Un nouveau mot dans le genre classique
Le vingtième siècle a donné l'art lyrique russe et mondial "Lady Macbeth du district de Mtsensk", créé par Chostakovitch sur la base d'une histoire sombre de Nikolai Leskov. Elle était pleine d'une passion débridée, qui a ruiné le personnage principal. Dans l'adaptation cinématographique de l'opéra (ainsi que sur scène), Galina Vishnevskaya était délicieuse.
En 1970, un opéra rock est apparu - un nouveau mot révolutionnaire dans le genre classique - "Jesus Christ Superstar". L'expérimentateur Andrew Lloyd Weber a raconté l'histoire de l'évangile et le rôle du Christ a été interprété par le soliste de Deep Purple Ian Gillan.
... Habanera enflammée de "Carmen" du Français Bizet et mélodies complexes de "Le Barbier de Séville" de Rossini, basse juteuse de Méphistophélès coloré (comment pouvez-vous oublier "Faust" de Gounod!) Et chanson lyrique Lel de "La Neige Maiden" par notre compatriote Rimsky-Korsakov. Écoutez les meilleurs opéras et profitez-en!
